西安维艺术
毕加索的画一般，只是油画而言，没有什么特点，油画都一样，大同小异，世人说他的画好，都是些人云亦云，毕加索之画，西方的东西，与之东方文化不调，欣赏不喜欢，那些没完没了欣赏他的画，说如何如何的高，只是名人效应，假懂吧了。如果你说毕加索的画不咋地，他们会说你不懂艺术😀😀自欺欺人。
这种人，没艺术主见，作品如其人一样，一生平俗。
放着东方文化艺术之妙不欣赏，舍近求远，无限的嚼爵这些不合水土的洋麵包，莫名的奇怪。😀😀不如欣赏自己的作品
浓淡任由冰雪中
毕加索晚年的画作
20世纪以来，西班牙画家毕加索成为了抽象画的代名词，源源不绝的创作力，使得他的声名久久不坠，毕加索（1881～1973年）一生活了92岁，共创作了30000多件作品，可算是一名非常高产的画家，而且毕加索是名利双收，不像梵高那样穷困潦倒，
毕加索的画几乎没有人能看懂，说看懂了毕加索的画的人，都是自欺欺人，毕加索晚年时期曾说：“立体主义就是一场骗局”，毕加索晚年的画作，全属于他自身情感的发泄释放，但依然没人可以看得懂他的画作，就如他自己说过：“艺术向来就不是单纯划一的。”对于晚年的毕加索而言，所谓的不单纯也许就是因为绘画里还包含了爱，
毕加索在1971年时创作了《双手交握的杰奎琳》画中女人是毕加索的第二任妻子，也是最后任，1953年，毕加索被被姬罗（毕加索的情人）抛弃之后，心情跌到了谷底，此时杰奎琳从旁安慰照顾着他，成为毕加索的模特兼情人，最终也成为毕加索的妻子，杰奎琳隔绝毕加索与他的子女们往来，两人过着隐居的生活，
毕加索的一生中，女人与爱情一直是他创作的灵感来源，他的画作大部分都围绕着他身旁的情人，但是他从来就没有把自己的女人描绘的端庄美丽，即便那些女人原本端庄美丽，在毕加索的画笔之下都是奇丑无比，或者说，毕加索只画出了女人的情绪，（把自己对女人的种种情绪表现在画中）从不画女人的形态特征。
毕加索作品《双手交握的杰奎琳》创作于1971年
诗夜城主
在毕加索年少时就可以看的出来毕加索很有绘画天赋，在1904年的时候，让他邂逅了一位叫做“费尔南德 奥利维叶”的美女。因此毕加索迎来了人生的玫瑰时期。在爱情的滋润下，毕加索很快成长了起来，这一时期创作的作品有《拿烟斗的男孩》、《斯坦因画像》，并且开始了向立体主义的转型！
就是这时，毕加索多是以立体主义为主，绘画多三维立体。
1932年到1945年是毕加索的脱变时期。这一时期最著名的创作是，毕加索为金发情人瓦尔特画的肖像《红色扶手椅中的女人》，成交价高达两千五百二十万英镑。1936年西班牙内战爆发，毕加索又结识了多拉玛尔，并创作了《多拉玛尔的肖像》，1944年他加入法国共产党，开始尝试石版画创作。
正是因为战争的原因，让毕加索晚年多以抽象画为主来表达内心对于战争的愤懑。抽象画有荒诞色彩与悲情结合，有的人认为毕加索晚年创作的抽象画不如从前，可晚年的毕加索把绘画热情投入到了对于死亡和战争的深深反思中，意义是前所未有的。
书中君与君
对于毕加索晚年的画作，不少人第一反应是：太抽象了，看不懂！正如他自己所说，“我14岁时就能画得像拉斐尔一样好，但用一生的时间，才能像孩子一样画画。
毕加索晚期作品中朝气蓬勃。强烈对比的手法起首先面对的是评论界的敌意，而后他的画商拒绝代理这些作品，甚至自己的朋友也宣称这些作品是“一个垂暮的老人语无伦次的涂鸦”。如今回首该时期作品，正如老子《道德经》中“万物之始,大道至简,衍化至繁”的理念。
“画作如同生物一样是有生命的，生活日复一日加在我们身上的那些变化，画作也同样经历着。这很自然，因为画作只活在观赏者眼中。”
