A:
拉斐爾·桑西簡介
拉斐爾·桑西（原名拉法埃洛·聖喬奧）
國籍：意大利
公元1483年4月6日～1520年4月6日
出生地：意大利中部的烏爾賓諾
拉斐爾是意大利傑出的畫家，和達·芬奇、米開朗琪羅並稱文藝復興時期藝壇三傑中最年輕的一位。他的作品博採眾家之長，形成了自己獨特的風格，代表了當時人們最崇尚的審美趣味，成為後世古典主義者不可企及的典範。其代表作有油畫《西斯廷聖母》、壁畫《雅典學院》等。
人們之所以總是帶著興奮的感激之情，回顧文藝復興時期的歷史業績，正如恩格斯所說的，那是一次人類從來沒有經歷過的最偉大的進步的變革，是人變為巨人的開始。
拉斐爾與達.芬奇，米開郎幾羅被譽為文藝復興盛期的三傑。他們以自己進步的人文主義思想，廣博的學識和高超的技藝修養以及今天看來仍使人們激動不已的一批優秀文藝作品贏得了人們深深的尊敬。
西斯廷聖母
西斯廷聖母》是拉斐爾最成功的一幅聖母像，是他懷著虔誠的心情譜寫的一曲聖母讚歌。畫面採用了穩定的金字塔形構圖，人物形象和真人大小相仿，莊重均衡，畫面背景全部用小天使的頭像組成，構思新穎獨到。聖母形象柔美聖潔，表現了母愛的幸福與偉大。
嘉拉提亞的凱旋
1511年 溼壁畫，295 x 225 公分
法列及那宮，羅馬（Roma），義大利
這幅畫顯示了拉斐爾作品的平衡、和諧與完美均來自科學的幾何框架。這幅壁畫表現了在十位天使引導下駕著由海豚牽引的巨大螺殼破浪前進的嘉拉提亞女神，成雙成對的人魚和海中水神在水中簇擁著她，在女神上方的天空中拉滿了拉弓的愛神。
基督被解下十字架
1507年 油彩．畫板，184 x 176 公分
波給塞畫廊，羅馬
拉斐爾在這幅祭壇畫中，以三角形為基礎構圖，這種安排不僅成是作品的基礎，而且具有特別的意義，突顯出基督遺體被抬走的這個主題。
聖禮的辯論
1509年 溼壁畫，底寬 770 公分
梵蒂岡宮簽字大廳，羅馬
教皇朱力斯二世之所以委託拉斐爾承擔大廳的裝飾工作，是因為他確認拉斐爾不但畫藝精湛，還具有堅定的文藝復興新思想，並帶有羅馬教會所標榜的新世界觀念。
《聖禮的辯論》的結構中那些平行的同心圓便是天國的象徵。作品既體現了結構、概念的統一，又不忽略細節的描繪。
雅典學派
1509 --1510 年 溼壁畫，底寬 770 公分
梵蒂岡宮簽字大廳，羅馬
「雅典學派」這幅壁畫的構圖上，建築學與透視法具有特別重要的作用和意義：一是製造氣氛，即佈置了展開場景的空間，向縱深展開的拱門形成了人物活動的空間；二是簡潔的構圖，把眾多的人物按不同的組別加以佈置安排。
聖喬治大戰惡龍
1505年 油彩．畫板，31 x 27 公分
羅浮宮，巴黎
拉斐爾共繪製了兩幅表現聖喬治與惡龍格鬥的油畫。我們所見的這一幅，以其迅勐的動作及無比生動的受驚的戰馬，表明了畫家深受佛羅倫斯風格，特別是達文西風格的薰陶。
聖女的婚禮
1504年 油彩．畫板，170 x 117 公分
佈列拉美術館，米蘭
畫中將3個主要人物與其左右的2名男女放在前面，並與故事內容具有直接關係，其他的人則朝看後方站過去，逐漸遠離中心軸，在這個中心軸上，約瑟把戒指套在聖母瑪利亞的手上。鋪路石的花樣優雅而富於文藝復興趣味。
聖母子與施洗者約翰
1507年 油彩．畫板，122 x 80 公分
羅浮宮，巴黎
目前傳世的拉斐爾聖母子畫像中，有很小幅的，也有大型的祭壇畫，呈現的氣氛也各有不同。這幅親和的聖母子像，又有《綠野的聖母子》之稱，是拉斐爾停留在佛羅倫斯時所作的。過去幾世紀，畫中聖母的容貌一直被許多藝術家視為美的模特兒。
