原標題：布魯斯·瑙曼回顧展 觀念藝術詮釋“消失的行為”
布魯斯·瑙曼——這位本世紀最具影響力、最富創造精神的藝術家，在當代藝術的舞臺上依舊保持其獨特鮮明的批判聲音。瑙曼用他的裝置、攝影、表演現成品以及錄像藝術不斷探討、檢驗著藝術與生活的關係。
布魯斯·瑙曼《White Anger, Red Danger, Yellow Peril, Black Death》
作為布魯斯·瑙曼25年來的首次大型回顧展，165件作品的體量包圍了現代藝術博物館本部的六層和和位於紐約長島的MoMA PS1分館。展覽提供了一個獨特的機會來展示藝術家對各種媒介的掌控，從繪畫、版畫、攝影、雕塑到表演、電影、霓虹燈和大型裝置，全面回顧了藝術家1960年代迄今的職業生涯成就。
布魯斯·瑙曼，《對立式平衡研究》，2015/2016
本次展覽的主題“消失的行為”，這也是瑙曼在藝術實踐中遵循的主題之一。他創造碎片化、空心化的作品，對空間進行解構，讓參觀者耳聞其聲而不見其人，努力讓“自我”從作品中“消失”。在策展人凱西·哈爾布里希（Kathy Halbreich）看來，“消失是一種行為，一種概念，一種感知探索，一種魔術般的欺騙手段、也是一種工作方式”。
在MoMA的六樓共展出50件作品，有很大部分是他體積較大的作品，與觀眾有很強的互動性。這些作品共分為三個主題進行展出——“缺席的身體”、“參與性結構” 、“虛構的空間”。在MoMA PS1共展出了115件作品，按照不同的主題再現了藝術家幾十年來訴諸於作品的重要概念——“具象傳統”、“創作雕塑的新方法”、“無形之形”、“表演”、“人類自然/動物自然”、“眼界”。
布魯斯·瑙曼，《一百個生與死》，1984
布魯斯·瑙曼的藝術之路始於繪畫，後棄之轉向雕塑、影像、裝置等各種表現形式；法國人形容他為“難以歸類”的藝術家，其創作揉雜了觀念藝術、行為藝術與極簡主義，表現了對人體、空間、運動、語言、自然、動物，人類生存與環境等主題的不倦探索。
展覽現場
瑙曼相對比較入世的作品當屬用霓虹燈製作的系列，那些五顏六色的燈管組成的標語，在黑暗中發出具有誘惑力的光線，這大概才是現代人所熟悉的溝通方式。他的這種觀念藝術創作延續了40多年，他是上世紀60年代觀念藝術的開路先鋒之一，創作了開放式作品，如玻璃纖維雕塑、霓虹燈浮雕等。瑙曼曾經這樣形容自己早期的霓虹作品，“我想到自己可以創作似乎會消失的藝術，一種需要看起來不像藝術的藝術。”
瑙曼的創作範圍很廣，包括創作了開放式作品，如玻璃纖維雕塑、抽象的身體翻鑄品、行為表演、霓虹燈浮雕、電影、錄像、互動式環境等等，傳誦一時。瑙曼非常沉迷於解決藝術結構上的個人問題。畢業後他前往三藩市，租下工作室，開始對藝術語言結構上的探索。這間過去是雜貨店的工作室似乎也提供了他無窮的靈感，櫥窗上任未拆下的霓虹燈管啤酒廣告，一閃一閃，強烈地提示著瑙曼。瑙曼堅持認為審美經驗取代實際的對象，感知本身可以看作是瑙曼作品的主題，也就是說觀眾面對藝術品時感受到了他們的身體或他們的內心。瑙曼作為觀念藝術的代表人物，將傳統的藝術習慣和做法拓展開來，並對後來的藝術家產生了重要影響。
作為極其獨特的觀念藝術家，瑙曼的作品或許晦澀難懂，這並不能成為其作品在市場上流通的障礙，收藏家對他特別厚愛：1992年，他的大型霓虹燈裝置藝術《One hundred live and die》(1984)的拍價就高達175萬美元；華盛頓的赫什霍恩藝術館和雕塑花園在1993年以100萬美金的價格購買了他於1967年創作的作品《From Hand Mouth》；他在2001年創作的由四個大型錄像裝置構成的作品《Mapping the Studio》，以每個裝置120美金的價格售出；2016年，《Eat War》在紐約佳士得以168萬美元（1101.2萬元）拍出，為日本知名收藏家前澤友作競得。
布魯斯·瑙曼，《雙層鋼籠》，1974
瑙曼最初的工作室在加州，1970年代末期遷居新墨西哥州，至今與畫家妻子在大西部的牧場上遠離塵囂地生活和工作著。這一當代藝術圈裡奠基式的人物，行為處事十分低調：沒有助理團隊，極少出鏡推廣，完全隱身於作品之中、作品背後，被媒體藝評稱為“看不見的人”。但其作品自七十年代初開始，便在世界各地重量級的藝術機構、畫廊展出，影響了無數同輩及後來者。更於1999年及2009年兩次被授予威尼斯雙年展金獅獎。
據悉，展覽“消失的行為”主館展期持續到2月18日，MoMA PS1 持續到2月25日。
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