松风阁书法日讲
艺术品的产生往往是“蓄谋已久”，“豁然而成”，如鸡下蛋一样，期间有一个自然力的“孕育”过程，待到时候已至，身不由己“瓜熟蒂落”，如有“神助”！
艺术品首先是作为某种“器物”、物质属性，如泥土里开出的“花”，隶属、根植于“大地”，其制作如同一切人工制造物、或自然生成物一样，符合物品的制作、成熟过程，是人类劳作的衍生品。
另一方面，她作为承载生命情感的精神、艺术品，又似乎有某种“无形”或潜存的灵性“生命力”，源于形而上之道，宇宙鸿蒙开辟之初，超越于“物性”，以“灵感神思”、信息密码，被“收藏”存在于艺术家的心胸之中。从而守护艺术世界的丰富、纯洁，以及生生不息。
一、艺术品“外在”的产生过程
艺术家创造艺术品，往往源于灵感的启发，孕育于“初心”，如种子落入泥土，而艺术家丰富的人生历练、生命体验、知识储备，就是养料和驱动力，然后遵从忠实于自己的审美感受，以形象思维按美的规律，对生活素材进行选择性加工提炼，构思出审美意象，然后再使用物质材料，将审美意象表现出来，最终构成内容美与形式美相统一的“艺术品”。
我自己由于教学需要，画了些“示范画”，除了临摹复制以外，也“原创”了一些乡土风景画。比如四五月天，傍晚在操场散步，忽抬头看见槐花间的月亮，触动心弦，又想起那首林依轮唱的歌《开满鲜花的月亮》，随手选好视角拍下来，根据照片画出草图，再用油画棒涂色，主要采用印象派手法，以及大卫•霍克尼式绚烂、阳光饱和的色度，就画出一副还算满意的独创画。这是我的个人体会，写作也大体如此。
艺术创作过程中，并不是有了灵感就能轻易一蹴而就，根据艺术样式的不同，必须有情感的“灌注”，曹雪芹写《红楼梦》耗尽心血，达芬奇画《蒙娜丽莎》是随身携带几十年才完成的。
比如，创作中资料的收集，就犹如大海捞针、沙里淘金，是个体力活。作家路遥为了写《平凡的世界》，曾经十年如一日，硬着头皮把六七十年代的人民日报、省级日报，夜以继日一张张读完了。这得有多大的毅力！
二、艺术品“内在”的生发机制
艺术品的创造，不全是“纯技术”的工匠制造行为，她是生命激情的“燃爆”，酒神“力的过剩”（尼采语），是“作家的白日梦”（佛罗伊德语），是“神与物游，”（《文心雕龙》）。
艺术源于真情实感，情感的推动力是艺术创生、结晶的内因，贯穿在艺术品创制的始终。一切传世的伟大作品无不如此。
现代艺术最大的缺陷不足，就是没有“人气”，只是工业社会抑郁、焦虑的外在“投射”。我们看到许多的装置艺术、超级写实油画，都有此毛病，被称之为“病态的艺术”不是没有道理的。那甚至被作为绘画艺术基础的素描，也有此弊，机械、教条、空洞导致对艺术天赋的抑制与“割伤”。
有相当一部分现代艺术，谈不上创作，只是大量“复制”“挪移”，没有任何艺术性可言，由于失去艺术灵性。
艺术创作也应该“不忘初心”，以质朴、简约、自然治愈现代艺术病，慢慢的健康发展，复苏、繁荣艺术市场，体现艺术应有的价值！
我教学用的“示范画”
乐活谈艺录，一家之言，共勉！
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乐活光阴
我以为，这个问题提的好。
有句成语大家都很熟悉，叫“胸有成竹”。意思是说画家要画竹子，心里应该先有竹子的模样，这样画起来才会得心应手，手到画成。
艺术家正是这样。创作什么样的艺术作品，以什么样的风格和手法表达作品的状貌和思想情感，艺术家在创作之前已经酝酿在胸，成竹在胸。文学作品是这样，绘画作品亦是这样。
