影影圈圈
為什麼那些有名氣的藝術家畫出來的畫總是給人一種“畫不像”的感覺？我怎麼覺得這題問得有些不大符合邏輯呢？是哪些有名氣的藝術家呢？又是怎麼個“畫不像”呢？
如果這題說得是國畫，顯然這出題者要麼是對國畫不大瞭解，要麼是明知故問。因為國畫是筆墨線條的藝術，從古至今始終貫穿的是“寫意”的創作原則，追求畫的“在似與不似之間，”以達到突出意境的效果。這是國畫的創作理念使然。即使是國畫中的工筆畫，也只是注重繪畫主體的神似，而並不太在意形似，這也正合乎中國傳統文化中的“含蓄”。只能讓人看出畫得是什麼，畫中人的身份和氣質，而“不能讓人看出畫得是誰”。
如果這題說得是油畫，顯然就更不對了。油畫特別是寫實類油畫，不僅畫得像，而且非常逼真，惟妙惟肖，如超寫實油畫，完全可以和拍攝出來的照片相媲美。印象主義油畫雖然不像寫實油畫那樣追求造型的精準，但跟真實的客觀物象也是比較相像的。至於抽象主義油畫，那肯定是“畫不像”了，但這也正是抽象主義的表現手法，不然怎麼叫抽象呢？
所以我覺得這道題立意含糊，邏輯不清，是不能成立的。
燈影書畫
欣賞有名氣的藝術家的畫作後，得出“畫不像”這樣的結論，通常是由欣賞者的主觀臆斷造成的。
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如果欣賞完一位初學者的畫作，說：“畫得不像！”，也許是由繪畫者的水平低、技藝差造成的；但這個問題前面加了兩個修飾詞：“有名氣的藝術家”，則另當別論了。因為，有名氣的藝術家是經過千錘百煉才攀上藝術高峰的，並非浪得虛名。說他們的繪畫作品“畫不像”，一般都是由欣賞者的主觀侷限性決定的。
即欣賞者先入為主、專業知識儲備不足、不瞭解繪畫作品的歷史背景等主觀因素。
一、先入為主。
有人在讀完陳忠實先生的《白鹿原》後，提出質疑：白嘉軒是個地主，怎麼能做善事呢？這不是在為地主翻案嗎？其實，發出這樣質疑的人，一般與他小時候所受的教育有關。小時候，我們在課本里認識的地主，皆是周扒皮、黃世仁那樣的惡人；今天，陳忠實突然這樣人性化地表現白嘉軒的多面性，你便會覺得不可信！
同樣的道理，你天天看到的美女都是身材窈窕，面白如玉，氣質如蘭……；有一天，你突然看到一幅西方油畫，油畫的裡女人豐滿肥碩，且臉上還有幾個祛斑。而畫家卻告訴你這就是美女。你一定會反駁，美在哪裡？然後就搖頭說：“畫得不像！”得出這樣的結論，先入為主是主要原因。
二、專業知識儲備不夠。
繪畫是藝術，藝術的靈感來源於生活，就是西方的寫實主義油畫也不是照搬生活中的原型；而國畫講究神韻，講究意境，講究留白。如果不掌握一些基本的繪畫常識，欣賞繪畫作品時，便會常常得出“畫得不像”的結論。
三、不瞭解繪畫作品的歷史背景。
看到布格羅的名畫《寧芙與薩堤爾》時，如果不去了解這幅畫作的歷史背景和神話傳說，你一定會去質疑，那個被仙女拉著的男人的腿，怎麼像獸腿呢？（有興趣的朋友可以去百度一下布格羅的這幅名畫）
綜上所述，說有名氣的藝術家的繪畫作品“畫得不像”，通常都是欣賞者從主觀出發得出的印象。
老梅尋夢
畫不像我們分三種情況來進行分析:
第一種，相對於參照物或人物模特來講，絕對一模一樣的一種像而言；第二種，相對超然物外的一種像而言；第三種，功力有限而畫不像。
1.相對於參照物，絕對一模一樣:
這樣的一種一模一樣是不可能發生的。例如畫人物，畫家畫畫參照於模特，這等同於把人物模特通過眼睛過一遍之後再創造畫面，而無論藝術家造型多麼高超，出於手繪的原因畫出來的作品，在一些形體上也是不可能與現實中原模特的每一個形狀都完全吻合。
即使畫家按一比一的比例畫也不可能，因為藝術家不等同於打印機，只要出於手繪就不會達到一模一樣的標準。
而即使是打印機複製出來的照片與現實中的模特也會有區別。現實中的人物處在一個三維立體空間裡，而照片是將三維空間二維化，將三維空間進行了壓縮，所以照片也不可能與現實中原模特的形象一樣，而且還會有色差。有時候會讓觀者發覺照片根本不像原人，即使是自拍也會發生同樣不像的情況。
當然照片能做到一模一樣還是有一個情況的。將同一張照片重複按一定的標準，在同一模塊中複製，這樣相對於首版照片來講，一定會一模一樣，但相對於現實中的原模特還是不會完全一樣。
2.超然物外的一種像，損失一部分形而突出了神韻:
這種像就是我們所說的“生活來源於生活，但高於生活”之佳境。藝術家功力與修養到達一定的高度後，那麼他便可以根據自己的生活經驗與藝術造詣，觀察到模特的內心狀態，甚至是模特外在沒有表現出來的東西，這便是神。
藝術家會強化對於神韻的表現，將一些形體適度誇張放大，把形體的塑造不侷限於眼睛所看到的表面，而是脫離框架之外，以自己的主觀思想進行的形體的改造，甚至故意把形體畫出錯位的感覺也都有可能，從而讓畫面達到了脫離形體而居其之上的超然佳境。而且這也是藝術的魅力所在，就像齊白石所說“貴在似與不似之間，太似為媚俗，不似為期世”貴在這模模糊糊，像又不像之間的一種平衡狀態，這便是中庸之美，誰說做人才能中庸，藝術依然也是中庸之道的體現。這樣創作出來的作品會表現出更傳神的境界，損失了一部分的形但卻超然了，更突出了神，而細看又還是像原模特的，可謂絕妙。這便是來源於生活高於生活之美。
3.功力有限，因此畫不像。
我們有時候不能過於迷信名家。在如今的市場環境下很多人的名氣，實際是跟其自身的成就與功底是不相匹配的，因此有些所謂的名家也因為其自身的功力不足的原因，畫畫因此會畫不像，趨於對於問題進行嚴謹的解答，我們也不能排除這樣的情況發生。有可能畫家已經很努力在畫了，但就是不像。
而有的名家之所以有名氣是有一定原因的，這些名家擁有很強的藝術功底，但因為畫面需要，所以故意設計出不像原模特形象的畫面，也未嘗不可。
所以，如何辨認這兩者之間的差距與區別，還是需要觀者具備一定藝術素養的。
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如果按時間來推算，那些有名氣的藝術家都應該在古代才有，離我們現在最近的時間，至少都是現代，也就是20世紀初，當代的藝術家幾乎稱不上有名氣的，況且這些“名氣”也有水分，所以不談論當代的藝術家，為什麼那些有名氣的藝術家畫出來的畫總是給人“畫不像”的感覺呢？
畫出來的畫，總是給人“畫不像”的感覺
首先可以先肯定一點的是，古代那些有名氣的藝術家畫出來的畫總是給人“畫不像”的感覺，這並不是藝術家的繪畫技巧不熟練，而是“畫得像”沒有多大的意義，沒必要浪費這時間，或許有人會疑惑，將人物畫的形象逼真不是更能體現藝術家精湛的技法嗎？何樂而不為
之所以“畫得像”沒有多大意義，那是因為過去的時代，社會身份和地位遠遠比個人的特徵更重要，因此藝術家在給那些王權貴族畫畫時，就忽略了人物的相貌，把人物氣質描繪出來就可以了，深刻點，就是像倫勃朗那樣將人物的靈魂淋漓盡致暴露出來，在藝術家眼裡，刻畫人物的內心世界比外貌更為重要，
