舊文搬運（2018.7.22）
有些電影看過即忘，一時娛樂、心情調味或是純粹的殺時間。有些電影則“餘震”極強，長久盤亙腦海，不止走出影院後的一兩天，可能過了一兩年，當被問到“你有什麼喜歡的電影嗎？”之類的問題，還會脫口而出。《銀翼殺手2049》於我，屬於後者。
即便時間洗澱，那個極富張力的安靜未來世界仍會偶爾閃現，仍會覺得不補上一篇文字是種遺憾。
生長在集體想象中的“賽博朋克”
賽博朋克（cyberpunk）的明確定義，翻翻各路百科，都能找到佶屈聱牙、追本溯源的敘述。一種類型風格誠然其來有自，但絕非從誕生伊始就一成不變，它會是種“動態生命”。賽博朋克的世界觀、典型元素、代表理念、場景風貌，是由若干優秀作品不斷“補完”而成，其風格逐漸定型，拋出名詞即有特指，也是一條“共鑄”之路。
那麼時下，對於扮演受眾而非創制者的你我，聽到賽博朋克會聯想到什麼，覺得一個冠以賽博朋克之名的世界該出現什麼呢？恐怕會和威廉·吉布森、菲利普·K·迪克等文學先驅構想的有所出入。如果是我，應該會做如下描述：
線條硬朗鋒銳的刺天高樓 / 層層疊疊擁擠的廣告牌 / 香港九龍城寨式的密集聚落 / 五色七彩炫目的霓虹光汙染 / 巨大的全息人形投影 / 聲色犬馬的湧動人潮 / 金屬質感暗藍光澤的科技設備 / 連綿不絕的冷調陰雨，處處可見似鏡子般的積水 / 中心區簡潔空曠的建築，無人區昏黃荒蕪的廢土 / 邊緣角色，自我認知迷惘的人物 / 大型壟斷政商組織 / 反烏托邦基調 / 義眼、義肢、假體、插管、芯片、改裝、有智能的機器 / 有關心、腦、靈肉、記憶、信息、自我的主題……
不代入任何一部具體作品，這個世界也會浮現。反之，它又是若干優秀賽博朋克影、遊、文、漫代代延迭的結果。它們共享元素又氣質獨特，聯結起來讓一個本不存在，或言存在於個體與集體想象中的世界越發迷人，也越發挑戰著真實的邊界。
30多年前雷德利·斯科特把《仿生人會夢見電子羊嗎？》搬上銀幕，賦予了原著所不具有的造型、聲音、光影、氣霧等視覺藝術體驗（對比一下文本和影像就會發現，儘管還是那個銀翼殺手追捕仿生人的故事，內核一致，體驗卻截然不同），由此啟發了《攻殼機動隊》《黑客帝國》等同樣名垂影史的神作，“賽博朋克”的世界構建，互融共鑄，到《銀翼殺手2049》完成了一圈精妙的閉環。作為技術更優、年代最近的續篇，《2049》繼承前作風韻，也整合了大部分有關賽博朋克的幻想意象，完全可以作為同類標杆。不止電影領域，如上拼貼而成的抽象“世界”，已在遊戲《勿忘我》中出現，還會在大概真到2077年才能發售的《賽博朋克2077》裡再次出現……
《2049》最有別於普通影片的氣質之一，就在於“世界”感——通常，單部電影，只能講述一個故事，很難給觀眾展現恢宏、豐滿、逼真、完整的世界觀。值得提“世界觀”的，往往是表達方式更細膩的小說或信息容量更大的遊戲。電影傳遞信息的時長較短，形式偏於濃縮精湛（也可對比電視劇，臺詞推進的節奏和鏡頭推進的節奏判若雲泥），想要構架整套世界觀，拍成系列更常見：看看《星球大戰》和《星際迷航》有多少部，漫威宇宙鋪了多少線拍了多少部就好了。雷老爺子自己的《異形》，僅第一部也稱不上擁有世界觀，甚至到了《普羅米修斯》和《契約》才具有等量規模。同理還有《猩球崛起》、《終結者》、《加勒比海盜》、影版《生化危機》與《哈利波特》等等。由於商業片還得給予觀眾一段劇情，能在此同時於一部內實現的，成色一定不差、續作呼聲也高、時長一般超過兩個半小時，比如《指環王1》，再比如…《阿凡達》？