尽管画家在创作艺术作品时或有模特或有客观物象作参照，但这并不影响画家早存于心的艺术“原型”。画家会在创作过程中将自己心中的“想法”和思想情感审美取向融入作品之中，而不会照本宣科的依照模特和客观物象比葫芦画瓢，艺术源于生活又高于生活正因为此，艺术的魅力也正在此。
世界最著名的一幅油画应该是欧洲文艺复兴绘画巨匠达芬奇的《蒙娜丽莎》了。而这幅画最神秘的地方就是蒙娜丽莎的微笑。达芬奇创作这幅画前后用了14年时间，他心中一直装着蒙娜丽莎的微笑，一直在琢磨如何将这种微笑表现出来。为此，达芬奇在创作这幅作品时，仅是对蒙娜丽莎的眼神和嘴角就修改了100多遍，直到他认为和他内心的蒙娜丽莎的微笑完全吻合才满意。
无独有偶。和达芬奇的《蒙娜丽莎》一样被巴黎卢孚宫收藏同时做为镇馆之宝的经典人体油画《泉》，是法国十九世纪学院派首席代表、新古典主义创始人之一安格尔的代表作。安格尔从1830年就开始酝酿《泉》，但直到1856年才创作完成，居然用了26年时间，安格尔也从正当壮年的50岁成了76岁的老人。
这是一幅呈站立姿态的正面全身人体艺术肖像。在安格尔之前还没有这种类型的油画，如何能让这幅作品既表现出人体的完美而又不流露出一丝半点低俗，安格尔真是煞费苦心，他成功了。画面中，一位年轻美丽的女子双手托举一个酱紫色陶瓶，双腿略呈弯曲，正面垂直站立于绿色的壁龛中；少女表情单一，目视前方，透着无邪的神韵；画家用天鹅绒般的笔触勾勒出少女青春活力的肌肤；从陶瓶中倾泻的泉水给平静的画面增添了流动的韵律，更加烘托出少女质朴纯净的心灵和高洁典雅纤尘不染的气质，给人以至真至美的感受而又不曾有其他的旁思杂念。《泉》被世界许多国家列为人体艺术教学的范本。
大量事例说明，很多艺术作品在创作之前，已存在于艺术家的心中。
灯影书画
如果说艺术作品在创作之前，就存在于艺术家的心中，那样的说法是太过于绝对了，为什么这么说呢？主要原因是艺术的种类繁多，而每一种艺术的创作方式都有所不同，有些艺术是没办法做到未动笔就已经把完整的作品先存在心中的，毕竟人的记忆是有限的，
我们先说说哪些艺术作品在创作之前，就存在于艺术家的心中，毫无疑问，书法艺术在未创作之前，就存在于书法家的心中了，一个书法家只有事先对字体的笔法、结构了如指掌，下笔时才可以做到“一步到位”，如果你心中没有对字体保留着深刻的印象，就不可能书写时洋洋洒洒而且呈现章法，
然而对于绘画艺术来说，是没办法做到艺术作品在创作之前，就存在于艺术家心中的，我们常见的国画或者油画都一样，国画注重“写意”，油画注重“写实”，却都离不开“写生”，先说国画创作吧，画家经常外出写生就是为了寻找“身临其境”的意境感，这意境感只有在现场创作时才能更生动，
接着说油画中的人物画吧，为什么艺术家要有模特呢？就是因为对着模特创作才能达到形象逼真的效果，换句话说，如果没有模特做参照，试问一下只凭借心中人物的形象，这样创作出来的人物又是怎样的效果呢？毫无疑问，肯定没有对着模特创作要来的形象逼真，综上所述，对于绘画艺术创作来说，艺术家是没办法在创作之前就把完整的艺术作品存在于心中的，存在于心中的只能是艺术家对色彩光影效果的巧妙运用。
诗夜城主
你好，亲
艺术作品创作之前，就存在于艺术家的心中，即使还未彻底成形，至少在艺术家创作前，心中已经形成了大致轮廓
书法家王羲之曾提出：”意在笔先，然后作字。”
无论是写文章，写小说，绘画创作，一定要先构思成熟再下笔创作，如果你凭空想象，空口无凭地创作，你会毫无头绪
画家郑板桥把画竹子的过程，分为眼中之竹，胸中之竹，手中之竹三阶段，个人拙见，三个画竹的阶段，在西方美术史的油画创作中同样适用
以巡回画派画家，苏里柯夫的作品《女贵族莫洛卓娃》的创作过程为例
