（導讀：如果有人誇一個畫家說，你畫得太好了，跟照片似的，這種話一說，比罵這個畫家還要厲害。現在的手機一分鐘可以拍很多張照片，而一個畫家付出了很多勞動，畫得跟照片一樣，其實你比相機還可憐。這對畫畫的藝術家來說，是致命缺陷。）
中國藝術研究院中國油畫院院長楊飛雲先生在百忙中接受專訪，就藝術與生活的融通、當下藝術圈最打臉的話、藝術如何創新等話題暢所欲言，句句中的，引得一片叫好聲——
審美上能激發畫意
更喜歡畫有東方味道的模特
“審美上能激發畫意，有東方味道和特點的模特，是我最願意去畫的。選模特是一種感覺，模特的臉上帶著畫意，而作品裡又透著藝術家的個人理想和審美價值。”楊飛雲介紹，他的個人審美，和他從小的生活環境密切聯繫。他從小在內蒙古農村長大，對中原文化有特別深厚的感情。因為性格比較含蓄，所以在相對安靜的情況下能體會得更加深入。“另外近十幾年，我也畫了很多北方老人，我畫的不是他們的苦澀，我想強調的是人的尊嚴。農村是中華文化價值觀保存最完整的地方，很多老人未必識字，但他們奉行的理念，做人的原則就是孔子儒家的、老子道家的或佛家最基本的理念。”楊飛雲介紹，他的畫看起來非常寫實，而他的願望並不是要表現真實本身，而是去傳達人物背後的精神和人物帶給他的感動。
“讀圖時代”照著圖片畫
繪畫已經與藝術偏離太多
關於怎樣看待如今盛行的“讀圖時代”，以及畫油畫人物時會不會採用拍照創作的方法時，楊飛雲說：“不會，我一拍照就不會畫畫了。”
讀圖時代，任何一個人都可以拿起手機來隨手拍，可以氾濫到把整個世界充滿。但是一些圖片恰恰又有非常高級的審美，比如說世界級的攝影大師的作品，讀圖時代很容易把二者混淆。
楊飛雲介紹，西方繪畫在這個事情上大概19世紀就非常清楚，高爾基說過一句話，“一個藝術家從生活裡面提煉觀察，然後尋找、把握、提煉出一種典型動作、典型形象、典型環境，他創作出來的藝術和一個照相機百分之一秒、千分之一秒拍出來的瞬間是無法同日而語的。”所以攝影沒有問題，但只是一個輔助工具。縱觀西方繪畫，如果一個搞寫實的畫家把照片和古典繪畫的審美區分不開的話，就不可能有成就。文藝復興以來的所有古典繪畫，沒有一張是照片能取代的。照片是機器所為，而繪畫要把藝術形象一筆一筆，通過情感審美、思想或者是控制力表達出來，它對色彩、形狀、神態、整體構成都有極為嚴格的要求。拍照片則大不同，它所記錄的是一瞬間的圖像，不管拍得多高清多漂亮，它的顏色與現實中的色彩是有差別的。因為人感覺到的大自然的顏色，會跟相機捕捉到的瞬間不同。“我看很多人非常可惜，被照片捆住了。尤其是一些年輕人，沒學會畫畫，照著圖片很容易畫了一些，畫久了以後，他的繪畫已經和藝術偏離太多。”
楊飛雲認為，對於在油畫院學習的同學，照片最多是一個輔助參考。比如說有一些場面和動作是沒辦法記錄下來的，照片可以提供輔助性參考。但是拿一張照片畫成一張畫，一眼就能識別出來。即使畫的筆觸很大，也只能是圖片的透視和動態。現在由於人們對繪畫的認識比較侷限，所以常出現一些審美的笑話。其實，行家都知道，如果有人誇一個畫家說，你畫得太好了，跟照片似的，這種話一說，比罵這個畫家還要厲害。現在的手機一分鐘可以拍很多張照片，而一個畫家付出了很多勞動，畫得跟照片一樣，其實你比相機還可憐。這對畫畫的藝術家來說，是致命缺陷。
在巨人肩膀上往高處走
才能實現藝術上的新