《2049》無疑做到了，一方面固然是因為30多年前的初代定下的調子太高，開啟的先河太寬。另一方面恰是：30多年內這條河中又開掘出了若干閃耀的珍礦，共同補完、鑄就了完整的賽博朋克風格。看這部電影之前，觀眾腦海裡就已經有了一個抽象的賽博朋克世界，觀影之後，則會驚呼：這就是賽博朋克啊！
這絕不僅是時間跨度、事件繁複度所營造出的觀感，（哪怕沒有那三部前傳短片，照樣會有從影片本身析出的鋪天蓋地的時間線梳理），更得益於它自身的影像世界架構，《2049》的另一重獨特氣質便與之密切相聯。氣質之二即是：沉浸感。
立體飽滿的人物和跌宕出彩的劇情固然重要，但營造沉浸感也可以通過一些“表層”拼圖實現，不妨將其拆解為：攝影，配樂，節奏。這三塊部件也是談及《2049》藝術表現力時最常被提起的環節。
羅傑·狄金斯貢獻了超一流的攝影功力，有太多能讓人屏住呼吸讚歎的絕美鏡頭。那些像黃金分割般精緻的幾何感構圖，鬼斧神工渾然天成的城市內外景緻，和人物彷彿融為一體的白雪黃沙，有如心情外映的沉窒濃雨，整飭畫盤般靜心調和的色彩光影……隨手幾幀，都是壁紙大片級的頂級靜相。
對電影來說這當然還不夠，畫面須得和情節、人物、心境無縫契合才能迸發生機。《2049》正屬於那種，一旦畫面流溢，靜態轉動，可能數秒之間，鏡頭的呼吸感、世界的生命感，便驟然從銀幕襲湧而出。“反向”作用亦伴之而生：將觀眾吸入其中。可能我過多久都不會忘記當時專門去找塊2D銀幕所收穫的沉浸與震撼。
不得不提的還有色彩運用。除卻不少地方用以渲染未來世界人工光照的絢爛五彩，在自然色彩方面正如其主海報，《2049》採用兩極用色，要麼極暖，要麼極冷，冷色調自然清冽凌厲、寒意逼人，暖色調則多營造荒蕪、神秘、肅穆之感，不少場景的色彩單一、飽滿，又很有層次，營構出的畫面既能符合未來世界的幻想風姿，又會讓人覺得安靜舒揚而栩栩如生。
漢斯·季默則再次玩起他最擅長的科幻電子風配樂，不同於攝影基本沒得黑，這種配樂風格也有很多人不喜歡，覺得噪，吵，刺耳。歸根結底，人類會喜歡和諧悅耳的音樂是種本能，所以各種器樂都編好了各調和絃方便演奏。而《2049》中，“背景音”其實也有兩種極端情況：很多時候完全是零，靜得如同厚雪壓地；很多時候則充斥著振幅劇烈、彷彿機械摩擦般的不和諧音。只有極少時候會是恢宏昂揚的交響奏鳴（比如59分處K找到揭開身世關鍵線索，第一次出城時，心情應當緊張而歡愉）。須知，配樂的渲染是為劇情和人物服務的，“2049年”本就是一個表面和諧的反烏托邦式時代，複製人與人類矛盾暫隱，暗流湧動，主人公則經歷了漠然、迷惘、覺醒、低谷、救贖的成長弧，音樂的不和諧，刺耳，壓抑低沉，恰與之相得益彰，是不可多得的經典綴飾，如能融入，放手讓這些不和諧音牽著心絃走，沉浸感能有倍數提升。
影片剛上映時譭譽參半，緩慢的節奏至少要背一半鍋。《2049》的節奏確實是把雙刃劍，如果按導演維綸紐瓦想達成的預期效果，非這種寂然慢調節奏不可，上文一切諸如世界的展開、攝影構圖的呈現、配樂的渲染，都必須以現有的節奏為前提。它們都是組成《2049》美學風格的必要環節，“節奏”更是其中的軸線C位，是基調底色，每個環節精密咬合、相互適宜，最終出品的才是一件完整的藝術品。誠然，另一道鋒刃就在於，沉緩的節奏本身是不利於觀眾投入的，天然會讓人分神、瞌睡，也就將輕度觀眾拒之門外了。故而本片的節奏就是一條“基線”，觀影狀態但凡能超出基線以上分毫，馬上就會被它的一切吸引，領略它的真正魅力，沉浸感將如出洞煙火般升至頂點。但如果低於基線，也就就此錯過了。故而我一直說：本片的整體節奏如提到1.5倍速，至少會更“像”神作。
到底是複雜，還是簡單呢？
