如果把艺术界比喻为江湖，那么著名油画家赵瀛洲先生绝对是其中一位颇具传奇色彩的“高人”。 中央戏剧学院美术系毕业，师从徐悲鸿先生的关门弟子冯法祀；早在1995年，其油画作品就与徐悲鸿、吴作人、吴冠中、陈逸飞等大师作品一道，出现在中国最早的油画拍卖市场上；画了大半辈子门楼，被业界冠以“赵门楼”的美誉，其笔下流转着老北京的岁月钩沉，甚至吸引了著名导演张艺谋慕名前来…… 然而，当那些年中国艺术品拍卖市场一浪高过一浪时，他却淡出了中国油画界。忘却了当时自己已年届花甲，忽略掉了高原反应的可怕，一头扎进藏区去寻找心灵深处的那份艺术净土。用心血换来的题材，在富有个性的笔触下体现出了人格化的力量、情感和艺术情趣。尤其是在蓝天白云的映衬下那一匹匹高原骏马，或奔驰，或嬉戏，无拘无束，既有造型的光影、结构、解剖，又突破了形象轮廓线的局限，巧妙地转化为中国式的笔墨语言，纯粹地用色彩、笔触来诠释中国当代的诗性文化，更是对中国油画本土化语言的一种深层次探索。 都说读画的背后是在读人，走进赵瀛洲的工作室，你会发现，虽然年逾古稀，但他的身上毫无半点暮气，反而与工作室中心位置悬挂的那幅名为《龙马精神》的油画作品相得益彰。他说自己喜欢自然，喜欢干净和纯粹，喜欢画中流淌出的那股勃勃生机与人情味儿，这才叫酣畅淋漓。 在艺术市场鱼龙混杂的今天，一如既往、保持初心实为难得；而当文化的传承与创新成为眼下热议的话题时，中国油画乃至中国艺术如何在不忘初心的同时，又能焕发出新的生命力，体现真正的中国精神？赵瀛洲的回答，或许能让我们有所领悟。 《世界知识画报》：您為何会对画马有着如此强烈的情结？ 赵瀛洲：创作需要风格化、多样化，对于我来说，马就是典型的代表。我打小就喜欢画小动物，在我看来，马是很有意思的。那时我家住在辽宁丹东郊区，四周都是农舍，一看到谁家有马，我就忍不住要拿出笔来对着画。考上中央戏剧学院美术系后，我的老师冯法祀先生看到我画的马，觉得不错；同时还告诉我，他的老师徐悲鸿先生是画马的高手。之前我并不知道徐悲鸿先生是这样一位大名鼎鼎的人物，听老师这么一说，特别想看看徐先生是怎么画的。随后他拿出一本上世纪60年代出版的徐悲鸿画册，说：“老师画的是国画马，你不妨用油画来试试看。”于是在1965年到上世纪70年代这段时间，我开始研究于此。在这个过程中，冯先生又说：“有点儿意思，但你最好能把马的喜怒哀乐表现出来。”这就是一个比较高的要求了。但正是因为当初老师的这些指导和鼓励，为我追求艺术的道路打开了一扇新的大门。
《世界知识画报》：在您的探索过程中最重要的契机是什么？ 赵瀛洲：我个人认为自己画马比较巅峰的时期，应该是去西藏采风的时候。进藏写生如果光靠人力背负行囊画具，根本难以行走，得找当地的牧民，让马匹给驮着进去。这让我注意到，西藏土生土长的马，腿比较短，很敦实；后来多出现的杂交品种马，体格则更加高大。但无论血统如何，马的精神都是勇往直前、一路向上的，所以在采风过程中我的一系列作品都有马的身影，这是我创作的成熟阶段。另一方面，虽然我的创作偏爱风景、动物，但人性化的表达又是我最为关注的。如果你细细观察一定会发现，大自然中，万物皆有感情。
《世界知识画报》：能给我们介绍几幅您满意的作品吗？
赵瀛洲：马是有着丰富情感的动物，它们会疲惫、流汗，也会兴奋、开心，能够捕捉到并完美呈现它们的种种动态瞬间是非常难的。你看这幅作品，我给它取名为《天堂里行走》，创作灵感源于到达目的地后，马儿们卸下了驮着的行李，在湖边愉快地撒欢儿，映衬着深山圣水的背景，看到那个场面我觉得特别美。
还有这幅作品，叫《冬天的最后一场雪》（又名《初春》），是西藏采风系列中我最满意、最喜欢的作品。当时是2011年左右，我在通往四姑娘山的路上经过一个小山坡，海拔大概3800米，从这里看向远处，有一种似雨非雨的朦胧；主人赶着自家的牛群，带着藏獒，踏雪而来。他们踩在雪上的声音很空灵，我深深被打动了。我问这家主人干嘛去，他回答要转场了，也就是搬家。因为这里的海拔分层，春天到了，要去海拔低、水草丰美的地方安营扎寨。这种生活让来自都市的我们感觉朴实、充实和恬静，就像没有打搅和纷扰的世外桃源。这幅画和《天堂里行走》都是我创作的雪域风情系列，表达了我对藏族生活的敬佩和欣赏。