B:
米開朗琪羅（Michelangelo Buonarroti, 1475-1564）
意大利文藝復興盛期的雕塑家、畫家、建築師和詩人。生於佛羅倫薩。十三歲從基蘭達約（Ghirlandaio）學畫一年，後從多那太羅的學生貝託多（Bertoldo）學習雕塑一年，主要靠自學。他的藝術創作在人文主義思想支配下，並受到薩伏那羅拉（Savonorola）宗教改革運動的影響，以現實主義方法和浪漫主義的幻想，表現當時市民階層的愛國主義的精神面貌。在藝術上具有堅強的毅力和雄偉的氣魄。
米開朗基羅的藝術不同於達·芬奇的充滿科學的精神和哲理的思考，而是在藝術作品中傾注了自己滿腔悲劇性的激情。這種悲劇性是以宏偉壯麗的形式表現出來的，他所塑造的英雄既是理想的象徵又是現實的反應。這些都使他的藝術創作成為西方美術史上一座難以逾越的高峰。其代表作品有大衛，創世紀等。
大衛 雲石雕像 高410釐米
1501年8月，米開朗基羅應約將一塊35年前被毀壞的巨大的大理石雕刻成一尊塑像。面對一塊沒有生命的石頭，他一層又一層、一錘又一錘，經過數年與世隔絕的苦幹，終於把一個英雄美少年從沉睡的石頭中喚醒。1504年4月，這座雕像正式豎立於佛羅倫薩市政廳大門之前，大衛體格健壯，神態堅定，左手輕推肩上的投石帶，在投入戰鬥前的瞬間，他側首注視左前方，目光如炬。從《大衛》面世以後，年僅26歲的米開朗琪羅被世人公認為最偉大的雕塑家之一。
哀悼基督
米開朗基羅1499年創作的《哀悼基督》是他的成名之作，解剖學科的藝術實踐和細緻入微的匠心獨運吻合了、甚至超出了人們可以理喻的"鬼斧神工"，被譽為15世紀最動人的作品
創造亞當
《創造亞當》280×570釐米（局部）這幅畫中，慈祥而威嚴的上帝正把右手伸向那個活生生健美的青年男子亞當，好像在給予亞當以力量和生命，亞當從睡夢中甦醒過來，滿臉流露著希望的目光，他那左臂輕輕地靠在曲起的左腿膝蓋上，好像他就要站了起來。再仔細看看，上帝的指尖將要觸到亞當的指尖，這兩個指尖之間只差分毫，亞當似乎全神貫注看著這兩隻將要接觸的手。
偷吃禁果 《原罪，逐出伊甸園》
亞當和夏娃在蛇的引誘下偷吃禁果 由於偷吃禁果，亞當夏娃被逐出伊甸園。
洪水[挪亞方舟]
畫中著意描寫諾亞方舟擺脫洪水捆擾以後，人們陸續登岸，互相扶助的情景。
聖家族
聖家族是一個傳統題材，主要是描繪聖母，聖約瑟和聖嬰基督，不過米開朗琪羅在這幅畫上的三個宗教形已經成了民間生活的普通人物了。這是一個木匠家庭，畫家把約瑟，瑪利亞表現在專注於聖嬰的天倫樂趣中。此種情景通過三個人物的戲劇性組合得到了和諧的世俗化體現。背景上還有幾個裸體像，聖家族就在一塊野地上休憩。構圖緊湊，主調和諧，給人以親切感。
C:
列奧納多·達·芬奇
1452年4月15日－1519年5月2日
國籍： 意大利。
列奧納多·達·芬奇，意大利文藝復興三傑之一，也是整個歐洲文藝復興時期最完美的代表。他是一位思想深邃，學識淵博，多才多藝的畫家、寓言家、雕塑家、發明家、哲學家、音樂家、醫學家、生物學家、地理學家、建築工程師和軍事工程師。他是一位天才,他是人類智慧的象徵，他逝世之後的500年間，人類對他的研究與探索依然不斷.在歐美各國和日韓、以色列等亞洲國家都有專門的達·芬奇研究機構。而對於他的祖國意大利來說，他更是一個國家文化的象徵.