一眼中之竹，是画家视觉中竹子的外在形态，现实中的绘画素材，比如一组静物，一个模特，一处风景，都是画家创作的眼中之竹
苏里柯夫的作品《女贵族莫洛卓娃》取材于历史事件，女贵族莫洛卓娃年少守寡，信奉旧教，救济贫民，施舍乞丐，普济众生，深得老百姓爱戴，但是她维护旧教令沙皇不安，所以她因此被迫流放
这段历史事件，女贵族莫洛卓娃，是苏里科夫创作的眼中之竹
二胸中之竹，是竹子在画家头脑中的反映，要经过画家头脑中的不断构思，不断分析思考
创作一幅世界名画并不是容易的，个人拙见，胸中之竹，是画家创作的最关键的阶段
画家创作一幅大型油画前，都要构思画作的构图，布局安排，画面氛围等等，如同写一部小说，最好创作前先写好小说的大纲
苏里科夫在画这幅《女贵族莫洛卓娃》之前，画了大量草图速写，不停研究构图，下苦功夫研究画面黑白灰光影的安排，呕心沥血倾注了大量心血和精力
画家不停推敲构图，布局，甚至精细到一个手势的安排，甚至开始在画布上作画时，因为草图中雪橇没有给观众留下前行的感觉，画家坚定重新在画布上作画
可见画家对待创作的严肃态度，推敲构图的呕心沥血，最终成就了一代传世名画
画家在画布上作画前，构思了大量草图和画稿，不停探索钻研，费尽心血地推敲，这是画家创作的胸中之竹，胸中之竹关系到画作的成败，所以是关键的一步
三手中之竹，就是经过了胸中之竹的不断思考，不断构思，不断推敲的物化结果，通俗地说，就是创作结束的现成品画作
最终的完成品传世名画《女贵族莫洛卓娃》，就是画家创作的手中之竹
总结
所以画家创作，在眼中之竹的阶段，心中已经确定了创作的素材和主题，然后沿着手中之竹这条线索，进入胸中之竹的阶段，不停探索画面构图，推敲画面布局，思考画面要营造的艺术效果，最终形成手中之竹的完成品阶段
尽管存在画作完成定型之后，突然修改的现象，比如戈雅油画《裸体的玛哈》，其玛哈的丈夫知道后，觉得戈雅是对自己的亵渎和玩弄，要与画家决斗，画家知晓后，为了惹麻烦立即以出奇的速度画出了同样姿态的《穿衣的玛哈》
但是，画作成型之后，突然决定修改，只是细小的改动，大型还是不变的，依然以玛哈为模特
所以艺术作品创作之前，就存在于艺术家的心中，即使创作草图阶段不停修改，创作中途修改，或者创作结束后修改，多是细小的改动，整体已经定型，
所以即使创作前，与创作完成的作品有些不同，至少在艺术家心中，创作前期已经形成了大致的轮廓
回答完毕
我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信
粉丝们，头条朋友们，你们对这个问题，有什么高见呢？
艺术狂人2
文艺复兴时期，意大利著名的雕塑家米开朗基罗曾说过这样一个名言：
雕像本来就在石头里，我只是把不要的部分去掉。
这句话是米开朗基罗在凿刻著名的雕像《大卫》，接受别人访问的时候说的一句话。此后这句话被人总结为“凿出你心中的大卫”。
这句话巧妙的地方就在于，米开朗基罗不是在强调把石头变成雕像，而是在强调，雕像自然而然地就存在于每一块石头里面，雕塑只不过是按照石头本来就存有的面貌进行雕刻罢了。
从某种角度来说，这是一种极度“唯心”的言论。雕像从来就没有存在于每块石头里面，是人心觉得他在里面，所以他就好像“住”在了里面。因此，无论如何，人心中的想法，人的主观能动性，有时候在艺术创作中是发挥着更为关键的作用的。
当我们心中有了一个大致方向，自然能够创作出绝佳的艺术作品。雕塑作品的创作是这样会，书法作品也是这样。
在书法家抬起笔来书写每一个字的时候，实际上这个字已经存在于纸张之上了。