有人認為《2049》的劇情很簡單，有人卻到處高呼沒看懂到處找“劇情解析”。倘若粗線條概括，這確實是個極簡的故事：處於邊緣地位的複製人尋找身世，領悟自由意志，完成自我救贖。但要是想弄清每一個細節，每一處影片並未明說的鋪墊暗示，每個人物潛藏的行為動機，每個致敬、彩蛋、意象隱喻，又的確得大費一番功夫。
這篇文章並非寫於上映熱度之時，無意在“德卡到底是不是複製人”這種幾十年來故佈疑陣的老梗、“K的上司對K有什麼情愫”、“Luv為什麼總流淚”這類無涉核心的疑問、“XXX為什麼不@#￥%&”等再解讀、“K怎麼知道安娜的身份的”等有顯而易見答案的問題、“水，眼球，天使……”等隱喻上再花筆墨，依然會做一些個人化的分析。
《2049》是以人物為軸線展開敘事的，讓我糾結的關注點與疑問其實只有一個：從情節本身而不是解讀附義的角度，K的真實身份定位，到底是什麼？
劇情的表面意涵，只有一重反轉，籠統講就是從“chosen one”跌為“nobody”，但實際上有兩重反轉，三個階段，這樣的身份轉變安排一點都不簡單。
第一階段是循線展開調查，誤認為自己是德卡和瑞秋的兒子，革命之火的希望。第二階段是認知幻滅，換來反叛軍領袖福瑞莎一句“我們都希望那孩子是自己，所以我們才堅信。（We all wish it was us，that’s why we believe.）”至此，K的信念崩塌，進入重建與意義索尋，後面的劇情急轉直下。
再刷時我心中才出現了巨大的問號，但直到影片收尾，都沒再提K的真實身份了，第三階段是藏於草蛇灰線之中，明於影片之外的。我們都知道了K的那段童年記憶是植入的，他並不是生育誕生的複製人，但這並不讓人滿足。還記得K最初是怎麼“確認”自己身份的嗎？——找到兩組完全相同的DNA。按照慣性，應當認為小男孩和小女孩的死亡真相被調換，K就是那個為了混淆視聽複製安娜DNA的小男孩。他的誕生就是個巨大的悲劇。但從這個意義上講，他其實還是位“chosen one”——反叛軍和德卡的選擇嘛。但這重理解其實有漏洞，並不能自圓。
說實話，這個問題想得我腦殼疼，我在手機上不斷寫下思路推演，圍繞它衍生出4個相關問題，麻煩就在於這4個問題又互相纏連，互相推翻，循環又循環，以至於推導無法流暢順利地進行，雖然最終我還是得出了一個綜合完整版：
（這部分就純屬個人思路和自言自語，長且枯燥，可以直接跳過去看最後的結論。）
中心點：K的身份到底是？
相關問題：
一、K是不是小男孩？
是→則不會和安娜有相同的木馬記憶。小男孩是複製基因所得，出生日期相同，和安娜一起被送去的孤兒院（K的調查顯示）。即從誕生開始，小男孩小女孩就會有各自的獨立記憶。推翻。
不是→就是個普通複製人。複製人沒有生育能力，一製造出來就是成年人。K的記憶是植入的。
二、為什麼挑K植入？誰植入的？
1.為了製造障眼法。那麼，如果只植入K一個，就得一步步引導他，埋藏暗線，側面輔助他去調查，讓他認為自己是天選之子，然後暴露身份，代替安娜，障眼法才有意義。
但似乎……反叛軍沒這意思。如果有，就不會大方地說“she”漏嘴，不會當面戳穿K的幻夢。讓他繼續誤解，扮演安娜，甚至被抓被解剖，不是更合目的？
那麼，如果植入的不止K一個呢？則合理。戳穿也無妨，就如影片中表現的：假意驚訝並模稜兩可地安慰，把他納入反叛軍，繼續給他派任務。未來，也許還會出現別的障眼法複製人，他們被植入的童年記憶都不一定是同一段，華萊士方，人類（警局），依然找不到真正的天選安娜。