從繪畫中的國畫來看，人物形象也是給人“畫不像”的感覺，至於為什麼會這樣，我們通常把它理解為是國畫注重“寫意”的效果，也是隻要把人物的內心世界、身份地位描繪出來就可以了，人物外貌特徵如何，這都無所謂，然而，刻畫人物的內心世界以及身份地位要比描繪人物的外貌困難的多，
對於現在科技如此發達的社會，藝術家更沒有必要將人物“畫得像”，因為現在有了攝影技術，幾秒鐘就可以完成一張形象逼真的照片，任何一個藝術家都只是專注於做好一件事情，國畫藝術家就著重“寫意”，油畫藝術家就強調“寫實”，“寫意寫實”是藝術的情感，而不是形象特徵，這些都不是依靠技巧就可以達到的效果，所以就沒必要花心思在技巧上描繪人物外在形象。
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關於這個問題，我們來長話短說。
畫的不像，主要是針對國畫而言吧。就我們的中國畫和西方畫來說，各有千秋，各有各的追求。西方畫的基礎是素描，以寫實為主，注重實物的點，線，面。明暗對比，空間結構等，常常以高光部位彰顯實物的立體感。水彩油畫在這些基礎上又增加了色彩的渲染，使得實物更加逼真。有些西方畫以追求逼真為主，畫出來的作品甚至能和照片比美，這都是寫實主義的做法。
而中國畫和西方畫最不同的一點就是中國畫是在宣紙上作畫，在宣紙上作畫比較謹慎，有些寫意畫一筆下去可能毀了整張畫，前功盡棄，但卻能洇染出更多的意境和趣味。寫意畫不要求畫的像，要的是意境，看的是用筆用墨，尤其有些大寫意畫，在潑墨和意境上很難達到一致，這是對畫者從技法和思想上的一大考驗。眾所周知，中國大寫意是從書法中來的，梁凱的潑墨仙人圖就極具代表性。國畫的高境界融合著書法，詩詞，古典文學，繪畫技法，個人創意等等，一幅完美的寫意作品具備這麼多要素，你覺得像不像還是關鍵嗎？當然，本人所說的不像也不是亂筆塗鴉，一塌糊塗。
生宣紙上作畫無法修改，西方畫大多在布上板子上作畫，一筆錯了可以修改也可以數次塗抹修改，追求像是比較容易達到的事情。當然西方畫也有追求不像的，他們追求的是用顏色和空間的魅力讓你去展開想象，也算是一種意境。綜上所述，不論中國畫還得西方畫畫的不像的一些成名作品大都是追求的意境。這種意境對作畫有極高的要求，不是哪個人有思想就能用筆表達的。
關於寫實和寫意，本人更注重寫意，寫實無非就是苦練基本功和技法，追求像，一按快門很容易得到。畫件衣服，畫顆白菜，真像，也就是展現了你高超的畫工，但意義大嗎，美在哪裡？寫意就不同，有些意境不是相機能拍攝的，思想上的東西機器是永遠追蹤不上的。
畫的不像，但意境功力都到了也不失為一幅好作品，畫的像，但沒有韻味也不見得成為藝術品，藝術品本身就是帶有思想的東西。每個人的追求不同，對寫意和寫實的感受就不同，當你的知識面越來越廣的時候，你就體會到那種畫不像的感覺真是韻味無窮。
本人拙見，不對之處，請見諒。
東風破春菩石
在人類歷史上很長一段時間，繪畫是用圖像記錄時代的工具，像我國宋代以前的院體畫和宮廷畫，西方文藝復興到19世紀中前期的油畫，都是如此。這些畫有一個共同特徵，那就是以寫實為主，雖然在具體技法上，國畫是平面的，油畫是立體的，但它們都沒有脫離對寫實的追求，把“應物象形”看作繪畫藝術的第一要素。
（明代寫實，黃濟·勵劍圖）