相传东晋王羲之曾著有一篇关于书法的理论著作——《题卫夫人〈笔阵图〉后》。这篇著作虽然经过很多专家学者的论证，认为不是王羲之撰写的。但是里面有很多关于书法非常精妙的理论文章，可以供我们学习参考。
比如这段话：
夫欲书者，先乾研黑，凝神静思，预想字形，大小偃(yan)仰，平直振动，令筋脉相连，意在笔前，然后作字。若平直相似，状如算子，上下方整，前后齐平，此不是书，但得其点画耳。昔钟繇(you)弟子宋翼常作此书，繇乃叱之，翼遂三年不敢见繇，即潜心改迹。
这句话可以分为三个层次，第一部分在论述书写者在书写书法之前应该做的预想准备，也就是我们常说的做到心中有数。
第二部分是说写字应该注重变化，而不应该写得和印刷体一样，“上下方整，前后齐平”。
第三部分是在举例子 ，以往钟繇的弟子宋翼写书法的时候，就跟前面说的那样那个“状若算子”的书写状态一样，钟繇狠狠的训斥了他，以至于宋翼三年都不敢去面见钟繇，并且立刻改变他原先的书写习惯。
这段话还是有很多可供分析的地方，比如第一层意思提到写字要预先预想字形大小、奇正、分布、风格，但是为何在第二层意思中又转而言说“状若算子”之事呢？这两者之间有什么必然联系？还是说预先设想的时候要力求变化？不能雷同呆板？
如果怕真的是这样，书法艺术作品的书写到底是一种创作出来的过程，还是一种预先就设定好得结果？艺术作品所要表达的情感、诉求难道也可以人为设定、制造和创作？那么艺术和技术、艺术品和工匠创作的产品、工业制成品有何区别？
北宋的黄庭坚书写《砥柱铭》，那确实是书法家在特定情境下的特定创作，代表了作者特定的心境。苏轼被贬黄州，写下《寒食帖》，乌台诗案之后，心灰意冷，于三年寒食节之际写下这几首诗篇，也是情感寄托，因而可以称得上是艺术作品。
当21世纪在各大书店可以看到印有黄庭坚《砥柱铭》和苏轼《寒食帖》的字帖、图片和海报的时候，这些往日由书法家们写出来的艺术珍品就变成出版社和印刷工厂所生产的工业品了。
它们之间的区别就在于，作为艺术作品的《寒食帖》也好，《砥柱铭》也罢，书写者在书写之前完全不知道这将是一幅什么样的书法作品，即便是知道，也不可能预先知道所有细节，只能说知道一个大概方向。
正如我们在《兰亭序》和《祭侄稿》中所看到的那样，如果艺术家真的可以做到在创作之前就预先想到书法作品中所有细节，包括笔画安排，那么按理说就不会出现这些涂抹了。然而，我们会看到这两件作品之中不乏涂改。
因而，如果想要做到《题卫夫人〈笔阵图〉后》说的那样，“凝神静思，预想字形”，是比较难的。
但是作为工业制成品的字帖、书籍，是有着明确的标准，是非常确定的。所以，它永远也值不了真迹那样的价值。真迹在创作之前，是没有确定性的，或者说它是半确定的，这种不确定性，就是他的价值所在。
书法作品的创作或许不能完全像米开朗基罗雕凿大卫像一样，可以完全做到“雕刻你心中的大卫”。但是我相信，米开朗基罗也绝对不会一上来就非常的清楚大卫身像的每一个细节究竟是什么样的，而颜真卿在写《祭侄文稿》之前，也绝对不会没有一点设想和预计。
松风阁书法日讲
艺术作品在创造之前分两个阶段：
第一个阶段是没有主题状态。
此时还没有想好主题。所以此时此刻的艺术作品规划还不存在于艺术家心中！如同宇宙茫然无措还没有定好圆心点。
第二个阶段是，突发灵感一现，或因为刺激触动或因为神一样的直接降临！反正刹那捕捉到了灵感的主题，有可能瞬间或者同时就在艺术家的脑海，艺术作品雏形和意念的灵感主题同时在线出生！灵感的火花，易得易失。一下就都存在了，在通过以往的所学所用表现出来就完成了！
其实，任何伟大的产生真的不一定是多么复杂、多么困难！如同十月怀胎，瓜熟蒂落，是一件十分顺其自然而然的事情！当然，努力、运气和虔诚的心都是必不可少的。