蒙娜麗莎
世界上沒有任何一件藝術品能像《蒙娜麗莎》那樣譽滿全球，同時引來各式各樣的說法和評價。我們根據瓦薩里的記載，可以確定，畫中人為佛羅倫薩銀行家弗朗斯柯·捷列·佐貢多的妻子麗莎。她出生於1479年，達·芬奇為她畫像時間是1503年，正是麗莎24歲的時候。畫中人的主要神情是“微笑”，世人稱之為“神秘的微笑”
最後的晚餐
(最後的晚歺)是列奧納多的主要代表作，根據（聖經），畫面節取了耶穌在歺桌上說：“你們當中有一個人要出賣我”那句話之後，十二位門徒的各自神態：有的震驚，有的憤概，有的私語，有的急於表白，唯獨身呈側影的叛徒猶大，他手捂錢袋的惶恐不安與正中耶穌的泰然若定形成鮮明對比。大師採用透視的方式，並同壁畫實地的光源求得一致，藉助人物的姿勢和表情，使這一場面戲劇性地躍然壁上。
戴珍珠頭飾的夫人像
達.芬奇的這一幅女性側面肖像尤其令人感到其描繪的精確性：那一絲不苟的臉部輪廓，美麗而整齊的秀髮，古代貴婦的頭飾上的珍珠，被他仔細地觀察、研究和刻意描繪著。那一串從頭繞到頸項的長長的珍珠，幾乎每一顆的立面、高光及其圓潤感都作了細膩的繪寫；黑色的披風和紅色的束胸上衣，緊緊地襯托出這位女性的豐滿的胸脯，從而增強了貴婦人的華貴與莊重感。如果說，達·芬奇在《蒙娜·麗莎》上所注重的是她的神秘的笑容，那麼，在這裡，畫家是以精確的素描結構讚美著這位婦女的絕世容貌。
巖間聖毌
此畫以聖母居圖中央，她右手扶嬰孩聖約翰，左手下坐嬰孩耶穌，一天使在耶穌身後,構成三角形構圖，並以手勢彼此響應,背景則是一片幽深巖窟，花草點綴其間，洞窟通透露光。此畫雖屬傳統題材，然表達手法和構圖佈局皆表明達芬奇的藝術水平之高深。人物，背景的微妙刻畫煙霧狀筆法的運用,科學地寫實以及透視，縮形等技術法的採用，表明了他在處理逼真寫實和藝術加工的辯證關係方面達到了新的水平。
受胎告知
在達·芬奇的筆記本上,畫滿著各種科技設計草圖,旁邊加註了許多文字。對待繪畫,他也這樣,總是精益求精。在這一幅他早期的板上油畫《受胎告知》上,能發現達·芬奇在探索客觀真實中所作出的努力,他儘量想表現物質世界的本來面貌。橫幅構圖《受胎告知》尺幅為97×216釐米。
聖安娜與聖母子
達·芬奇擅長於以炭筆和色粉兩種工具交換使用來繪畫。他的素描往往形象飽滿，光線柔和，立體感極強。畫面上好像被蒙上一層薄霧，聖母女兩人就在這種霧一般的環境中相對地微笑著。加上畫家選用的是青灰色畫紙，因而炭筆所形成的朦朧感，又有一種月光下的大氣感。
D:
喬爾喬湼（Giorgione，1477—1510），
著名的意大利威尼斯畫派畫家。
喬爾喬內是第一個真正意義上的意大利威尼斯畫派畫家，架上畫的先行者。喬爾喬內是威尼斯畫派成熟時期的代表人物，他原名喬爾喬·巴巴雷裡·達·卡斯特佛蘭克，喬爾喬內是他的乳名，含有“明朗”、“幽雅”的意思。
喬爾喬湼33歲,1510年染瘟疫而過早去世，卻沒有減低他對威尼斯畫派的巨大影響。他的風格，特別是色彩運用和氣氛烘托的技法，經提香等之手而發揚光大，終於成為威尼斯畫派最重要的藝術遺產。
《入睡的維納斯》108.5cm×175cm 布油彩德累斯頓國家美術館藏
畫面上，臥睡的裸體女神不是躺在室內，而是安臥在寧靜、溫馨的自然風景中。入睡的維納斯，軀體優美而溫柔，形體勻稱地舒展，起伏有致，與大自然互為呼應。