雨霖铃40104010
画家里最会炒作的当推毕加索，早年为了自己的画能在巴黎打开局面雇很多人炒作自己，结果还真炒红了，买画者络绎不绝！毕加索青年时期的画还是很精良的：造型精准，色彩忧郁，线条流畅。晚年以后画风巨变，不断尝试野兽派，印象派，后现代主义，立体主义，画作变得诡异，晦涩，杂乱，阴暗……西方有一个文艺评论家曾问道：如果这画不告诉你是毕加索画的，你会出多少钱买？有一个富商回答：一文不值，而且我还会踩两脚，完全是垃圾！因为人们把他抬的太高，都说他是百年一遇的大师，普通百姓哪个敢说他的画是垃圾？
楚襄蛮
毕加索晚年的画其实还是根据他内心的情感体现出一种心情和风格。毕竟也算画了一辈子，年轻时期的画作很抽象，各种艺术流派都来借鉴赏析，其他人也可以用艺术的手法，加上不同的社会背景以及个人的经历，都加注在他的画里。本就抽象，经过后人的渲染就愈发的神秘不可测了，到80岁如此高龄的时候，画幅简单的儿童画作…，其他人就很难在硬性增添什么思想了。
所以就有点令人不可解，我也不想用过多专业艺术词藻来形容以及作品，尤其是这看起来确实是一副儿童画，画了一辈子深奥的画作，或多或少被人诟病追捧。
简单纯粹才是最初，我是认同老小孩的，毕加索最初接触绘画也是从基础简单做起的，一生过后，回归最初也未尝不可。
宇天少
在二十世纪，号称与堪称艺术大师的画家不计其数，但不论当时还是今日，都始终没有另一个名字能够与毕加索比肩而立。法国批评家乔治·贝松所说的“他比佛陀或圣母玛利亚还有名”之句，也似乎没有被谁有理有据地反驳过，更没有被谁私底下嘲讽过，因为贝松所言，不过是一个简单的事实。无人反驳的事实就在于事实有目共睹，也有口皆碑。
记得1994年，卡梅隆导演的影片《泰坦尼克号》风靡全球。该片有个涉及毕加索的细节。女主角露丝登船时携带了几幅毕加索作品，其未婚夫看了看签名，发出不知毕加索是谁的挖苦。实际上，这个细节颇成问题。因为泰坦尼克号的沉没发生在1912年，那时的毕加索已经三十一岁，早已跨过他的“蓝色时期”和“玫瑰时期”，在1909年便进入他的立体主义发展阶段。令画坛震惊的名作《亚威农的少女》也问世经年。换言之，1912年的毕加索已然名动天下。刚过而立的画家已是不折不扣的上帝宠儿。
只是，面对毕加索的画，又令人感到某种古怪。十九世纪的米勒、梵·高等人的盛誉理所当然地建立在他们作品之上，其代表性画作也尽人皆知，而要在普通大众中找到能辨认出毕加索画作来的人却着实不易。我们可以说是毕加索的画风多变所致，但其最负盛名的《格尔尼卡》却无论如何说不上是一幅进入大众视线的耳熟能详之作。
该画完成于西班牙内战期间的1937年。格尔尼卡是西班牙巴斯克省的一个小镇。该年4月26日，正是格尔尼卡镇的赶集之日。支持佛朗哥的德国纳粹空军为试验新制的炸弹威力，向无辜市民施以空袭，三个多小时的轰炸导致数千平民丧生。屠杀震惊欧洲各国。西班牙共和政府立刻敦请毕加索在布拉多美术馆即将开放的巴黎国际美术和工艺展览会的展馆内创作一幅大型壁画。在用铅笔、钢笔、粉笔画过构图、无数幅草稿，并尝试过多幅单色油画及水墨画后，毕加索最后完成的画作以黑白对照为主，加以浅青和淡灰。其单纯和朴素之笔触，使人物外形没有任何复杂之处，但要说它真的简单，却又让人看不到一处完整。画面似乎只充满种种碎片，有牛头、有人脸、有灯泡、有脚掌等等，尤其是画面左上的牛头，充满立体主义的变形手法。从画面的整体来看，其构图基础为好几个三角形。似乎毕加索以最传统和最稳定的形式，创造了最富革命性的表现框架。
