如果把藝術界比喻為江湖，那麼著名油畫家趙瀛洲先生絕對是其中一位頗具傳奇色彩的“高人”。 中央戲劇學院美術系畢業，師從徐悲鴻先生的關門弟子馮法祀；早在1995年，其油畫作品就與徐悲鴻、吳作人、吳冠中、陳逸飛等大師作品一道，出現在中國最早的油畫拍賣市場上；畫了大半輩子門樓，被業界冠以“趙門樓”的美譽，其筆下流轉著老北京的歲月鉤沉，甚至吸引了著名導演張藝謀慕名前來…… 然而，當那些年中國藝術品拍賣市場一浪高過一浪時，他卻淡出了中國油畫界。忘卻了當時自己已年屆花甲，忽略掉了高原反應的可怕，一頭扎進藏區去尋找心靈深處的那份藝術淨土。用心血換來的題材，在富有個性的筆觸下體現出了人格化的力量、情感和藝術情趣。尤其是在藍天白雲的映襯下那一匹匹高原駿馬，或奔馳，或嬉戲，無拘無束，既有造型的光影、結構、解剖，又突破了形象輪廓線的侷限，巧妙地轉化為中國式的筆墨語言，純粹地用色彩、筆觸來詮釋中國當代的詩性文化，更是對中國油畫本土化語言的一種深層次探索。 都說讀畫的背後是在讀人，走進趙瀛洲的工作室，你會發現，雖然年逾古稀，但他的身上毫無半點暮氣，反而與工作室中心位置懸掛的那幅名為《龍馬精神》的油畫作品相得益彰。他說自己喜歡自然，喜歡乾淨和純粹，喜歡畫中流淌出的那股勃勃生機與人情味兒，這才叫酣暢淋漓。 在藝術市場魚龍混雜的今天，一如既往、保持初心實為難得；而當文化的傳承與創新成為眼下熱議的話題時，中國油畫乃至中國藝術如何在不忘初心的同時，又能煥發出新的生命力，體現真正的中國精神？趙瀛洲的回答，或許能讓我們有所領悟。 《世界知識畫報》：您為何會對畫馬有著如此強烈的情結？ 趙瀛洲：創作需要風格化、多樣化，對於我來說，馬就是典型的代表。我打小就喜歡畫小動物，在我看來，馬是很有意思的。那時我家住在遼寧丹東郊區，四周都是農舍，一看到誰家有馬，我就忍不住要拿出筆來對著畫。考上中央戲劇學院美術系後，我的老師馮法祀先生看到我畫的馬，覺得不錯；同時還告訴我，他的老師徐悲鴻先生是畫馬的高手。之前我並不知道徐悲鴻先生是這樣一位大名鼎鼎的人物，聽老師這麼一說，特別想看看徐先生是怎麼畫的。隨後他拿出一本上世紀60年代出版的徐悲鴻畫冊，說：“老師畫的是國畫馬，你不妨用油畫來試試看。”於是在1965年到上世紀70年代這段時間，我開始研究於此。在這個過程中，馮先生又說：“有點兒意思，但你最好能把馬的喜怒哀樂表現出來。”這就是一個比較高的要求了。但正是因為當初老師的這些指導和鼓勵，為我追求藝術的道路打開了一扇新的大門。
《世界知識畫報》：在您的探索過程中最重要的契機是什麼？ 趙瀛洲：我個人認為自己畫馬比較巔峰的時期，應該是去西藏採風的時候。進藏寫生如果光靠人力揹負行囊畫具，根本難以行走，得找當地的牧民，讓馬匹給馱著進去。這讓我注意到，西藏土生土長的馬，腿比較短，很敦實；後來多出現的雜交品種馬，體格則更加高大。但無論血統如何，馬的精神都是勇往直前、一路向上的，所以在採風過程中我的一系列作品都有馬的身影，這是我創作的成熟階段。另一方面，雖然我的創作偏愛風景、動物，但人性化的表達又是我最為關注的。如果你細細觀察一定會發現，大自然中，萬物皆有感情。
《世界知識畫報》：能給我們介紹幾幅您滿意的作品嗎？
