1896年8月11日，對於中國的電影愛好者來說，是一個特殊的日子。在上海的一間遊樂場裡，透過大屏幕，人們看到了會動的畫面，不同於原來拉洋片需要人不停的操作，那種新鮮感和滿足感，在當時足以引起相當大的震撼。
為什麼電影會在上海首先引進呢？最主要的原因就是上海的地位得天獨厚。
電影在初期，並非是一種娛樂活動，儘管它具有娛樂的屬性，它更像是一種立體展示的文學作品，說它是一種文學體裁一點也不為過，同時電影也是物質文明發達的一種標誌。
馬克斯·韋伯曾經說過，文明非常脆弱，必須非常小心才能夠存活下來，也正是這個原因，它才會選擇在能夠保護它的地方生根發芽。上海，無疑最適合文明落腳的地方。
上海自兩晉開始，就已經是商貿地區，隋唐之後，中國經濟中心南移，到明嘉靖年間，上海已經相當繁榮，有了這些基礎，清末上海開埠之後，大量的資本湧入，上海一躍而成為國際都會，幾乎是當時中國唯一一個追的上時代的中國城市。以電影為代表的西方物質文明，想進入中國，除了上海沒有更好的選擇。
“十里洋場”，“冒險家樂園”，“東方巴黎”，這些上海的別稱，並不是《上海灘》等電視劇虛擬出來的，而是實實在在存在過的歷史。
早在上世紀20時代，有著“遠東第一樓”之稱的沙遜大廈就在黃浦江邊迅速崛起，當時世界上的名流都曾在這座建築裡面駐足，最著名的人物當屬喜劇大師卓別林。
五四新文化運動席捲全國，雖然它更多是一場文學的運動，卻喚起了大多人內心深處對新生活的嚮往，個人主義的抬頭，更能適應這個新的時代。電影的拍攝不僅需要資金和技術，還要穩定的環境，而北洋政府對於電影一向持否定態度，並且認為電影在內的藝術形式浪費國家錢財。
最令人感到悲哀的是，中國電影要想發展無疑要仰仗外國資本，於是電影工作者紛紛湧入了上海。《閻瑞生》成為中國第一部長片。早期的電影深受傳統文化的影響，這種影響一直持續到上世紀60年代末的香港。
中國第一代電影人為以後中國電影事業的發展奠定了基礎，他們是黎民偉、張石川、鄭正秋·····，很多當紅的明星都是今天我們熟知的名字，胡蝶、阮玲玉、王人美······，拋開這些人不說，還有一個必須提到的名字——田漢。
田漢早年留學日本，與郭沫若等人為好友，學成歸國之後，他擔任上海中華書局任編輯，並且成立了南國藝術學院。有感於東北的淪陷，田漢感覺自己有義務去宣傳抗日思想，而電影作為他最有利的工具，他寫下了著名的劇本——《三個摩登女性》。
1935年，電影《風雲兒女》上映，田漢不僅是劇本的主要創作者之一，還是主題曲《義勇軍進行曲》的詞作者。而劇本的另一個作者就是著名紀實文學作家夏衍。
當時的電影明星就已經身兼多職，除了演電影，很多人還會拍廣告，出唱片，成為當時的時髦偶像。而明星們的私生活也佔據了新聞的頭版頭條。
可以說，上海一方面為文化思想宣傳起到了推動的作用，另一方面，卻給人一種”商女不知亡國恨，隔江猶唱後庭花”之感。
大陸鼎革之後，很多有才華的人選擇去了香港。在他們心中，香港不是香港，而是老上海，這種寄託，幾乎貫穿了張愛玲後半生的創作。
隨著大量人群湧入香港，香港電影也分為兩派：一個是以粵語為主，貼近人們生活的苦情戲；另一個是以國語為主，注重品質的傳統與現代相結合的電影。
兩種電影最開始以平行的方式相互發展，互不干涉，可是這種情況到了上世紀七十年代之後慢慢改變了。粵語片開始佔據主流，從這個時期開始，港片才開始了迎來了黃金年代。
從21世紀初開始，很多人都認為港片開始變得不好看了，而導演王晶則認為港片沒落得更早，早在1992年周星馳電影《濟公》賠錢之後，就開始走下坡路了，不論如何，港片的沒落都是不爭的事實，那麼到底是什麼原因導致的港片沒落呢？我認為是人才的凋零。
前面已經說到，電影最初本身是一種文學，無論承認與否，它最開始出現都是給上流社會的人準備的，就好像歐洲的貴婦人觀看的歌劇一樣，《茶花女》的女主人公為了彰顯自己的身份，經常出沒於劇院，儘管她的行為舉止都不像是貴族。
很多文化名人離開大陸，去香港落腳，比如唐君毅、錢穆。他們為香港注入了新鮮的文化血液。而且，當很多人摒棄了傳統文化的時候，唐君毅洋洋灑灑寫下了《為中國文化敬告世界人士宣言》，他想要做的就是拯救中國文化。
香港別人不屑的稱為“文化沙漠”，這不是很正確，起碼有新儒家的代表人物在香港，就不能這樣說。而港片輝煌時期的導演、編劇、監製等工作人員都受過中國傳統文化和西方現代文化的教育，而他們電影所體現的主題更是中國本土的文化，西方的文化更多的是借鑑技術。