2.安娜……無意“手滑”，一次工作失誤，工作中還是無意摻了個人情感（“每個藝術家都會將自己融入作品”），剛好提供給了華萊士公司一段真實的記憶，而這段記憶被植給了一個複製人：K。後面K的循線調查、懷疑自我，都是巧合。全世界只有K有她這段記憶。反叛軍領袖確實不知情。K就是個意外產物，連個障眼法都不是。
三、安娜到底知不知道自己的身份？
1.不知道。則沒有明確目的的工作失誤不可能反覆出現。反叛軍領袖因不知情，反應合理。K是巧合的產物，同二（2）。
2.知道。
1）知道也可能手滑，因為她自己沒有製造替代品的想法。同上。
2）知道且有目的植入。則同二（1），不可能只製造一顆煙霧彈，是和反叛軍共謀、目的一致，製造不止一個K。
兩種情況，都能解釋安娜見到K時的流淚反應。一種更多是驚訝、內疚、得知面前人負擔了不該負擔的真實記憶；一種更多是內疚，因為真正見到了因自己/叛軍的計劃，即將要成為犧牲品的活生生的一條生命。
四、小男孩，去哪了？
1.男孩才是患了加拉太綜合徵的，死了。安娜其實完全健康。反叛軍把兩人的生死結果調換，偽造了系統中的死亡記錄，並撕去了孤兒院裡的記錄本。把安娜放在封閉環境中只是為了保護她。
2.男孩安娜都得病。因為是基因病，兩人基因又相同。男孩死了，安娜沒死，八歲之後的走向同上：反叛軍偽造信息、撕毀孤兒院的年記本。唯一不同是安娜確實需要隔離。
3.既然反叛軍有能力偽造系統裡的死亡記錄，那出生記錄和基因記錄呢？有可能小男孩壓根就是偽造的，根本就不存在這個小男孩，只有安娜去了孤兒院。“有一個基因相同的小男孩還活著，女孩死了，正常情況下沒有兩個人基因相同，所以女孩是克隆人，天選之子是男孩”，這才是當有人去查記錄時會浮現而出的又一個障眼法。事實上K也確實查到，並上當了。只是剛好，K有安娜的記憶，無論巧合擁有還是刻意植入，K把自己當成了天選之子而已。如果影片開端不是K去“退休”複製人老軍醫薩珀，不是K查到這裡，上當的銀翼殺手也會去追查男孩，誤導作用同樣實現。
於是，最後得到有兩種都說得通的可能性：第一，K是安娜“誤操作”的意外巧合產物而已。第二，K只是若干個被植入記憶的普通複製人中的一員而已。
不論哪一種，力度都比“第二階段”大得多，真相讓人脊背生涼、寒意裹身。K是徹頭徹尾的“Nobody”，身上半分特殊性都不帶，平凡得不能再平凡。
前者，他根本不是什麼安娜的替代品，也沒有任何特殊宿命。一個一點都不美麗的誤解導致了他的一切無意義行動，一個既是命運也是自己給自己開的玩笑填充了他的人生。他擁有了一段根本不配擁有的黃粱美夢，飛得還是一樣高，跌得卻比預期更慘，所謂谷底是毫不見底的深淵。
後者，更甚。連正常人/普通人/邊緣人/複製人都擁有的自我安慰利器“獨一無二的自我”都沒有，幾乎是個“流水線產品”，是另一層面上可無限複製的“複製人”，揭開蓋子才明白，以為的真實其實是楚門的世界。他所重視的“寶貴回憶”，連個屁都不是。
這是怎樣一種巨大的悲愴與虛無呢？荒誕嗎？當然荒誕。黑色幽默？確實不好笑。存在主義嗎？當然也算：世界與人生的本質即虛無的荒原，追尋意義的過程也毫無意義，存在先於本質，而本質並不存在，有的只是“存在”。
到這一階段，再去看影片尾段K所經歷的心境寂滅，所迷惘的信念重塑，所進行的救贖行為，所做出的“自由選擇”，並最終躺在天地闃聲、一片白茫的雪階上奄奄一息，承擔著自由選擇後的“責任”，都會有更深的感觸，更沉重的念想，那股無言的悲涼與釋然，將人物的弧光在終焉之刻提升至絕倫的亮等。
K在與反叛軍會面之後，與巨幅全息投影喬伊的“重逢”是片中的一大經典鏡頭，虛擬戀人喬伊無疑是片中僅次於主角K的動人角色。一種觀點認為安排這一橋段是為了凸顯“原來虛擬女友也是虛假的”，以加強彼時K的心境。經過上述推演，我實在不願這麼想了，虛無感太強將有吞噬之效。