人體富有柔和流暢的曲線與潔潤細嫩的膚肌，以及廣袤的原野如人物夢中的田園，作品中的維納斯展示出造化之美，沒有任何宗教女神的特徵。肉體的生命之美、純潔的靈性之美、自然之美三者合一，這種藝術處理不是為了給人以肉感的官能刺激，而是傳達了詩一般的和諧，傳達了健康的審美情趣。這種充滿人文精神的表現風格既是畫家個人心靈的反映，也是符合文藝復興時期理想"美"的典範的。 這是喬爾喬內最成功的油畫作品，最後由其師弟提香完成（風景部分）。
田園合奏
《田園合奏》又稱《鄉村音樂會》，是鄉土自然美和女性裸體美的繪畫結合，不僅表現了畫家對時代精神的探索，還反映了16世紀以來威尼斯繪畫風格的審美理想。這件作品先是由喬爾喬內繪製，後由提香繼續完成的。這件作品展示了一幕耽於幻想的神、人心靈交流的幻境，充滿神秘的詩意，體現了當時人們對美的夢幻般嚮往。
根特祭壇畫
《根特祭壇畫》是一種多翼式“開閉形”祭壇組畫。每逢節日的禮拜盛會，祭壇的兩翼伴隨著音樂旋律被徐徐打開，輝煌奪目的12幅祭壇畫便呈現在人們的眼前。
，《根特祭壇畫》在繪畫史上的意義，遠遠超出了一般的思想內容和藝術形式處理上的革新和獨創，而是開創了整個歐洲繪畫的新紀元。
《暴風雨》 82×73公分
威尼斯學院畫廊藏
畫中描繪一位吉卜賽裸女和孩子，還有一個士兵，據經 X光透視在士兵的位置上原來是在水池沐浴的裸女。畫家著意描繪暴風雨來臨前的瞬間情景，在烏雲密佈的天空中，一道閃電掠過天空，畫家相當準確地捕捉住稍縱即逝的閃電，具有真實感。畫中風景充滿畫面已成為主體藝術形象，而人物降到陪襯地位，預示風景畫從此獨立的趨勢。
暴風雨 (局部 )
三個哲學家
《三個哲學家》，一直被認為是為喬爾喬內所作，但是經現代儀器檢驗後被否定了，因尚無歸屬，暫且仍歸喬爾喬內名下。
這幅畫放在當時的時代背景上分析，主要是表現人和自然的關係：在人的面前，大自然的變化是多樣而神秘莫測的。畫家將人和自然組合在一起，構成統一和諧的藝術整體。
在色彩配置和表現上，顯示出威尼斯畫派的基本特點：表現自然光照下色彩變化的關係，由過去的明暗法轉化為色彩佈局。整個畫面的色調是越接近中心愈明亮，天空的色彩變化極為豐富，精微地表現由於光影變化而使畫面達到色彩的和諧。
E:
提香·韋切利奧（公元1490-公元1576）
意大利文藝復興盛期威尼斯畫派的代表性畫家，生於意大利的卡多列。是畫壇上著名的色彩大師。早年曾赴威尼斯學藝，是喬凡尼·貝里尼的學生，與著名畫家喬爾喬湼是師兄弟，並受喬爾喬湼的影響。提香以長壽著稱，至少活到了九十歲上下。青年時代在人文主義思想的主導下，繼承和發展了威尼斯派的繪畫藝術，把油畫的色彩、造型和筆觸的運用推進到新的階段，畫中所含的情感飽滿而深刻。其代表作有《天上的愛與人間的愛》、《聖母昇天》、《基督下葬》、《酒神祭》等。
《聖母的神殿奉獻》1534年 345×775釐米 現藏威尼斯美術學院
《聖母的神殿奉獻》表現的是聖母瑪麗亞年幼時參拜神廟備受祭師愛戴的故事，人物眾多的場面安排得有條不紊。左為廟前的群眾，右為站在高臺階上的祭師，幼年聖母則正走在臺階中段，全畫具有隆重盛大的紀念性氣氛，此畫構圖穩定、情調莊重，充分代表了提香中期作品的特色。
《維納斯、丘比特與琴師》1560年 165.1×209.6釐米 藏紐約大都會博物館
文藝復興運動恢復了古希臘的人體美學觀，對人體美的頌揚又進入一個新的高潮。這個高潮在威尼斯畫派中尤為明顯，喬爾喬奈就是其中的弄潮兒，而提香更把它推向成熟階段。
《花神》