我想，能够有这样的采风经历，也是对自己心灵的净化，十分难得。 《世界知识画报》：在进藏采风过程中，有没有让您印象特别深刻的故事？ 赵瀛洲：想要深入藏区必须有专业的交通工具。当地的接待单位很讲究文化建设，之前我们曾帮接待单位做文化艺术的辅导，一来二往就熟识了；后来得知我想进藏采风，他们很支持，专门给派了一辆能坐五六人的吉普车。 出发到了海拔三四千米，看到蓝天、白云、雪峰，我觉得景色美极了，就拿着相机下车爬坡去拍照。因为担心大家久等着急，拍完后我急急忙忙地跑下来，结果一不小心摔倒了，这才感觉头特别晕。随行的卫生员马上给我服用治疗高原反应的藏药，回到驻地后，连晚饭也没吃，我便倒头睡到了第二天傍晚。后来我爱人告诉我，当时看我忙不迭地跑去拍照片，卫生员就预言：老师回来后可能要头晕。而对于这些采风作品，我爱人常常念叨：这些题材是你用生命换来的。这话尽管是心疼，但并不夸张，因为那时候我已经年过花甲了。
这系列作品完成后，受到了不少行内人的称赞。我想这是因为它们真实地反映了生命和生活。在现实中捕捉到的素材，回到画室后再创作，这让我特别有激情，一笔一画都特别有劲儿。 《世界知识画报》：艺术来源于生活，但要坚持这个理念并不容易。 赵瀛洲：艺术家要在生活中吸取源泉，这让我想起一個例子。有位朋友很喜欢我的画，前些年，他的侄子在一所知名美院的研究生班就读，这位朋友就想请我看看他侄子的真本事如何。于是我们一起出游，在我老家的宽甸附近看到有条小河，山山水水很美，就决定在这儿画画。10月的河水已经退成了浅滩，正好有一大一小两个女孩踩着浅滩要回山边的家，我用相机拍下这一幕后，就开始了创作构思。大概过了四五十分钟，第一遍色彩已经勾勒出来了。这时我发现，身边的这位同学一直在看着我画，自己却未动笔。面对我的疑惑，他很不好意思地说自己其实不会写生，这是大实话。改革开放初期到中期，受浮躁思想的影响，很多美院的学生根本不注重画写生，仅仅是在室内靠画石膏像、静物，用自己想象的题材来做所谓的创作。 当然，今天这种现象好转了不少。但相比之下，我还是很怀念自己读大学时的锻炼。那时候一到放假，尤其是暑假，我们几乎没人回家，都去北京附近画写生。1969年我大学毕业，受特殊时代背景影响，直到1972年才有单位接收。这中间3年，在去部队大本营锻炼的思潮感召下，采风写生对我们来说是常事，领路的就有冯法祀老师。当时先生已经60来岁了，还亲自带着我们去河北玉田县的彩亭桥，跟我们一起画。还记得他对我说：你看这小道很美，远处的山也很美，能不能在画中的小道旁加上一棵树呢？他的意思是，你的画可以让来自生活中的美更加完善一些，但是这样的创作要有生活基础，比如树的造型。这属于艺术创作的理性夸张，而不是像后来有些人那样去凭空乱造。
《世界知识画报》：关于这一点，您认为当前艺术家的创作有没有亟待反思之处？ 赵瀛洲：现在我看到一些艺术家的创作，不管是表现个性还是反映社会生活，当中确实有不错的题材，但创作还需要加强。艺术必须有生活的美，你的画接地气儿，看起来就带劲儿；而想要接地气儿，就要深入生活。当年我们画写生，通常都是一个小马扎往那儿一坐就是几个小时。反观当今，不少人所谓的采风就是走马观花，要么拍个照片，回去对着画就完事儿了，这种现象甚至还在市场上越来越成主流。 当年冯法祀老师常教导我们，画画要讲绘画性。他不会强求学生一定要往哪个方向走，但会特别强调：不管怎么去画，都一定要把绘画性表现出来，这是画，而非照片。至于如何拿捏，我觉得是需要画家用一生去锤炼的。真理和谬误只有一线之差，做任何事情，拿捏好度很重要，艺术创作也是如此。 《世界知识画报》：其实您这些年创作的“门楼”系列，就是对艺术走进生活的一个很好的说明。 赵瀛洲：中央戏剧学院在棉花胡同22号，就像前面所说的，我们那时候成天画写生，已经成为一种习惯。比如我在画门楼系列的时候，凌晨三点半就要起床，到北京宣武门外的门楼去，看到退休的老工人还穿着工作服，提着鸟笼出来遛弯儿，这种场景让人深有感触。 对我来说，画门楼是一种怀念，也是一种社会变迁的反映。不管你从事的是哪一类艺术，都需要深入体验生活。而风格是画家的潜质、艺术的实践等综合因素积累所表现出来的。所谓见字如面，画家也是，通过艺术作品，人们就能从中看出艺术家的性情一二。