憨山畊素
艺术家在创作艺术作品之前，已经存在艺术家心里中并进行构思活动。艺术家在心里的构思活动，是把平时所观察的事物特征和对事物情感反应保存在记忆之中。在创作艺术作品时，艺术家就会把记忆的素材，经过整理、艺术手法等创作出艺术作品。
国画不尽重视“以形写神”，而且在处理虚幻与真实、有与无的关系方面，形成了具有民族风格的特色。例如，齐白石为了创作绘画作品《虾趣》，他买了很多活虾放入水盆里、水池里，观看它们活灵活现摆动的游姿，记在心里之中，为画虾做准备。齐白石的绘画作品《虾趣》，画面上没有水，但是游嬉中欢快虾的游动，却令人信服感觉到满面是水。没有视觉形象生动描绘，是不可能有审美视觉的艺术想象。
例如梵高的绘画艺术，具有色彩明亮、生动、充满激情感受到风景画和人物画的理想境界。他在创作绘画作品之前， 他心里中储存了大量的社会生活、自然景物等原始材料。使梵高的绘画注入了他对自然景物和人物的审美情感，使他的绘画有着审美价值艺术性。绘画有《向日葵》、《邮递员》、《星夜》等作品。
黄智637
艺术作品在创作之前，必定要在艺术家的心中进行构思，形成一个大致轮廓，然后再通过艺术手法表现出来。不敢说完完全全存在于心中，至少是要有构思的。
举例来说，郑板桥画竹子，动笔之前总要构思设想好，画几枝竹子，画在什么位置，画几块石头，在哪里落款，哪里用印......这样就叫“成竹在胸”，等到画在纸上了，可能稍微有些调整，看看可能还不够完美，然后这里增加几条枝条，那里添加几片叶子，进行最后的修饰。
再以书法创作为例，艺术构思在书法创作中非常重要。宋.陈思《秦汉魏四朝用笔法》中说：“每欲书字，喻如下管，稳思审之，方可用笔。”唐代书法理论家韩方明在《授笔要说》中说得更加清楚：
所以说，艺术作品在创作之前，就必须在艺术家心中进行构思，不能临时无法，任意创作，则不能成就作品。书法创作，更是如此。
附图：（赵孟頫行书《与德俊茂才书》）
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陈会衡山水画作品
我每作一张画，创作前都先得在心里构思，画什么？怎么画？确定下来后，再具体到如何构图，如何用笔用墨，还要考虑整个画面的气氛，是画春天的景还是秋天的景，是早上还是傍晚，根据季节时辰的山色变化，考虑颜色的处理效果。
陈会衡山水作品局部
这还只是画一般习作时的状态，要是搞大画创作，除了心里构思，还得画个小稿之类看看。
陈会衡山水作品局部
画山水的画家胸有丘壑，成竹在胸，落笔下去肯定而坚实，把心里所存在的画面顺利而完美地用艺术作品表达出来。画家如此，其它艺术家创作时也是如此。
陈会衡山水画家
艺术构思是创作中的重要一环,过去,不少著名艺术家为他的作品构思而耗尽了心血,才获得了作品的成功。
艺术的创作是一个"认识—构思—表现"的过程，而构思，是其中最重要的一个环节。艺术创作者在观察生活，思考生活的过程中，捕捉灵感，有了创作动机，这时候就需要构思，经过一个时间的谋划，布局，头脑里有了一个近乎完整的构思以后，一般才会开始创作。
当然，构思再好，还是离不开创作实践过程。作品构思行程后，就有了艰苦的创作过程。在创作过程中，一些细节，特别是文学作品中人物的语音，思想，形象，往往会随着情节地发展产生一些变化，在原先构思的基础上，有所升华。
无可置疑，艺术创作实践之前，构思基本完成了。不过在创作过程中，应该还有一个进一步完善构思的过程，两者是水乳交融，相互存在的。比如《废都》，《白鹿原》的创作，从构思到完成创作，都耗费了作者四五年，甚至更长的时间。