自宋代以後，我國文人畫迅猛發展起來，繪畫理念從描繪客觀現實，逐漸轉變為抒發畫家個人的人生理想，在造型和色彩上都開始弱化，有的畫家直接以水墨畫裡的黑、灰、白的對比，作為探索對象，旨在展現一種有韻致的筆情墨趣，雖然形象失真了，但在趣味和格調上，卻開拓出了另一番風景。這種畫法，逐漸成為國畫的主流。從宋代之後的許多國畫大師，作品都是以寫意為主。
（塞尚作品）
油畫的發展歷程跟國畫基本類似。14世紀開始的文藝復興到19世紀60年代印象派形成之前，這500餘年時間，油畫一直追求寫實，是因為油畫的創作技法完全模仿古希臘古羅馬時期的雕塑，追求立體感，注重形體的結構比例，整體的造型感完全是按照現實生活中的比例結構來刻畫的。
（蒙克·青春期）
因此，這個時期的油畫，觀者第一眼看到會覺得十分震撼，非常有視覺衝擊力。
另一方面，西方人一直有畫像的傳統，尤其一些貴族女性，喜歡邀請畫家來繪製自己不同年齡段的形貌，從少女時代一直到中老年時代，一直畫下去，看作是對自己生命歷程的記錄。
（莫迪裡阿尼·喬治斯夫人像）
照相機是在1839年由法國人美術家達蓋爾發明出來的，從這個層面來講，油畫在照相機沒有被髮明出來之前，一直擔當著留存影像的功能。當照相機發明出來後，引起了一場強烈的視覺藝術革命，普通大眾不再需要繪畫來畫像，而是直接採用相機，能拍攝出比繪畫更為逼真的影像。
（畢加索·黃金繆斯）
自此，西方繪畫的寫實意義基本消失了，在創作上，藝術家從理性思維逐漸轉向感性思維和抽象思維。為了延續繪畫的生命力，畫家們不得不自尋出路，刻意避開了寫實，開始把油畫向寫意性和抽象性開始推進。
（達利作品）
所以，我們能看到，從塞尚、梵高、高更為首的“後印象派”畫家開始，油畫的寫實性一步步喪失，畫得越來越不像。他們之後的馬蒂斯，波納爾，蒙克，埃貢席勒，一直到畢加索，達利，油畫經歷了許多變革，到達利手裡，完全變成了概念化的抽象藝術，是對內在生命激情和哲學命題的另類解讀，沒有相關美學知識，則是很難看懂的。
鴻鵠迎罡
你好親，很開心回答你的問題
在西方美術史上，印象派之前的古典主義，新古典主義，浪漫主義，現實主義畫派，那時候還沒有相機出現，所以繪畫有記錄歷史，記錄人物，記錄社會現狀，文學故事的相機功能
所以印象派之前的繪畫流派，由於有記錄場景，故事，人物，事件的相機功能，必須客觀寫實地再現，通俗地說必須畫像一個人物，一個場景，一個故事
印象派時期，相機出現，藝術家們開始探索相機不能表達的藝術效果
莫奈的豐富色彩，梵高的主觀色彩和筆觸，修拉的點彩，都是相機不能表現的藝術效果
二十世紀的現代藝術，思想開放了，社會發展迅速，科技發達了
許多畫家的抽象畫，根本畫得不像，觀眾也看不懂畫的什麼
比如畢加索的立體主義繪畫，馬蒂斯晚年的剪紙藝術，康定斯基的抽象畫，波洛克的滴灑表演繪畫，米羅，達利的超現實主義繪畫
當今的藝術，許多畫家的畫大家根本看不懂的，許多畫家的作品，根本不是畫像一個人物，一個場景
比如趙無極的東方抽象畫，靳春岱的飛天意象油畫，歐洋，劉文進，任傳文的意象油畫，你能看出畫家畫得是什麼，但是你卻不明白，畫家為什麼不畫像一處風景，一個人物
畫家劉文進的意象油畫，你能看出他畫的是一個美女，但是他是用油畫刀的大膽運刀，大膽簡筆，一揮而就，一氣呵成的筆法運筆出了一個美女的神韻和氣質
畫家為什麼不以逼真，寫實，客觀的手法畫像一個人物？為什麼不如同中國寫實畫家，李貴君，謝楚餘，楊飛雲，艾軒，郭潤文那般寫實？