好在反覆回看對比之後我找到了兩處證據，也正是易被認為“喬伊的一切話語行為都是被設計好的”的兩句臺詞：
全息投影所說的“What a day”和喬伊所說的“Was a day”。
全息投影所說的“You look like a good joe”（俚語“你看上去人不錯”）和喬伊為K取的名字“Joe”。
如果只在影院看一遍，既視感真的很強，但其實……還是有那麼點差別的。所以我傾向認為：喬伊當然有既定程序，也未必擁有完整的自我意識和情感，但應該還是個擁有自我學習能力的AI，那一點微妙的用語不同，恰可作為她有著學習模塊和情感模塊的印證。所以陪伴K的喬伊經過用戶長久的個性“調教”後，已經和那些批量出廠的無限複製品截然不同，是獨一無二的特殊個體了。該橋段僅僅是為了喚起回憶、表現失去愛人的痛苦而已……
總之，我們不妨就把這位幾無缺點、讓人豔羨不已的虛擬戀人喬伊，當成是悲傷基底上僅有的一道暖痕吧。
靈肉，記憶，以及科幻的本質
《銀翼殺手》能成為科幻影史上的豐碑除了美學上的突破，富有哲思的深邃思考之融注也必不可少。它的精神續作們用鏡頭語言延續著這些形而上的討論，讓一些元素成為了賽博朋克題材的共有母題，而作為正統續作的《2049》也接過了這份衣缽。
“人機關係”命題縱貫大部分賽博朋克作品，對象可能有機器人、克隆人、虛擬人、生化人等等不同型態，故事也會隨設定的差異綻放出不同的火花，但本質其實都是人類對異化的自我之再審視，“人機關係”其實就是科幻化了的“靈肉關係”、“身心關係”命題。
這組命題也跨越了整個西方哲學和美學史，身心二分論最早可以追溯到柏拉圖，而在“全部西方哲學史都是對柏拉圖哲學所做的註腳”的傳統哲學語境下，與其它對立關係組一樣，身心關係同樣長期被置於二元對立的框架下進行討論，且身體從來都是被壓抑、被貶斥、被邊緣化的一方。得益於尼采、梅洛龐蒂等人一系列的“身體宣言”，身體在與靈魂的“對抗”中逐漸佔得上風，並在現代哲學中以激進的姿態大方“出場”，尼采便在《查拉斯圖拉如是說》中激情洋溢地寫道：“我完完全全是身體，此外無有，靈魂不過是身體上的某物的稱呼。”在其振聾發聵的啟發下，福柯、德勒茲、費瑟斯通等人將象徵著醉狂、想象、生命、本能的酒神狀態徹底解放，非理性主義前所未有地高揚，“身體轉向”作為後現代主義三大轉向之一，也是後現代文學、藝術、審美的重要特徵。
我們已經身處充斥著消費陷阱、扁平“景觀”的後現代社會了，（嚴格來說歐美從上世紀60年代就進入了“後工業時代”），而優秀科幻作品向來都是指向未來的假想藍圖，那“後現代”再往後，靈肉關係命題會衍變成什麼樣，表現為什麼狀態呢？
以《銀翼殺手》為典型代表的一系列賽博朋克作品就描繪出了一副充滿張力的圖景。一方面，由於對身體的重視、迷戀與執著，它已經可以徹底從母體中分離出去，成為全新的個體，成為更完美的“肉體”。（這也算是對“為什麼喜歡創作沒有實際意義的巨型人形兵器”、“為什麼人類的造物總是以自己為模子”的一種解答。）
另一方面，在這世界上和在歷史進程中，很多理念、思索，都是螺旋式、循環式上升的。就比如我前文提過的存在主義曾經風靡一時，作為思想圭臬之一造就了“性、搖滾和迷幻藥”的光怪陸離的60年代，但受其影響、奉其為真理的年輕人們在放縱與無秩序之後，還是試著去重拾了西方傳統認知中的、被拋棄的所謂“理念”。思想的提出者也是如此：“自由選擇”就是薩特給前兩個命題“存在先於本質+世界荒誕人生虛無”找出的“積極解藥”，加繆則認為徒勞推動巨石的西西弗斯“其實是幸福的”，對抗荒誕的途徑之一就是西西弗斯式的“反抗”，之二就……。賽博朋克中的靈肉關係也是這樣，當人類發現複製人擁有更完美的肉體，甚至能擁有“智慧”和“腦”時，又開始追本溯源，標榜自己優於造物的理由是：靈魂。
