1.《迷魂記》（1958）
導演：阿爾弗雷德·希區柯克
《迷魂記》是希區柯克最重要的作品之一，但未必是他最好的電影。警官斯高蒂因執行任務得了恐高症，於是轉行私家偵探跟蹤好友妻子馬倫，並由此引出一個懸念重重的罪案故事。
本片的地位是逐漸得到確立的。有評論將本片稱作隱晦的希區柯克自傳，以幻想替代現實，再借尋找愛情來宣洩心中的壓抑。從技術上來說，以變焦和移動鏡頭營造眩暈感的拍攝方法讓希區柯克將其觀點以形象化的方式有效傳遞給觀眾。
2.《公民凱恩》（1941）
導演：奧遜·威爾斯
《公民凱恩》是奧遜·威爾斯最具知名度的代表作，也是各大影史排行榜前三甲必備片目。26歲的奧遜·威爾斯以這樣一部影片奠定了自己在影史中的地位，並向世人證明他的天才。影片以紐約報業大亨威廉·朗道爾夫·赫斯特為原型，以非線性的、抽絲剝繭式的敘事將主人公的一生還原給觀眾。
《公民凱恩》這一鏡頭，
使用了兩部攝影機用不同的焦距拍攝，
最終合成了超級景深鏡頭。
影片的景深鏡頭、低角度攝影、蒙太奇的使用在當時都是超前式的，而如拼圖一般的敘事形式在當時同樣非常少見，這是一部從內容到表現形式都非常具有現代性及里程碑意義的重要影片。
3.《東京物語》（1953）
導演：小津安二郎
《東京物語》講述平山周吉老夫婦前往東京探望自己的子女，由此引發的一段故事。片中並沒有什麼奇觀式的影像或是驚心動魄的情節，有的只有平平淡淡的簡單生活。小
津安二郎的影片都是以一種平和的態度去觀察周遭的生活，不是批判或是反對，只是觀察，並從中滲出導演的人生態度。就像羅傑·伊伯特在《偉大的電影》所說：“每一個熱愛電影的人最終都會抵達小津安二郎的視界，從而領會到電影的本質並非運動 ，而是運動與靜止之間的抉擇。”
4.《遊戲的規則》（1939）
導演：讓·雷諾阿
讓·雷諾阿於1939年推出了這部經典作品，故事發生在一個莊園，各個階層的人群都聚集在一起，並引發了一系列事件。導演用這樣一個典型的故事去暗示整個法國的社會各階層，而幾乎每類人都可以在其中“對號入座”。
也因為如此，該片一經上映即遭到討伐，並且一度被法國當局以影響士氣為理由禁映。讓·雷諾阿詩意的作品風格、精緻的場面調度以及景深鏡頭，都讓他遠優於同時代的很多導演，併為電影作為一門獨立的藝術門類提供了更多的推力。
5.《日出》 （1927）
導演：F·W·茂瑙
本片是德國知名導演茂瑙在美國拍攝的第一部影片，還奉獻了奧斯卡的首位影后。影片講述農夫被勾引之後打算殺死妻子，最終幡然悔悟兩人在城市重尋愛情……幾乎在本片上映的同時期，《爵士歌手》上映，電影正式步入有聲片時期。
而這部《日出》則堪稱默片時代最後的絕唱，各種炫技和出色的鏡頭設置，讓全片融合著浪漫的詩意與繁複多變。另外，茂瑙在片中運用的表現式手法，在有聲片時代同樣影響深遠。
6.《2001太空漫遊》（1968）
導演：斯坦利·庫布里克
庫布里克的特點在於：無論什麼題材的電影，他都能將之拍成經典。《2001太空漫遊》的意義就在於：在那個科幻片相對蠻荒的年代，它為後世樹立了新的標準，包括失重狀態、人與電腦的關係以及關於人類緣起和對未來的思考。
不過對於普通觀眾來說，這部影片仍然有些晦澀難懂，在當初上映的時候，甚至收到了正反兩極評論。也許各不相同的無限解讀正是導演希望看到的，因為電影未必僅是敘事或娛樂用的。而就在該片上映一年之後，人類首次登上月球。
7.《日落狂沙》（1956）
導演：約翰·福特
約翰·福特的《日落狂沙》一直被公認為是好萊塢最經典的一部西部片。該片拍攝時，約翰·福特已經進入事業中後期，對於西部片的處理也與《關山飛渡》時期大不相同。首先片中的“英雄”已經成為一個反英雄的形象，而電影對固有敵人——印第安人的看法也發生了很多變化。