這一幅《花神》是提香在1515—1520年間的傑作，也即說，它與《天上的愛與人間的愛》一樣，是色彩處於最和諧的歷史時期完成的。這畫實際上是一幅肖像。畫家對於女性的內心富有洞察力，這個花神既非豆蔻少女，也並不象徵春天。作為豐腴的婦女形象，如果說是神，她只是盛夏的化身。弗羅拉(即“花神”)是意大利遠古時所崇拜的司花女神，她不屬於希臘神話，但作為青春的象徵，早在古羅馬時就被薩賓人作為農業神來崇拜了
《酒神巴庫斯和阿里阿德涅》
阿里阿德涅是宙斯和歐羅巴的孫女，她曾幫助雅典王的兒子忒修斯殺死害人的彌諾陶洛斯，而深深地愛上了忒修斯，畫家著意描繪這一見鍾情的場面，巴庫斯縱身從坐車上飛向阿里阿德涅，成為畫面的突出中心，給觀眾帶來巨大的視覺衝擊力。整個前景人物以暖色調處理，被單純的藍天大海襯托得鮮明而強烈，這是一首歌頌青春、生命與歡樂生活的讚歌。
塔昆與留克利希亞
“霸王”之子塞克斯多士.塔昆是一個極其狡詐而荒淫無度的好色之徒 。有一天他打聽到留克希利亞的丈夫不在家，就乘虛而入，經過一番軟硬兼施之後，姦汙了她。亊後，痛不欲生的留克利希亞，把自己身受凌辱的經過告訴了自己的丈夫和父親，請求他們為自己報仇，然後用短劍刺胸自盡。
留克利希亞的自殺，是文藝復興後的意大利，被人們視為貞節的象徵，是藝術家們樂於表現的主題。
F:
桑德羅·波提切利 (1445.3.1-1510.5.17 )
波提切利生於一個意大利佛羅倫薩的手工業者的中產階級家庭。先是和馬索·非尼古埃拉一起學習，製造金銀首飾，後又成為菲力浦·利皮的學生，在1481年，波提切利應招到羅馬畫壁畫，這是他唯一一次離開佛羅倫薩到外面作畫。據說波提切利從15世紀90年代起追隨“沙瓦耐羅拉”風格，這在他後期所作的宗教畫中得到體現，他的晚期作品少了些裝飾風味，卻多了些對宗教的虔誠。
在15世紀80年代和90年代，波切利是佛羅倫薩最出名的藝術家。他的風格到了19世紀，又被大力推崇，而且被認為是拉菲爾的前奏。他宗教人文主義思想明顯，充滿世俗精神，代表作有《三王來拜》、《聖塞巴斯蒂安》等。後期的繪畫中又增加了許多以古典神話為題材的作品，風格典雅、秀美。特別是他大量採用教會反對的異教題材，大膽地畫全裸的人物，對以後繪畫的影響很大。《春》和《維納斯的誕生》是最能體現他繪畫風格的代表性作品。
他是歐洲文藝復興早期佛羅倫薩畫派的最後一位畫家。
《維納斯的誕生》 172.5 x 275.5 cm 1485年
(維納斯的誕生)是波提切利的代表作，當時是為佛羅倫薩統治者梅第奇的一個遠房兄弟繪製的。此畫表現女神維納斯從愛琴海中浮水而出，風神、花神迎送於左右的情景。構圖比較單純，全畫以裸體的維納斯女神為中心。畫面上人物的體態和衣紋表現十分出色，人物與自然背景也達到巧妙的統一和諧，維納斯是那樣無動於衷地以羞怯和幽怨的感情在對待一切，她對於生活的未來不是充滿樂觀的信心，而是感到惆悵和迷惑，這也是波提切利矛盾的世界觀的反應。此畫中的維納斯形象，雖然仿效希臘古典雕像，但風格全屬創新，強調了秀美與清純，同時也具有含蓄之美。
《春》 203×314釐米 1476～1478年
波提切利在畫上展示了那麼多充滿著春的歡欣的天神形象，儘管他們顯得莊重與自信，總不免帶著畫家內心深處所埋藏的一種無名的憂傷。畫上的基調則是纖弱和略顯悲愁。不難理解，這種傷感情調正是當時貴族文化的通病，如在勞倫佐·美第奇的一首詩中所寫的：青春雖然歡樂 卻並不長久，讓我們盡情歌舞吧，莫問明天是否吉祥!