比较德拉克罗瓦的《希奥岛大屠杀》、席里柯的《梅杜萨之筏》等同类作品，毕加索没有在画面上展现照片样的逼真效果，似乎毕加索更着重于事件所带来的情绪冲撞，因而在观众眼里，画面展现的就不再是某一具体事件的灾难，而是一场带普遍性的悲剧。至少，画面上没有飞机，没有屠杀者，有的只是人与动物的惊恐。画界共识的是，自毕加索1907年画下《亚威农的少女》之后，肖像画就分为描绘表象和描绘思想观念两类。在这幅长二十五英尺、高十一英尺的巨型画作中，毕加索将其思想观念进行了最大胆的创新表达，也是最淋漓尽致和最惊世骇俗的表达。画面上的每个细节都值得写上长长一段论释，它们虽然集中在同一幅画面之上，看起来却四分五裂。每块碎片都是一个瞬间的戏剧性高潮。每一个高潮的叠加，就差不多等于人所经历的全部恐怖和绝望，因而面对格尔尼卡的苦难，也就等于在面对全人类的悲剧。
对人来说，真正的悲剧从来不会是一次简单的屠杀。屠杀可以说是灾难，而悲剧却是人类从未摆脱过的困境和最深处的绝境在无可避免地凸显。
作为一个能表现整个人类困境和绝境的画家，首先就在于表达者自己深刻地品尝和理解到了困境和绝境是什么滋味。尽管从表面上看，毕加索名满天下，财富也伴随着声誉水涨船高。但要说一个人伟大，首先就在于这个人已经超越了名声与财富的需要——对毕加索而言，他想要什么，随便画几笔就可以得到。其次，伟大的艺术往往不是表面的目迷五色，恰恰是表达者所理解的伟大绝非高高在上的某种姿态，或许正好相反，伟大是深潜在所有人共性深处的繁复感受。如果到不了这一深处，就唤不起所有人的共鸣。毕加索的画不一定就立刻能唤起所有人共鸣，但事实却是，随着时光推移，能让人从他的画作中挖掘出与观画者个人越来越多的相通性和互连性。就像这幅《格尔尼卡》，其来源不过是一次暴力事件，毕加索却借助这一暴力，似乎将人类历史的悲剧和未来将经历的悲剧都全部画出。
令我时常感到意外的是，面对同类题材的作品之时，我心里总是涌起某种感动，但面对毕加索这幅《格尔尼卡》，我从来没有过感动。与之相反，每次看到它，我心里总是感到格外悲凉。这种悲凉既针对自己，也针对他人，更出乎意料地还针对了毕加索本人。
毕加索悲凉吗？
每一本现当代西方艺术史都有记载，二十世纪初期的巴黎，吸引了无数来打天下的艺术家，不论最后成功与否，这些人差不多都经历了极度的物质贫困。毕加索不然，聘请第一个经纪人时，画家才十九岁，到二十五岁的青春之年就有画商开始收购他的作品，到二十八岁时，毕加索就再也没有为物质生活苦恼过。更有甚者，无数史上留名的创作大师，其作品几乎大都来自于长年累月的深思熟虑和艰苦耕耘，毕加索的天才却从一开始就任意挥霍而从不枯竭，乃至今天都无法统计他究竟完成过多少幅作品。如果再加上无数绝代红颜甘为枕席的现实，毕加索的一生几乎可以是用来随心所欲度过的一生。
但毕加索选择的却偏偏是工作的一生。
从罗丹那里，里尔克理解到创造即工作这一秘诀。但如果把工作放在毕加索身上，我们会发现工作一词，甚至都涵盖不了毕加索的创作。像所有功成名就的人一样，毕加索免不了狂妄，否则他也不会认为达利来巴黎后未去卢浮宫而先来拜访自己的行为是“正确的”一说。但从毕加索的一生来看，狂妄倒不见得是其底色。能够充当其底色的，或许就是他毫不掩饰所追求的“伟大”二字。伟大当然令人向往，但获得伟大的人却又往往会发现，伟大的底色是“高处不胜寒”的荒凉。正是到了高处，毕加索才理解到高处的真实“寒”意——不仅将历史尽收眼底，还能将现在和未来都纳入视野。对人类来说，不论是历史还是现在及未来，在深处构成支撑的，恰恰不是喜剧，而是所有生命都无法摆脱的悲剧。我们更不能忽略的是，创作《格尔尼卡》时，毕加索已经五十六岁，这个年龄及其阅历都早已使他理解到各种人性和各种生活的真实。如果艺术家的使命是揭示真实，那么就可以说，艺术家越往伟大趋近一步，就必然会揭示比他人更进一步的真实。