《世界知识画报》：在您看来，现在人们对于油画的认识，是否存在一定误区？ 赵瀛洲：油画艺术的美，就是造型和色彩的美，没有色彩那不叫油画；而国画讲的是笔墨。曾经一度，我们的美术馆搞油画、国画展览，有的人把油画画得跟国画一样，这不对。就像西餐不能放大酱，包饺子不能用奶油一样，这是最简单基本的道理。 比如我的西藏采风系列作品，画的是蓝天白云，有人称之为西藏蓝，我认为不对。我看到的就是蓝天白云，是很纯粹、自然、本质的东西，为什么要区别化呢？我理解这里是一片净土，把这个特点画出来了，就是真实的东西。但是有个别油画家，以一味追求西方油画中那种灰暗、模糊的色泽来强调个性。所以风格不是你强加给自己的东西，首先应该通过你的感受，进而让你的创作让人看得赏心悦目、很痛快。而且，这种明媚的感觉跟画照相写实不一样，同样需要结构和造型。现在有些油画看着像喷涂出来的，即便再逼真，走到这一步也就不叫油画了。油画要有色彩和笔触的表现力，这很重要。 《世界知识画报》：对于当前的创作群体，您有何评价？ 赵瀛洲：画家是要需要生存的。但是有的人过分粉饰自己、过分宣传，好像要用催化剂去催生自己的艺术生命，而不是自然生长，这就不好。我的观点是不要急功近利，还是要苦练基本功，把画画好了，再去通过展览或是宣传等方式，让公众逐渐了解你的艺术，这才是火候到了。现在艺术圈“拔苗助长”的现象太多，动不动就成立公司；还有的人为了挤进美协，给自己加个职务或名头，费劲心思，画得却很苍白。我认为，这都是他们错误地理解了风格多样化，也错误地理解了高屋建瓴，以至于圈内“高屋”比较多，“建瓴”却比较少，中国油画应该向“高水平”冲刺！
坦白说，我个人是很注重业界和舆论对我的艺术在探寻真谛、风格取向等方面的评论的，因为艺术就是踏踏实实做基本功，在创作上不断提高和出新，学到老画到老。 《世界知识画报》：说到艺术消费，是近年来的热门词汇，对此您怎么看？ 赵瀛洲：现在人们生活水平提高了，审美也逐步提高了，关注艺术消费很正常。但前提应该是理性的消费，要根据个人的欣赏能力来。比如我在欧美一些国家看到，他们的居家摆设，都没有特别大的画；即便是位置需要，也会将大画变成小画，多挂几幅。而国内有些人总认为，不管看不看得懂，画要大才能显示出气派，这让一些画家也跟着市场随波逐流……鱼龙混杂之下，把艺术作品当成金钱、名利交易筹码的现象屡见不鲜，这都不正常，搅乱了市场。 做任何事首先要有一个良好的心态，画画、买画亦是如此。艺术消费的兴起对于油画艺术来说肯定是一个机遇，而且我相信理性消费也是未来的趋向。作为创作者，我的心态是不去想什么大红大紫，能画出满意的作品，让大家真正喜欢你，从而收获一群志同道合的朋友，这就是人生的幸事。 《世界知识画报》：传承和创新是当前艺术界和舆论的关注点，您又有何建议提供给年轻的艺术家？ 赵瀛洲：我有时候回想自己这一路走来，没有去蹚所谓的“浑水”，一直保持着一定的理性和“防御”能力，这让我感到很满足。现在的年轻人都有自己的想法和艺术追求，作为过来人，我希望他们干一行爱一行，保持平和的心态，在业务上多下功夫，功到自然成，不要急功近利。要知道一步登天，掉下来会摔得很惨的。
想要做个名副其实的画家，就踏踏实实地先做好人，用这样的理念去面对社会和自己从事的工作，才会觉得一路走来，苦中有乐。另外我也主张，画家不是画匠。尽管现在社会有浮躁的一面和种种乱象，但你仍然可以选择“各走各的路”，按照自己对艺术的追求和解读一步步走，做自己力所能及的，这就很好。 如果感到困惑，就多去接触大自然和生活，它们会考验你的耐力，一直在看着你是不是真正愿意对它们敞开心扉。只要你能真心体会到这些道理，一定会对艺术、对自我有更多、更新的认识。
趙瀛洲，著名油画家，1969年毕业于中央戏剧学院美术系，大学油画指导老师是中国老一辈著名油画家冯法祀、张重庆先生。曾任中国美术家协会煤矿创作中心主任，文化部归国华侨联合会徐悲鸿画院油画创作部主任。现为中国美术家协会会员，中国油画学会会员。从1996年至今，作品多次在中国嘉德拍卖公司、中国太平洋拍卖公司、北京荣宝拍卖公司、北京华辰拍卖公司等拍卖公司上拍卖，广受藏界好评、收藏。
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