就拿《倩女幽魂》來說，炫酷的特技自然能夠吸引眼球，但是故事的內核才是真正成為經典的原因。這一取材自《聊齋志異》中聶小倩的故事，經過阮繼志的改編，比原著更加曲折，適應現代人的需求，卻又能保留原著的精華。
很多的港片也是對原來影片的在創作，或者翻拍。周星馳的眾多電影，都有很多粵語殘片的影子。
《審死官》，當年香港的票房冠軍，男主周星馳拿下亞太影展影帝，女主梅豔芳獲香港電影金像獎最佳女主角提名。這部片子翻牌自1948年的同名電影，而且裡面的主角宋世傑的父親照片，就是老版電影的主角馬師曾。
清末的許多案件也是港片的一大靈感，以刺馬案為原型的故事，一次又一次出現在熒幕。曾經邵氏電影的當紅小生狄龍主演的《刺馬》，被陳可辛翻拍成了《投名狀》，除了技術上的進步之外，人物塑造基本上沒有超多前作，而都市版本的《刺馬》——喋血街頭，將場景安排到了現代社會，無疑比《投名狀》更加成功。
電影的成功是很多方面綜合的結果，音樂不可忽略。
每個時代，音樂都有顯著的特徵，無論是詩經楚辭，還是後來的唐詩宋詞，都是配有音樂演唱的。可由於當時條件的限制，我們沒有辦法還原他們的旋律，卻可以欣賞詩詞之美。
今天也是一樣，港片的沒落幾乎是和港樂一起沒落。黃霑還在世的時候，就自嘲地說，現在已經沒有人找我寫詞了。
黃霑的詞之所以那麼好，和他的文化背景有著巨大的關係。他的老師是著名的詞評家羅忼烈。而黃霑的幾個學位論文是正經的學術專著《姜白石詞研究》、《粵劇問題探討》、《粵語流行曲的發展與興衰》，真正能做到深入淺出，都是需要真功夫的。
而進入上世紀九十年代之後，香港音樂開始變得千篇一律，連寫出的情歌都是翻來覆去訴說一件事情，正如黃霑所說，十有八九都是說分手和失戀的慘情。
這種原因的背後，根本就是文化的缺失。中國的情愛詩詞雖然以含蓄為主，但是也不乏大膽直白的表露，這種例子信手拈來，前者可以是“從別後，憶相逢，幾回魂夢與君同”，後者可以是“行行重行行，與君生別離，相去萬餘里，各在天一涯”。而如今只剩下，我愛你，你愛他。
攝影同樣不可忽略。
港片為了迎合市場，確實出了不少粗製濫造，而電影分級更是為電影製作提供了寬鬆的條件。著名導演李翰祥在香港市場就曾推出過眾多的風月片，尤其是改編《金瓶梅》。一個好的導演，不會因為討好觀眾而降低了自己的要求，李翰祥拍攝的風月片，鏡頭極其出色，營造出一種裸露而不淫蕩的氣氛。
而提到攝影，就不能不說大師何藩。何藩是知名攝影師，被譽為“東方佈列松”，他鏡頭之下飽含對底層人們的同情。轉行拍電影之後，很長一段時間他都不能重視，因為他想要拍攝文藝片。
最後何藩等來了投資公司的同意，拍文藝片可以，不可要加上情色。於是，一部部大眾熟悉的電影出來了。《我為卿狂》裡面，何藩在公司要求的範圍內，儘量發揮自己的才華，這部電影，你可以說劇情爛俗，但是攝影無可挑剔，因為這畢竟是他唯一的權力了。
港片的繁榮，說白了就是時代的產物，隨著大陸經濟的崛起，很多導演開始北上拍電影，卻很少有人重回巔峰。“炒冷飯”，已經成為很多香港導演撈錢的伎倆，也是最為人詬病的伎倆。
科學技術的迅猛發展，取代了很多職業，可是電影基本上最不容易被取代的。電影就是一個夢，很多現實裡面不能完成的事情，通過熒幕表現出來，如果現實完全可以滿足人類所需求的一切，那麼電影也就不存在了，姜文曾經這樣說。
很多的導演太熱衷於西方的技術，打著史詩的噱頭去拍一堆中不中，洋不洋的電影，結果兩邊都沒有討好。而且，由於中西方文化的差異，對造型的設計也有天壤之別。
魯迅說過，“（文學藝術）有地方色彩的，倒容易成為世界的”，如果翻譯一下，那就是越是民族的，越是世界的。
中國的文化本身就是一個寶藏，港片能夠異軍突起，曾經有一段時間和好萊塢相比也不遜色，依靠的就是對文化的挖掘。盲目的模仿，追捧，最後的結果往往以失敗而告終。
從大陸趕赴香港的那一代電影人，基本上在21世紀之前就已經全部去世了，他們教出來的學生，也已經處於隱退或者被市場淘汰的狀態。人才的凋零才是港片沒落的深層次原因。
港片就是一個特殊歷史時期，所造就的一場文化盛宴，過去之後，就只剩下回憶了。黃霑的《滄海一聲笑》看似豪放，卻像是寫給港片的輓歌，儘管他寫的時候還沒有意識到：
滄海笑 滔滔兩岸潮
浮沉隨浪記今朝
清風笑 竟若寂寥
豪情還剩了一襟晚照
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