趙瀛洲：馬是有著豐富情感的動物，它們會疲憊、流汗，也會興奮、開心，能夠捕捉到並完美呈現它們的種種動態瞬間是非常難的。你看這幅作品，我給它取名為《天堂裡行走》，創作靈感源於到達目的地後，馬兒們卸下了馱著的行李，在湖邊愉快地撒歡兒，映襯著深山聖水的背景，看到那個場面我覺得特別美。
還有這幅作品，叫《冬天的最後一場雪》（又名《初春》），是西藏採風系列中我最滿意、最喜歡的作品。當時是2011年左右，我在通往四姑娘山的路上經過一個小山坡，海拔大概3800米，從這裡看向遠處，有一種似雨非雨的朦朧；主人趕著自家的牛群，帶著藏獒，踏雪而來。他們踩在雪上的聲音很空靈，我深深被打動了。我問這家主人幹嘛去，他回答要轉場了，也就是搬家。因為這裡的海拔分層，春天到了，要去海拔低、水草豐美的地方安營紮寨。這種生活讓來自都市的我們感覺樸實、充實和恬靜，就像沒有打攪和紛擾的世外桃源。這幅畫和《天堂裡行走》都是我創作的雪域風情繫列，表達了我對藏族生活的敬佩和欣賞。我想，能夠有這樣的採風經歷，也是對自己心靈的淨化，十分難得。 《世界知識畫報》：在進藏採風過程中，有沒有讓您印象特別深刻的故事？ 趙瀛洲：想要深入藏區必須有專業的交通工具。當地的接待單位很講究文化建設，之前我們曾幫接待單位做文化藝術的輔導，一來二往就熟識了；後來得知我想進藏採風，他們很支持，專門給派了一輛能坐五六人的吉普車。 出發到了海拔三四千米，看到藍天、白雲、雪峰，我覺得景色美極了，就拿著相機下車爬坡去拍照。因為擔心大家久等著急，拍完後我急急忙忙地跑下來，結果一不小心摔倒了，這才感覺頭特別暈。隨行的衛生員馬上給我服用治療高原反應的藏藥，回到駐地後，連晚飯也沒吃，我便倒頭睡到了第二天傍晚。後來我愛人告訴我，當時看我忙不迭地跑去拍照片，衛生員就預言：老師回來後可能要頭暈。而對於這些採風作品，我愛人常常唸叨：這些題材是你用生命換來的。這話儘管是心疼，但並不誇張，因為那時候我已經年過花甲了。
這系列作品完成後，受到了不少行內人的稱讚。我想這是因為它們真實地反映了生命和生活。在現實中捕捉到的素材，回到畫室後再創作，這讓我特別有激情，一筆一畫都特別有勁兒。 《世界知識畫報》：藝術來源於生活，但要堅持這個理念並不容易。 趙瀛洲：藝術家要在生活中吸取源泉，這讓我想起一個例子。有位朋友很喜歡我的畫，前些年，他的侄子在一所知名美院的研究生班就讀，這位朋友就想請我看看他侄子的真本事如何。於是我們一起出遊，在我老家的寬甸附近看到有條小河，山山水水很美，就決定在這兒畫畫。10月的河水已經退成了淺灘，正好有一大一小兩個女孩踩著淺灘要回山邊的家，我用相機拍下這一幕後，就開始了創作構思。大概過了四五十分鐘，第一遍色彩已經勾勒出來了。這時我發現，身邊的這位同學一直在看著我畫，自己卻未動筆。面對我的疑惑，他很不好意思地說自己其實不會寫生，這是大實話。改革開放初期到中期，受浮躁思想的影響，很多美院的學生根本不注重畫寫生，僅僅是在室內靠畫石膏像、靜物，用自己想象的題材來做所謂的創作。 當然，今天這種現象好轉了不少。但相比之下，我還是很懷念自己讀大學時的鍛鍊。那時候一到放假，尤其是暑假，我們幾乎沒人回家，都去北京附近畫寫生。