談到當下藝術如何創新這一話題，楊飛雲這樣回答：科學的創新，愛因斯坦要在牛頓的基礎上創新，霍金要在愛因斯坦的基礎上創新，文藝復興的創新是在古希臘羅馬的基礎上，所有的創新都是要在前人的高度上進行。藝術上的創新當然也一樣，不是誰自己腦子一熱鼓搗鼓搗新玩意兒就是創新，新要有水平。在中國講究一流二流三流末流，我們知道齊白石和梵高或者和畢加索畫得非常不一樣，那是完全不同的文化。但他們在同一個時代，同屬一流的藝術大師。有水平才是新，離開水平的新那叫胡鬧。在巨人的肩膀上，或者在前人的水平上、發現的臺階上，再往高處走才是創新。
他說，還有一種新，是有的人弄點新材料就叫新，那隻不過是材料上的新，但是藝術並不是弄點新材料就行了。比如說油畫，文藝復興發現了透視解剖，用在繪畫裡面。其實那並不是創新，宇宙當中就有解剖結構，人以前不重視這個，等到把這個規律掌握了以後，文藝復興時人們的素描一下子就提高了。到了19世紀，印象派出現是色彩上的發現，其實就是把科學原理用在繪畫裡面。
真正藝術上的新，不是這樣。比如：齊白石每天畫的畫和他前一張不一樣，不能重複，別人也不能重複他，也重複不了他。這個就叫新，這才是藝術上的新。
經典永不過時
以大師為師 以經典為師
“畫畫第一要順著你的天性。米開朗基羅是力量型，拉斐爾是優雅型。如果不順應天性，一種力量型的畫讓拉斐爾去畫，畫出來也沒水平。第二要理解繪畫的原理。無論東方西方，凡是好畫家原理都掌握得很好。就像蘇東坡說的‘出新意於法度之中，寄妙理於豪放之外’。你可以出新，但是要有個法度。達芬奇去解剖、研究透視，他們都做了很深的功課，當他知道了這個原理以後，畫畫使用這個原理就非常有表現力。第三，以大師為師，以經典為師。不管多古老，是希臘的也好，是文藝復興的也好，它沒有過時這一說，它是人類的高度。第四就是以自然為師。古人說行萬里路就是在大自然裡面觀察體驗。破萬卷書也很重要，向古今中外的大師學習。還有眼中之竹，要變成心中之竹，最後要上升到手中之竹。這是個提煉轉化的過程。不看經典、不懂經典，說創新基本不夠層次。試想我們待在北京的宋莊，一天到晚想成為美國紐約的前衛藝術家，這怎麼可能呢？思維和環境都跟不上就想著弄出一個奇蹟，那就是傳說中的天方夜譚。”楊飛雲坦言。
楊飛雲說，他很看重培養學生在這些方面的素質。在油畫院的學生，一年有兩次下鄉，大量地去畫寫生。油畫院鼓勵畫得好的學生出國去看大師經典作品。國內有展覽，就馬上通知大家去看，看完回來會有交流座談。
當下繪畫和生活脫節
是因為人們把它越弄越學術
“我們這個社會慢慢地把藝術和生活和人脫節開來了。如今很多人站在畫家面前先來一句，‘哎，我不懂畫，我是外行。’要不然就問你這個畫到底怎麼看。其實看畫就像看電影或聽音樂，你讓一個理論家講這個音樂表達了什麼，我覺得會被誤導。”說起當下繪畫和生活的關係，楊飛雲認為，當今繪畫和生活的脫節，是因為人們把這個東西越弄越學術了。他說：“盧浮宮一天接待多少人？那裡專業的畫家很少，進去看的普通人很多，人們就是進去體會。有些人就會慢慢上癮，慢慢看懂、最後就看進去了。我們接觸這個世界最大的領悟其實就是觀看，我們一睜眼看到的這個世界給我們的所有信息和感覺，是我們判斷、理解、認識或者是表達的一切的源頭。所以對於普通的人、未必是從事藝術行業的人來說，就是要多觀察、多看。現在生活的藝術應該說在審美上、視覺上幾乎無處不在。關鍵點就是要對美有追求。美不是個性的，這個世界萬物個性太豐富了，豐富到我們接納不過來。你能把你感受到那個美做到極致，那便是獨一無二。”
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