对毕加索来说，真实是什么？英国评论家赫伯特·里德曾说《格尔尼卡》是“表达幻灭、失望与破坏的不朽之作”。总觉得，这句针对画作的言论未尝不是在说毕加索本人。不论毕加索身上的光环多么耀眼，也不论其一生是怎样的多才、多产、多变和多姿多彩，我们还是能够发现，越到晚年，毕加索画笔下就越出现被悲剧感所浸染的不安甚或恐惧。这些不安和恐惧或许就是另外的、甚至还是更进一步的“幻灭、失望与破坏”。翻开任何一部艺术史，我们与其说那些艺术大师们在探索人生，不如说他们在探索人生的主题。古往今来的探索者都想得出与众不同乃至标新立异的结论，但无论探索多么有力，人生却从来不会变化其底牌。或许，毕加索越伟大，才越知道人生的底牌究竟充斥什么样的颜色。1972年1月30日，毕加索在纸上画下一张巨幅头像。因为面部特征与画家酷似，被认为是一幅自画像。画中人的脸部用绿色蜡笔涂成，表情惊慌，眼睛睁得很大，在充满坚定的同时又充满一种慑人心魄的惶恐。这种眼神既容易令读者想起《格尔尼卡》中流露的痛苦，也似乎是来到生命终点的毕加索在回复早年“蓝色时期”的寂寞与忧郁。但晚年的毕加索毕竟是抵达彼岸的毕加索，此岸与彼岸，听起来和看起来都不过是岸，中间横亘的，却是抵达者奋力泅渡的一生。因此可以肯定，晚年的毕加索不是回归早年，而是在再现其生命认识的顶峰。进一步说，毕加索来到《格尔尼卡》的创作顶峰之后，就再也没有下滑过，如果有变化，那也只是将扫视历史、现在、未来和大众的眼神转移到了自己身上。
最终发现自身的悲剧，或许才是最深刻的悲剧。
在毕加索逝世前夜，他与公证人及妻子雅克琳娜一起晚餐，到十一点时他说，“我不再喝了，我必须工作。”然后就去到楼上画室。这是毕加索留在人世关于艺术创作所说的最后一句话。我相信对很多人而言，这句话比他的遗嘱更有力量，也更能说明毕加索为什么能成为毕加索。但更深入地去看，从《格尔尼卡》就开始理解生命悲剧的毕加索，仍继续进行了将近四十年的不懈工作，直到死亡让其停止。如果一个艺术家的工作需要理解，那么对毕加索来说，这种理解是不是就在于他将自己对悲剧与伟大的理解融合成了同一种理解？
至少，在毕加索之外，没有第二个画家令我产生这一想法，因为没有第二个二十世纪的画家在为伟大工作的同时，又始终在顽强和清醒地为悲剧工作。
猫蒲猫谱
毕加索晚年的作品，应该是人到晚年不逾矩，没有太多的框架约束导致很多人感觉不太好，色情味太重，让人感觉不是欣赏艺术，而是在欣赏色情作品，是那么的赤裸裸与露骨，很不雅。
九旭策划
艺术创造存在就和山水石木一样，是造物，是生造一个存在。没有规定每个造物都需要被理解，都需要非常美。不是那个意思。伏羲造阳爻也只是一个普普通通有点丑的一。所以艺术创作首先是创造力，再说别人怎么看。
一辈子大鱼大肉久了，年轻他比大多数人吃得好，晚年想吃点不一样的，不行？要尝点清淡的粗糙的怪异的，没准他喜欢呢？很难理解吗。难道你要揪着一顿饭说这个人口味就是怪异？画一辈子像的，牛逼的，大家觉得好的，年轻时他比大多数人画的多，画的好，画的产生过巨大的价值，晚年他想画点不一样的，行不行？一天他画五十张画，其中一张是小鸡啄米图，行不行？
想怎么画就都是画家的个人志趣而已
格物书画
晚年的毕加索画的画当然也是为了艺术而作、更为自己兴趣而作。