1969年我大學畢業，受特殊時代背景影響，直到1972年才有單位接收。這中間3年，在去部隊大本營鍛鍊的思潮感召下，採風寫生對我們來說是常事，領路的就有馮法祀老師。當時先生已經60來歲了，還親自帶著我們去河北玉田縣的彩亭橋，跟我們一起畫。還記得他對我說：你看這小道很美，遠處的山也很美，能不能在畫中的小道旁加上一棵樹呢？他的意思是，你的畫可以讓來自生活中的美更加完善一些，但是這樣的創作要有生活基礎，比如樹的造型。這屬於藝術創作的理性誇張，而不是像後來有些人那樣去憑空亂造。
《世界知識畫報》：關於這一點，您認為當前藝術家的創作有沒有亟待反思之處？ 趙瀛洲：現在我看到一些藝術家的創作，不管是表現個性還是反映社會生活，當中確實有不錯的題材，但創作還需要加強。藝術必須有生活的美，你的畫接地氣兒，看起來就帶勁兒；而想要接地氣兒，就要深入生活。當年我們畫寫生，通常都是一個小馬紮往那兒一坐就是幾個小時。反觀當今，不少人所謂的採風就是走馬觀花，要麼拍個照片，回去對著畫就完事兒了，這種現象甚至還在市場上越來越成主流。 當年馮法祀老師常教導我們，畫畫要講繪畫性。他不會強求學生一定要往哪個方向走，但會特別強調：不管怎麼去畫，都一定要把繪畫性表現出來，這是畫，而非照片。至於如何拿捏，我覺得是需要畫家用一生去錘鍊的。真理和謬誤只有一線之差，做任何事情，拿捏好度很重要，藝術創作也是如此。 《世界知識畫報》：其實您這些年創作的“門樓”系列，就是對藝術走進生活的一個很好的說明。 趙瀛洲：中央戲劇學院在棉花衚衕22號，就像前面所說的，我們那時候成天畫寫生，已經成為一種習慣。比如我在畫門樓系列的時候，凌晨三點半就要起床，到北京宣武門外的門樓去，看到退休的老工人還穿著工作服，提著鳥籠出來遛彎兒，這種場景讓人深有感觸。 對我來說，畫門樓是一種懷念，也是一種社會變遷的反映。不管你從事的是哪一類藝術，都需要深入體驗生活。而風格是畫家的潛質、藝術的實踐等綜合因素積累所表現出來的。所謂見字如面，畫家也是，通過藝術作品，人們就能從中看出藝術家的性情一二。
《世界知識畫報》：在您看來，現在人們對於油畫的認識，是否存在一定誤區？ 趙瀛洲：油畫藝術的美，就是造型和色彩的美，沒有色彩那不叫油畫；而國畫講的是筆墨。曾經一度，我們的美術館搞油畫、國畫展覽，有的人把油畫畫得跟國畫一樣，這不對。就像西餐不能放大醬，包餃子不能用奶油一樣，這是最簡單基本的道理。 比如我的西藏採風系列作品，畫的是藍天白雲，有人稱之為西藏藍，我認為不對。我看到的就是藍天白雲，是很純粹、自然、本質的東西，為什麼要區別化呢？我理解這裡是一片淨土，把這個特點畫出來了，就是真實的東西。但是有個別油畫家，以一味追求西方油畫中那種灰暗、模糊的色澤來強調個性。所以風格不是你強加給自己的東西，首先應該通過你的感受，進而讓你的創作讓人看得賞心悅目、很痛快。而且，這種明媚的感覺跟畫照相寫實不一樣，同樣需要結構和造型。現在有些油畫看著像噴塗出來的，即便再逼真，走到這一步也就不叫油畫了。油畫要有色彩和筆觸的表現力，這很重要。 《世界知識畫報》：對於當前的創作群體，您有何評價？ 趙瀛洲：畫家是要需要生存的。