這是大部分同類題材主人公困境的根源，是德卡思考的，是草薙素子思考的，也是K思考的。處於邊緣的複製人、義體人、生化人等等已經有了“肉體”和“腦”，到底有沒有“情感”“靈魂”和“心”呢？
這樣的詰問一定不會有標準答案，畢竟現實還未發展到那一步，但能超出現實的藩籬進行構想，就是科幻題材的優勢所在，能在作品中提出這些問題，放大它們的哲學衝突，就是科幻題材的魅力所在。
與靈肉關係、心腦關係密切相關的，是記憶與真實的關係。我曾看到過這樣的評論（大意）：“K的記憶就是他自己的，他攜帶著這份記憶，受它的影響做出一系列行動，他活出的人生還是自己的，那這段人生不也是真實的嗎？”
雖然有些一廂情願，但這或許的確是片中的複製人口號“More human than humans.”，臺詞“Dying for the right cause is the most human thing we can do.”的真意。K最後也是帶著這樣的信念才選擇去救德卡。
而這組關係最弔詭也最有趣的一面就是，“記憶具有虛假性”早已是種共識，複製人的記憶植入也建立在此基礎上，複製人的設定比克隆人機器人之流更有深度，也正因為他們也擁有“先天記憶”，更“像”人類也更難分辨差異，所以倫理、哲學層面上的矛盾衝突會更為激烈。（《攻殼》同理：用了“電子腦+真記憶”讓差異更含混）。但，
這份“虛假性”又和“真實性”幾乎沒有差別——假設你擁有一份記憶，它實際是虛假的，但你毫不知情，那它對你來說，不就是真實的嗎？再進一步，不但你不知情，你身邊的人，甚至你所聽所聞所接觸到的世間萬象，通通不知情，它不存在細節上的漏洞，你沒有任何可能發現這是一份假記憶，那真實的標準又是什麼？它對你來說，不就是真實的嗎？此時，如果有個“外來人”告訴你一段真記憶，它違背了你長久以來所聽所聞所接觸到的世間萬象，違背了你一切經驗性和日常性的認知，難道你的第一反應不會是：“扯什麼XX蛋吶！有病吧？”所謂的“真”，會比你一直堅信的“假”更真嗎？
偏偏，外部的記錄都可以篡改，而內部的憑據，人類所持有的還真就只有記憶。
文藝作品圍繞這點做文章的，如果是現實題材，我們開了上帝視角，看得到“漏洞”，快感來自於發現異樣的雞皮疙瘩。如果是科幻題材尤其是記憶可植入可隨便修改的賽博朋克，這個死結就能無限循環，像薛定諤那隻貓一樣，永恆地處於生死之間。
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回顧一下《銀翼殺手2049》所呈現給我們的心與眼的雙重饗宴吧，那些濃烈色彩下絕美的幻世景觀，那些令人嘆惋的人物命運，那些自然促發的無窮思索，那份盤繞腦海的珍藏餘味……
好的科幻到底是什麼，我自己總結過兩條判斷規律，完全可以用在這裡：
1. 科幻的本質是投射而非腦洞。畢竟產自人腦，再瑰麗的想象依然有現實的落腳點，它們延展、放大、異化、重組現存的社會問題或永恆的哲學命題。
2. 科幻的頂點是科技與人性兼具。在虛構的背景下自人離身又迴歸到人，把兩個極點捏在一起相互滲透相互凸顯，理性與感性碰撞並平衡。
這兩點《銀翼殺手2049》都做到了，稱它一句神作，又何妨呢？
個人公眾號：但丁的船（Dante-Ark）
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