上週末《我就是演員》開播了，從《演員的誕生》到直接改名《我就是演員》，從名字開始就表達了自己的野心。
去年主要是為了“誕生”，請了一些比較有流量但是演技存疑的演員，比如鄭爽、歐陽娜娜，某些程度上講也是為了製造話題。
今年乾脆的變成“我是演員”，實力派競爭的感覺更牆裂一些，邀請參賽的演員幾乎都是演技相對有保證的，比如年輕演員中的胡先煦、李蘭迪呀，“戲骨掛”的任素汐、宋洋呀，還有演技廣受過好評派的宋軼、闞清子。
然鵝，第一期就發生了集體翻車。
第一組胡先煦和徐嬌重現《臥虎藏龍》，明明都是出了名會演戲的年輕演員，結果倆人越演越尬，突如其來的對峙，莫名其妙的的少女心事。
小胡一個頻繁被理娛打挺疼演技大賞拿出來當標杆範例的自然派演員，生生變成了用力過猛，強行製造表演張力。
第二組左小青和任素汐重現馮小剛導演的催淚劇情片《一九四二》。但這一組的翻車不在於演員，在於評委。
任素汐和左小青的表演都非常精彩，很多人看完直接淚目，可是評委評論階段發生了一段關於“表演到底是技巧重要，還是情感的重要”爭論。
吳秀波認為在兩個人表演同時優秀的時候，他更傾向於用情表演的左小青，他覺得任素汐是技巧成分更多。
徐崢認為任素汐是可以帶動整體表演節奏的演員，他不認為演員表演使用技巧是有問題的。
這倆人的不同觀點也引發了很大討論，我只能說任素汐其實是非常典型的體驗派演員。
大概在十個月之前，我其實做過一期表演科普，當時我介紹說體驗派的官方藝術特徵是“通過有意識的心理技術達到天性的下意識的創作”，翻譯過來就是四個字，“活成角色”。#回顧點我#
舉的例子是周迅。周迅是一個必須入戲的演員，完全進入角色之後，她不是周迅，就是角色本身。
所以她在拍《明月幾時有》的時候有一場戲是她不能救自己的母親，從開機開始她就在想這個要怎麼演，一直想一直想，等到真正開拍的時候，她反而不想了，因為在那個當下，她就是方姑（角色名）。
所以任素汐作為一個體驗派演員，擁有能立刻入戲的心理技巧，明明是一件非常卓越的事情。
Ok，fine.我們接下來說第三組。第三組對戲嘉賓是宋洋和杜淳，他倆演的是《三國》裡曹植被親生哥哥逼供，寫下《七步詩》一場。
這場戲其實在表演效果上並不是差，只能說是不夠好，宋洋演得不是“曹植”，杜淳也不夠“曹丕”。
因為曹植和曹丕是有一個真實的歷史形象在那裡的，在重現一段有歷史背景的故事時，觀眾腦海中會有一個概念。宋洋演得不是不好，他人物情緒的鋪墊、轉折都很自然，也很到位，前期求生，求生願望落空之後的暴怒。
但曹植就不是一個要求生的人。
曹丕是一個野心家，曹操卻一直偏愛曹植，在《七步詩》這段故事裡，曹丕甫一登基，一定會有揚眉吐氣和隱隱的小人得志的感覺。
而杜淳的曹丕太平了，不夠心機，不夠野心，也不夠帝王。
之所以會產生這樣的問題，就在於他們在角色理解上出現了偏差，沒有把角色吃透。
可，宋洋他是吃透了的呀，他在排練說就明確說了，曹植是不怕死的，他的態度應該是“你殺我也行，不殺我也行”，但是《我就是演員》的演技指導劉天池老師說↓↓↓
基於這個原因，宋洋揣著一顆迷茫的心，逼著自己去演了一個情緒更有起伏的“曹植”。
很多人都說第一期《我就是演員》最翻車的就是劉天池老師，第一組胡先煦和徐嬌也是她用指導歐陽娜娜那套邏輯帶跑偏的。
她一直在激發他們的情緒，去讓他們的表演更有張力，結果卻發生了用力過猛，硬坳式的演出效果。
#看到這個圖，我就心疼小胡#
第一期唯一驚豔全場的是我們的陳凱歌導演，他給觀眾打開了一個表演課的新世界。
胡先煦和徐嬌表演完之後，凱歌導演第一句話就是問小胡“你什麼時候喜歡上她的”，
小胡說：大概是她給我包紮傷口的時候吧。
凱歌立刻反問，那你為什麼開場給她燒雞吃？
小胡說：“是不想讓她死吧”
凱歌導演又反問他：你是土匪，死個把人太正常了，你為什麼不想讓她死？
哪怕是普通觀眾也能立刻get到，這是角色理解上的問題呀。劉天池在給小胡和徐嬌講戲時，側重於控制情緒+動作走位，而陳凱歌導演講得是人物設定和行為邏輯。