但是有的人過分粉飾自己、過分宣傳，好像要用催化劑去催生自己的藝術生命，而不是自然生長，這就不好。我的觀點是不要急功近利，還是要苦練基本功，把畫畫好了，再去通過展覽或是宣傳等方式，讓公眾逐漸瞭解你的藝術，這才是火候到了。現在藝術圈“拔苗助長”的現象太多，動不動就成立公司；還有的人為了擠進美協，給自己加個職務或名頭，費勁心思，畫得卻很蒼白。我認為，這都是他們錯誤地理解了風格多樣化，也錯誤地理解了高屋建瓴，以至於圈內“高屋”比較多，“建瓴”卻比較少，中國油畫應該向“高水平”衝刺！
坦白說，我個人是很注重業界和輿論對我的藝術在探尋真諦、風格取向等方面的評論的，因為藝術就是踏踏實實做基本功，在創作上不斷提高和出新，學到老畫到老。 《世界知識畫報》：說到藝術消費，是近年來的熱門詞彙，對此您怎麼看？ 趙瀛洲：現在人們生活水平提高了，審美也逐步提高了，關注藝術消費很正常。但前提應該是理性的消費，要根據個人的欣賞能力來。比如我在歐美一些國家看到，他們的居家擺設，都沒有特別大的畫；即便是位置需要，也會將大畫變成小畫，多掛幾幅。而國內有些人總認為，不管看不看得懂，畫要大才能顯示出氣派，這讓一些畫家也跟著市場隨波逐流……魚龍混雜之下，把藝術作品當成金錢、名利交易籌碼的現象屢見不鮮，這都不正常，攪亂了市場。 做任何事首先要有一個良好的心態，畫畫、買畫亦是如此。藝術消費的興起對於油畫藝術來說肯定是一個機遇，而且我相信理性消費也是未來的趨向。作為創作者，我的心態是不去想什麼大紅大紫，能畫出滿意的作品，讓大家真正喜歡你，從而收穫一群志同道合的朋友，這就是人生的幸事。 《世界知識畫報》：傳承和創新是當前藝術界和輿論的關注點，您又有何建議提供給年輕的藝術家？ 趙瀛洲：我有時候回想自己這一路走來，沒有去蹚所謂的“渾水”，一直保持著一定的理性和“防禦”能力，這讓我感到很滿足。現在的年輕人都有自己的想法和藝術追求，作為過來人，我希望他們幹一行愛一行，保持平和的心態，在業務上多下功夫，功到自然成，不要急功近利。要知道一步登天，掉下來會摔得很慘的。
想要做個名副其實的畫家，就踏踏實實地先做好人，用這樣的理念去面對社會和自己從事的工作，才會覺得一路走來，苦中有樂。另外我也主張，畫家不是畫匠。儘管現在社會有浮躁的一面和種種亂象，但你仍然可以選擇“各走各的路”，按照自己對藝術的追求和解讀一步步走，做自己力所能及的，這就很好。 如果感到困惑，就多去接觸大自然和生活，它們會考驗你的耐力，一直在看著你是不是真正願意對它們敞開心扉。只要你能真心體會到這些道理，一定會對藝術、對自我有更多、更新的認識。
趙瀛洲，著名油畫家，1969年畢業於中央戲劇學院美術系，大學油畫指導老師是中國老一輩著名油畫家馮法祀、張重慶先生。曾任中國美術家協會煤礦創作中心主任，文化部歸國華僑聯合會徐悲鴻畫院油畫創作部主任。現為中國美術家協會會員，中國油畫學會會員。從1996年至今，作品多次在中國嘉德拍賣公司、中國太平洋拍賣公司、北京榮寶拍賣公司、北京華辰拍賣公司等拍賣公司上拍賣，廣受藏界好評、收藏。
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