尤其是主人公在結尾一個人背對大門離鏡頭越來越遠的場景，更是對整個西部片或西部精神充滿反思。該片主演——永遠的西部牛仔約翰·韋恩同樣奉獻了極佳的表演。
8.《持攝影機的人》（1929）
導演：吉加·維爾托夫
本片是“電影眼睛派”的代表作，吉加·維爾托夫以一種類似實驗的方式來探索電影的更多可能。導演將攝影機當做人的眼睛來取景，摒棄傳統敘事，強調對生活的真實記錄。
不過這種記錄並不是簡單的鏡頭堆積或是長鏡頭，如大多數蘇聯導演一樣，維爾托夫在電影中格外強調了蒙太奇的重要性，他以鏡頭的組接達成深一層寓意的暗示，賦予影片新的含義。另外，影片中出現了二次曝光、定格、變速鏡頭等很多有趣的嘗試也對之後的電影產生了深遠影響。
9.《聖女貞德受難記》（1928）
導演：卡爾·西奧多·德萊葉
身為一部誕生在默片最末期的佳作，本片在有聲片到來的時代，卻以出色的技巧展示了默片的至高水準。
故事聚焦於聖女貞德在被捕之後的受審以及處刑的過程，頻繁使用的特寫鏡頭讓觀眾的視覺重點始終集中在女主角瑪利亞·法奧康涅蒂的臉上。她的痛苦以及心靈上的煎熬不僅被呈現到面孔之上，還一併傳達給了觀眾，直達角色內心，堪稱影史上最偉大的表演之一。
10.《八部半》（1963）
導演：費德里科·費里尼
意大利電影大師費里尼用這樣一部充滿幻想、回憶以及夢境的作品與之前的新現實主義風格宣佈告別。在《甜蜜的生活》獲得成功之後，費里尼陷入了一個創作瓶頸，但是他的偉大正在於成功的將窘境轉化為靈感。
該片主演馬斯楚安尼就是攝影機背後的費里尼，他無法拍出新作，卻始終被妻子、情婦以及回憶中的各種事情所糾纏。這部影片就像導演的一次自我反省，對他的創作意圖以及理念都進行了重新整理。
11.《戰艦波將金號》（1925）
導演：謝爾蓋·愛森斯坦
這部影片被公認為是蘇聯電影大師愛森斯坦的代表作。作為一部向俄國1905年**20週年獻禮的影片，愛森斯坦在拍攝時實驗了各種蒙太奇的手法，強調鏡頭之間的有意識組接，以隱喻、重複、對比賦予鏡頭新含義。
與長鏡頭相對應，蒙太奇以剪輯的方法強調導演在電影創作上的掌控與自主權，本片中“敖德薩階梯”一段更成為影史經典，引起後世導演無數崇拜與致敬。
12.《駁船亞特蘭大號》（1934）
導演：讓·維果
雖然讓·維果在29歲就告別人世，但是他留下的三部短片以及一部長片卻部部精彩。其中長片《駁船亞特蘭大號》堪稱其詩意現實主義風格的集大成者，講述船長娶了一個鄉下姑娘，可惜女孩羨慕巴黎的都市生活，最終離他而去。
這是一個寫實的悲劇愛情故事，但是卻以極富詩意的鏡頭拍成。鏡頭、劇本、場景設置以及人物表演都憂傷且透露詩意的美感，對之後的法國電影新浪潮同樣產生了很大的影響。
13.《精疲力盡》（1960）
導演：讓-呂克·戈達爾
《精疲力盡》是法國電影新浪潮的代表作，也是戈達爾的成名作。電影聚焦了主人公米歇爾頹廢的生活、絕望的愛情以及不冷靜的犯罪，但本片仍然對好萊塢經典影片進行了各種破壞和解構，大量的跳剪、隨意的拍攝、漫不經心的敘事以及有些無厘頭的結局都讓這部影片與眾不同。
數十年來，影片的反傳統氣質不斷為電影製作提供參考，不再循規蹈矩，而是提倡不斷探索。因為影響了太多的當代電影，該片更是被眾多影評人稱作電影史的分水嶺。
14.《現代啟示錄》（1979）
導演：弗朗西斯·福特·科波拉
科波拉在《教父》以及《教父2》大獲成功之後，將視角對準了越南戰場。影片改編自約瑟夫·康德拉的小說《黑暗之心》，美軍上尉威拉德奉命尋找傳說中的科茨上校，不過在尋找的過程中，他卻領悟了關於戰爭以及人類原初的邪惡。