他現場給倆年輕演員重新排了一段兒。這是最初版本。↓↓↓
這是凱歌導演指導後版本。↓↓↓
徐崢說小胡立刻就鬆弛了，章子怡當場感嘆演員在好導演手裡是會發光的，網友也都紛紛表示：大導就是厲害呀。
其實在上週我在寫《天盛長歌》的時候就說了一個好班底對一個演員有多重要，而導演就一部電影最重要的核。
我們經常能在片場花絮裡看到導演在給演員講戲，他們究竟在講什麼？講得就是人物邏輯和情緒動作走位。
因為導演是站在一個最大格局上去看整個作品，有點兒像拼樂高，導演是知道這堆零件最後會組成一個什麼東西。
曹保平導演最初是編劇入行，後來轉做導演。劉蓓在採訪中開玩笑說，曹導有的時候會說再來一條吧，劉蓓就問他為什麼，曹導經常就會撓撓頭說：就再來一條吧。
劉蓓覺得那個時候導演不太會表達，他想要演員有哪種狀態他說不出來，但他知道現在這個肯定是不對的。
陳凱歌導演在拍《妖貓傳》時，一直要求楊貴妃的扮演者張榕容要“雲淡風輕”，因為她是這部電影最“虛”最夢幻的存在，絕對不能變“實”。
馬嵬坡楊貴妃喝假死藥那場戲，張榕容喝完之後流了眼淚，陳凱歌就跟她說不可以哭，不能悲，越是安靜才會越有力量。
張榕容的楊貴妃絕對是《妖貓傳》中最出彩的角色之一，完全能感受到她這個角色所承載的那種虛無縹緲的夢幻和美好。
這就是陳凱歌想要的效果。
但拍戲對於導演來說，又不止是拼樂高，因為演員是有創造力的，演員會給導演驚喜。
張曼玉在《甜蜜蜜》中有一段非常經典的哭戲，她飾演的李翹在太平間認屍，看到豹哥屍體被翻過來的瞬間，先是一笑，繼而放聲大哭。
她這一笑把陳可辛弄暈了，他當時還是覺得應該是《雙城故事》裡，她在酒店碰到譚詠麟時那種面沒表情，但心理活動很多，然後掉眼淚的感覺，所以就讓張曼玉不要笑，再來一條。
結果拍了七八條，到最後張曼玉跟陳可辛說，導演，我已經不能再哭了，我把我身邊所有的親人、男朋友、朋友到我養的狗都想過一遍了，實在沒東西可以想了。
陳可辛就說好，但是等他回去剪片子時，才發現其實最好的還是第一條。
多少年以後陳可辛在採訪中說，現在想起來，自己差點在那個時候犯了個大錯誤，差點把張曼玉可能是電影生涯中最經典的一個鏡頭給剪掉了。
導演和演員往往是互相成就的關係，演員要相信導演的把控力，而導演要相信演員的創造力。
《李米的猜想》有一場戲是需要撞車，一開始的時候他們是在拖車上拍，車速也比較慢，拍幾條之後，導演曹保平覺得不對，周迅也覺得不大舒服，不夠有真實的感覺。
曹保平從攝像機的車上下來，周迅也從拖車上下來，倆人從兩個方向往前走，到中間同時向對方狠狠點了一下頭，周迅形容那一瞬間為默契。
之後他們嘗試用真拍，導演自己抱著一個監視器上了車，當時周迅和他都沒有想過危險之類的問題，兩個都處於一種創作中的狀態，在還沒調整好速度配合，就直接真撞上了。
但那個鏡頭畫面算是意料之外的驚喜。
章子怡在《我就是演員》裡說，一個好導演對沒有經驗的年輕演員來說就是一把尺子。
張藝謀在拍《山楂樹之戀》的時候會給周冬雨的每一場戲打分，周冬雨會問他這場戲有幾分，這場戲有六分了嗎？張藝謀也會非常認真的給他講是幾分，哪裡有問題，哪裡可以更好。
但導演這把尺子並不是只針對年輕演員，一個好導演對任何演員來說，都是一把尺子，不管是有經驗還是沒經驗。
對一部作品，尤其是電影作品來說，導演才是那個講故事的人，也是那個最懂故事的人。
而現在有許多演員不信任導演，或者說不願意按導演的方向走，導致故事和角色是割裂的；有的導演也不想信演員的創造力，他要要求演員嚴格按照他的模式演，沒有演員注入理解的角色，是生硬的；
但最可怕的是，現在有很多導演，不配當導演，他們既沒有那麼懂表演，也不太瞭解什麼叫“故事”。為什麼第五代導演是中國導演巔峰？因為現在不僅是好演員在斷檔，好導演也是。
演員需要傳承，導演更是。
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