甚至如同冷軍那般極端的寫實？
因為意象油畫，表達中國東方藝術的精神，本土民族化的藝術風格
把中國畫之作畫妙在似與不似之間的精髓融入到油畫中，給觀眾遐想，聯想的餘地
意象油畫，表達一種中國藝術文化的精神，神韻，而不是客觀再現一個人物，一處風景
現在社會科技發達，許多照片，經過ps處理，都可以搖身一變成油畫效果，漫畫效果，水彩效果的照片，寫實油畫漸漸地不佔優勢，所以許多畫家都開始探索自己的藝術特色，藝術語言，探索照片不能達到的藝術效果
所以湧現了許多許多畫得不像的抽象畫，意象油畫
回答完畢
我是藝術狂人，從事少兒美術教育，如有美術，美術教育的疑問，歡迎私信
粉絲們，頭條朋友們，你們有什麼高見呢？
藝術狂人2
很多有名的畫家，不是畫不像，這跟他們的風格有關係。有抽象派還有寫實派。
你像齊白石，畫蝦最有名，他畫的蝦像嗎？肯定是覺得不像真的蝦，但為什麼所有人一看都知道那是蝦呢，這就是神似啊。
還有冷軍，畫🉐像不像？連一個人身上的毛衣拿放大鏡放大了看，都能清晰地看出毛毛，比相機拍的像素還清晰，這就是純寫實派了。
還有畢加索和達利，一般人還真看不懂他們畫的是什麼，但人家可以從他畫裡讀到畫家想表達什麼，也許是是一種思想，也許是一種情感，也許是對審美的一種顛覆。
所以說，存在即合理，有什麼樣的藝術家，就有什麼樣懂他的觀眾。
Susan大嬸
畫的像與不像這個問題議論了很多年了，這個問題首先要看是什麼繪畫，漫畫、國畫、水彩、油畫、抽象畫等？如果從寫實繪畫講畫不像就只能說基礎不過關、結構不準確、水品有限！如果從國畫寫意或抽象畫講，這些繪畫講究的是意境、感覺的表現，以前的國畫人物大多數為意和感覺，所以大多數沒有準確的形，隨著時代的發展進步，國畫人物形體也走上正確、精準。在繪畫藝術中形體的準確是十分重要的，這是目前繪畫中都普遍認同的，沒有紮實的結構表現力、畫不準形體、胡柺上幾筆就成為作品、就成為大師的時代以經過去！柺上幾筆就被吹捧為名家的時代也已經成為過去！😁中國水墨表現力很強悍，能寫意、能工筆、能寫實，變化莫測。世界繪畫藝術中寫實是極其重要的，它體現了繪畫者的功底、能力、態度等等！中國墨素描（中國水墨素描）為中國國畫的寫實與發展奠定了紮實的基礎，中國墨素描（中國水墨素描）克服以往素描和西方草稿與色彩實際應用中脫節現象和很多弊端，是油畫、水彩、色粉等繪畫新時代最為科學的基礎，中國墨素描（中國水墨素描）是中國國畫中極其重要的一大流派，中國墨素描在形體、材質、重量感、光澤度等方面表現力很強悍，將中國🇨🇳水墨和中國毛筆發揮到極致，展示出中國繪畫藝術巨大魅力和深厚的文化底蘊，為中國繪畫走向世界奠定了紮實的一步，是中國繪畫藝術對世界繪畫藝術的又一貢獻。😁
墨素描創始人
藝術為什麼要像？為什麼又可以不像？先得弄得藝術表現方法的概念。齊白石老先生有一句經典名言：太似為媚俗，不似為欺世，藝術貴在似與不似之間。看白石老人的話多有哲理，道出了“像”與“不像”的藝術真諦。
畫家畫畫像與不像，或者說有名的藝術家創作的作品像與不像，得根據藝術創作的目的來取法，畫什麼，表達什麼，傳遞什麼，藝術家自己先弄明白。
繪畫裡的中國畫講境界，講氣韻生動，有氣才有韻，一筆一劃間，無不透露出藝術家的風格特徵。寫意和寫實都是為藝術作品服務的手段，只要滿滿傳達出藝術家的思想和情感，像與不像，怎麼畫不重要。