雖然從拍攝到上映一直經歷各種波折，但最終戛納捧得金棕櫚讓導演長出了一口氣。電影裡那種深入靈魂的黑暗不僅僅是越南戰爭的縮影，更堪稱人類社會每一場戰爭的註腳。知名影評人羅傑·伊伯特將本片稱作最偉大的越戰影片。
15.《晚春》（1949）
導演：小津安二郎
本片是小津安二郎深受西方社會歡迎的一部影片，照舊是講述一對父女相互依戀的故事。父親與女兒相依為命，為了照顧父親，女兒紀子遲遲不嫁，父親則為了女兒的幸福表示要續絃，其實則繼續獨處家中。
這部電影仍然是典型的小津風格，以簡單的故事和平淡的感情去描繪生活，但是這種平淡之後蘊涵的感情卻是濃烈的，讓人不經意就感覺到深深的觸動。此外，小津慣用的低機位攝影更是賦予了影片中角色更多的安靜與尊重。
16.《驢子巴特薩》（1966）
導演：羅伯特·佈列松
從三十年代就開始電影創作的羅伯特·佈列松既不屬於詩意現實主義，也不屬於新浪潮，他一直特立獨行、自成體系，但卻受到新浪潮諸小將的無上讚譽。《驢子巴特薩》延續了其一貫的極簡主義和弱化敘事，甚至連應有的情節鋪墊都進一步削減。
而在表演上，他也限制演員過度發揮，認為演員只是影片的一部分，只需按導演的意圖執行劇情就好。這樣的電影態度不僅讓他這個人與眾不同，更讓其作品充滿獨特的魅力。
17.《七武士》（1954）
導演：黑澤明
《七武士》之所以經典，不僅僅在於影片本身質量過硬，更在於對之後的歐美電影都產生了深遠的影響。影片講述了一個小山村的村民為了抵禦強盜入侵，邀請了七個武士與強盜作戰的故事。
黑澤明在這部時代劇當中融入西部片風格，以大全景的拍攝突出了場面的宏大，而多機位同時拍攝既可以讓剪輯更流暢，還兼顧了個體角色的細節。與此同時，黑澤明、小國英雄、橋本忍三人組的劇本保證了故事十足的精彩度，並讓故事充滿深意。
18.《假面》（1966）
導演：英格瑪·伯格曼
即使是放到今天來看，《假面》的故事以及表現形式也依然令人驚訝，尤其是片頭那些毫無徵兆的片段組接，更充滿著實驗的味道。電影講述醫院來了一名知名的女演員病人，但她卻拒絕講話，始終保持沉默。
本片在情節上遍佈弗洛伊德心理分析及哲學解讀空間，大量特寫鏡頭更是讓角色的痛苦直逼觀眾內心。這部60年代的大膽作品對很多電影產生影響，羅伯特·奧特曼的《三女性》以及大衛·林奇的《穆赫蘭道》都可以找到《假面》的影子。
19.《鏡子》（1974）
導演：安德烈·塔科夫斯基
《鏡子》被認為是塔科夫斯基的一部自傳體影片，且由於融合了太多的私密記憶。影片在解讀上充滿了各種可能，像他的大部分作品一樣，《鏡子》也是弱化劇情，通過少年的回憶來呈現其成長時童真的迷失、對家人的回憶、對親情的召喚。
鏡子的角色已經不僅僅是生活用品，而是上升為創作者自我認知和審視的工具。其象徵性的鏡頭，黑白和彩色鏡頭之間的相互轉換，都讓影片充滿著朦朧的詩意魅力。
20.《雨中曲》（1951）
導演：斯坦利·多南、吉恩·凱利
本片堪稱好萊塢音樂片中最富盛名，也是最具影響力的一部，其主題歌傳唱至今。影片背景設置在1927年，那個默片與有聲片交替的年代，上演了一段輕鬆有趣的愛情故事。
知名的歌舞演員吉恩·凱利以其出色的舞技征服了所有觀眾，他在雨中邊跳邊唱的場面也成為影史上難以磨滅的經典歌舞片段。而在這個輕鬆的歌舞片裡，還融入了默片與有聲片交接這個知名的影史轉折，也讓本片額外多了幾分深意。
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