《三博士來朝》
在15世紀80年代和90年代，波切利是佛羅倫薩最出名的藝術家。他的風格到了19世紀，又被大力推崇，而且被認為是拉斐爾的前奏。《三博士來朝》。 這幅畫為他在整個歐洲贏得了聲譽，並也因此於1481年7月被教皇召喚到羅馬，為西斯廷禮拜堂作壁畫。
《瑪尼菲卡特的聖母》
這幅圓形構圖內，天使們圍繞的聖母懷抱著的小耶穌，其中兩位天使分列兩側對稱式舉起金冠，頂部的聖靈金光灑射在人物的頭上，另外的天使手捧墨水瓶和聖經，由著聖母蘸水書寫， 從空隙處遠望一片金色平靜的田野。 人物形象充滿著波提切利特有的“嫵媚”神態，整個畫面沒有歡樂，只有莊重、嚴肅和哀 怨，這預示著耶穌未來的悲慘命運。
《誹謗》
這個寓言故事，取材於古希臘畫家阿貝列斯的一幅畫中的文字記載，波提切利將之重新構思創作而成。這幅畫寓意十分深刻。它告訴人們，人間的一切罪惡都是用美麗的形象喬裝打扮以欺騙人民的，統治者聽信壞人之言，正直好人總是落難，而面對這一切，真理也是無能為力的，這就是社會現實。
G:
彼得.保羅.魯本斯(1577——1640）
1577年6月28日出生於德國的茨根小城。
17世紀歐洲出現四位鼎立的大畫家：意大利的卡拉瓦喬、佛蘭德斯的魯本斯、荷蘭的倫勃朗和西班牙的委拉斯開茲。其中唯魯本斯最幸運，他不僅是佛蘭德斯最偉大的畫家，而且可以代表17世紀的整個西歐繪畫。
魯本斯一生創作極為豐盛，作品多具有宏大的場面，強烈的運動感，雄健的造型，富有想象力和戲劇性情節；對比鮮明、響亮飽滿的色彩；流動的線條、激動人心的畫面藝術效果，給人以一種富麗堂皇、華美火熱、歡騰鼓舞的藝術感受。
主要作品有《復活》、《三美神》、《強劫留基伯的女兒》、《末 日審判》等，
四位哲學家
《四位哲學家》這幅畫充滿了象徵意義，畫面自左依序為魯本斯本人、魯本斯的哥哥菲力普、人文主義者利普休斯和他的弟子瓦威爾。四個人依弧形構圖，被安排在桌子的兩側，一側放著書，桌面與畫面平行的另一側則空著，似乎在等待其他人坐下。魯本斯本人十分謙虛地站在其他圍著桌面坐著的人物身後，好像是在邀請觀畫的人，也能一起參與這場紀念斯多葛哲學的研討會。
瑪莉的教育
《瑪莉的教育》這幅畫的魅力，在於魯本斯對神秘和幻影能轉換成令人感動的視覺效果。為了凸顯女王瑪莉．麥第奇﹝Marie de Medici﹞正在學習的題材，魯本斯故意將畫面中幾個神話人物的比例，畫的比位於中央的女王要大得多，而藍紫色的背景則畫得有些模糊。
海倫娜.弗爾曼肖像 1620-1625年 79×54釐米 現存倫敦國立美術館
魯本斯於１６０９年和一位安特衛普律師的１８歲的女兒伊莎貝拉結婚。哪知１６年後，妻子病逝。過了４年，魯本斯又和一綢緞商的女兒，年僅１６歲的海倫·芙爾曼結婚。魯本斯非常喜愛這第二個妻子。他晚年的許多重要作品都以她為模特兒。不僅如此，他還畫了妻子的姐姐蘇姍娜·芙爾曼許多肖像，這幅《蘇姍娜·芙爾曼肖像》算是他最成功的一幅（作於１６３１－１６３２年；一說作於１６２５年左右）。
劫奪留奇波斯的女兒
1616 —1618 年224 x 210 公分 古代美術館，慕尼黑
《劫奪留奇波斯的女兒》這幅畫是盧本斯在迴旋式的構圖中創造均衡的重要例子。根據希臘神話，留奇波斯﹝Leucippus﹞的兩個女兒已經許配給一對孿生兄弟，不過由於這對姊妹招來了眾神之王宙斯﹝Zeus﹞與斯巴達王妃麗妲﹝Leda﹞所生的孿生兄弟雙子神卡斯特﹝Caster﹞與波樂克斯﹝Pollux﹞的色慾，他們倆便劫奪了這對姊妹。魯本斯這幅畫裡畫的就是這個場面。
三美神 1639-1640年油畫 181×221釐米 馬德里普拉多博物館藏
《三美神》：這幅神話畫一般被視為魯本斯的晚年之作，為使色調與筆觸產生流暢的效果，他曾把樹脂混入油中。畫在林間的3個裸女（右端一人是畫家的第二任夫人耶麗奴·富爾曼）對於學習古典美術和意大利繪畫的魯本斯而言，乃是根據不斷刺激他的古代模本來創作的。但他的主要目的仍然在於讚美充滿生命力的肉體。
H:
阿尼古拉·普桑 (1594—1665年)
尼古拉·普桑是17世紀法國巴洛克時期重要畫家，17世紀法國古典主義繪畫的奠基人，他在法國17世紀畫壇的至高無上的地位無與倫比。
他出生於法國諾曼底省安德利鎮（en:LesAndelys,），是貴族之後；青年時曾向兩位畫家學習，分別是康坦·瓦蘭（QuentinVarin）與儒佛內（Jouvenet）。他曾到過巴黎，受安格爾的古典畫風影響很深，1621年曾為盧森堡宮畫壁畫，並交了幾位好友，分別是畫家腓力普·德·尚帕涅與意大利詩人馬裡諾（Marino）騎士。1630年，普桑在29歲時，移居到意大利的羅馬，並在意大利開始對文藝復興時間畫作產生強烈興趣，間接影響了他古典主義派的畫風。他的代表作《阿爾卡迪的牧人》就是此時畫出來的。1640年他曾短暫的回到巴黎，替當時的路易十三世國王畫了不少畫。普桑在1665年死後，法國的繪畫界為推崇他研究文藝復興時間繪畫的專注，出現了有“普桑主義”之稱的派別。主張素描比顏色還要重要。
阿卡迪亞的牧人 1655年
《阿卡迪亞的牧人》是1655年在羅馬完成的。阿卡迪亞，原是古代希臘伯羅奔尼撤中部的一個城邦，後來被文藝復興時期的詩人們描寫成理想的幸福樂園，一種高尚風範的烏托邦。畫面上有3個青年牧人與1名少女，在田野中發現了一塊刻有古希臘文字的墓碑，一位身著藍色長袍的牧人；單膝跪地，用手指著碑文，一一辨認著上面的文字：“Et in Akcadia ego” (甚至在阿卡迪亞，我仍存在)，另一位牧人正低頭沉思，似乎領悟到這句話蘊含的深刻哲理：即使是在最幸福的理想之國，人生也是短暫的，死亡不可避免。
《薩賓女人被劫》
此畫是尼古拉.普桑的巴洛克風格的代表作品。描述的是羅馬人因新建羅馬城，需要很多年輕的婦女，但鄰近的城市都不願意把姑娘嫁給羅馬人，羅馬人的領袖決定智取，他們邀請鄰近的薩賓人來參加盛會，當薩賓人攜帶家眷前來參加時，羅馬人的領袖揚起了披風作為暗號，每個士兵就搶一個姑娘，而對其他薩賓人不加傷害，讓他們逃走。15世紀，這個題材只是用作婚禮燈籠上的一個富有教育意義的裝飾畫。到16—17世紀，則被用來表現英雄主義、愛國主義和果斷精神。只要這種行動能保障民族的前途，允許任何強烈的甚至是最粗暴野蠻的行動。
《里納多和阿米達》 約1630年 ，82X109CM，倫敦達利奇繪畫館藏
畫中描繪了里納多和薩拉遜軍中勇敢美麗的魔女阿米達之間的故事。該繪畫場面中，被施以魔法沉睡過去的里納多完全處於無防備狀態，阿米達第一眼看到他便陷入情網中。該繪畫是普桑詩歌要素最強的作品之一，作品豐富的色彩和自由的筆法強調了主題的熱情性格。
石階上的聖家族 1648 年 68.6 x 97.8cm
《臺階上的聖母》幾乎不象一幅傳統意義上的宗教畫，對聖母、聖子、聖安娜以及施洗約翰等人物的處理，似乎都服從於一種構圖的思考。畫家最關心的是規範性：穩定的三角形構圖，聖母的紅衣藍裙、聖安娜的黃袍，右側聖約瑟的黑色法衣，這些色彩上的鮮明對比，具有一種莊嚴的審美價值。人物是那樣矜持，象一出舞臺劇。背景還用古羅馬的建築物，整個畫面缺少宗教意味，但也不具備拉斐爾那種天倫趣味，它給人以和諧與對稱感，從構圖中透視出藝術家潛心於古典藝術規範的執著精神
《隨著時間之神的音樂起舞》約1638—1640年，82．5×104 cm，倫敦華萊士收藏館藏
圓舞表示永恆往復的人生循環，跳舞者各自具有寓意性作用。循環開始於“貧困”(赤足男子)，“勞動”通向“富裕”，通往“快樂”，如果過度則會再次回到“貧困”。該繪畫中，表示時間變幻的各種要素配置在跳舞者周圍。畫面左側，注視著過去和未來的伊阿諾塑像下面，裸童吹著象徵人生短暫的肥皂泡；畫面右側，年老的“時間老人”為跳舞者們撫奏豎琴，他的旁邊，裸童拿著的沙漏裡時光的沙子正在流落。
I:
多米尼克·安格爾
法國畫家。1780年8月29日生於蒙託邦，1867年1月14日卒於巴黎。他的父親約瑟夫·安格爾是蒙託榜皇家美術院院士，母親是皇宮假髮師的女兒。自小父親就培養他對藝術的興趣，1791年安格爾被父親送到圖盧茲美術學院學習，1797年17歲時到巴黎，投入到雅客.路易.大衛的門下。
1806年，安格爾赴意大利，1824年回到巴黎。後來，1834—1841年，他再度赴羅馬，深刻地研究了文藝復興時期意大利古典大師們的作品，尤其推祟拉斐爾·桑西。經過達維特和意大利古典傳統的教育，安格爾對古典法則的理解更為深刻，當達維特流亡比利時之後，他便成為法國新古典主義的旗手，與浪漫主義相抗衡。
安格爾把對古典美的理想和對具體對象的描繪達到了完美統一的程度1856年 象徵“清高絕俗和莊嚴肅穆的美”的最傑出的作品《泉》的誕生，標誌著安格爾藝術達到光輝的頂峰。 1863年 蒙託榜市贈予他黃金桂冠 。1867年1月14日 安格爾因肺炎卒於巴黎，享年87歲。
安格爾一生在裸體素描上下過精深的功夫，而且只有當面對裸體模特兒時，他的現實主義真知灼見才顯現出來。《泉》，（1856年）是安格爾最著名的畫作之一。為了創作好這幅作品，安格爾竟醞釀了36年的時間。它通過一個抱罐倒水的裸體少女形象，表現了畫家終身追求的古典美。這幅作品的動人之處，還在於它匠心獨具地表現了少女的純潔，在畫面上創造出了一種恬靜、思雅和抒情詩般的意境。
。”《泉》確實具有人們所向往的那種“純粹的美”的品質，儘管她是畫家深藏心底歷半個世紀的理想化身，一旦付諸畫布上，人們確為這位藝術家的鏤月裁雲之作而發出由衷的讚歎
《大宮女》 91×162cm 1814年
安格爾的藝術“清高絕俗，莊嚴肅穆”，這一切可以通過他的重要作品《大宮女》體現出來。畫中，安格爾放棄了很多不必要的細節，使之統一在一片安詳靜謐的和諧氣氛之中，畫中女子的打扮並不是一個典型的西方人，她包著土耳其頭巾，手拿孔雀羽扇，就連襯景的綢緞也散發著異國的光彩。從題目中知道，這畫的是奧斯曼帝國的宮女。
《土耳其浴室》 直徑110cm 1862年
安格爾的《土耳其浴室》在描寫女性人體技巧方面達到了頂峰。畫面上，一群在土耳其宮廷浴室裡的少女，正悠閒自在地享受沐浴給她們帶來的歡樂。
安格爾用熟練的筆觸，優美的線條，柔和、富有變化的色彩，畫出一個個女人體。她們在浴室中的不同動勢和情態，組成一幅統一和諧的生活畫面，這充分顯示了畫家的匠心獨運。他有意在浴女中安插了一個黑人侍女，更加強了畫面色彩的對比效果。
《莫第西埃夫人》 120cm×92cm 1856年
這是畫家76歲時完成的一幅肖像傑作。 莫蒂西埃夫人是安格爾一位親友的女兒，這幅畫畫的時間很長， 畫家作畫非常嚴謹而認真，這是古典主義畫家作畫的共同特點。有的史學家盛讚安格爾：他的肖像畫成就就是他最大的豐碑，這話是不錯的。1851年畫家也曾為莫第西埃夫人畫過一幅肖像，現收藏在華盛頓 美國國家美術館。
《貝爾登肖像》 118×95釐米 1832年
《貝爾登肖像》作於１８３２年， 作畫之先，安格爾為這位著名的《論壇報》《Journaldes Debats》的編輯和創辦人路易·弗朗索瓦·貝爾登先生已畫了各種姿勢的速寫。到正式給貝爾登畫油畫肖像時，後者已６６歲。畫家把這位精力充沛的事業家用素樸的色彩與背景來加強他的形象表現力：他坐在椅子上，穿著黑色的衣服，胖胖的身材，氣度不凡，一對銳利的眼睛煞是傳神。嘴角露著一絲難辨的微笑。這位性格較沉著的鬈髮老人，一下子抓住了觀賞者的注意力。使人們深感肖像的神采奕奕。
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