赞美《爱乐之城》是一件很容易的事。
它耀眼的歌舞场景，行云流水般的镜头转换，无处不在的细节表现，和两位主演无可挑剔的表演。
将一切美好字眼化成银幕上喷涌而出的色彩，赋予观众极致的视听享受和情感共振。
如同近年来罕见的艺术珍品那样璀璨。
这是一部惊艳了很多人的电影，从一开始络绎不绝的好评，到后来的有褒有坏...
但不否认的是，它是一部好的歌舞电影。
很多人都喜欢看歌舞片，因为观人观景又唱又跳，感觉欢乐又解乏。
印度电影几乎每部都会加插歌舞成分，而且成为传统，没有歌舞的算不上是主流。
荷里活的百老汇式歌舞片，有合家欢仙乐飘飘，也有油脂飞西城故事，都是风靡一时的话。
不过美式歌舞片摩登、浪漫与玩乐的风格，依然无可取代。
而在看《爱乐之城》时，你会发现他们都巧妙合二为一了。
《爱乐之城》是我极力推荐的一部电影
《爱乐之城》获得好评，尤其是沙泽勒的剧本和导演功力、高斯林和斯通的演技、赫维玆的配乐及影片中数不过来的舞蹈数量。
它赢得第74届金球奖所有七项提名而打破典礼记录。
并在第70届英国电影学院奖获得十一项提名而赢得五项。
电影在第89届奥斯卡金像奖获得十五项提名，包括最佳影片，打平了《彗星美人》和《泰坦尼克号》的纪录。
其最终赢得六项：最佳导演、最佳女主角、最佳摄影、最佳原创音乐、最佳原创歌曲和最佳艺术指导奖。
《爱乐之城》在美国及加拿大地区共累积了1亿5千万美元的票房，加上来自其他地区的2亿9千万美元，全球票房共计4亿4千6百万美元。
而其制片预算只有3千万美元。
这让其成为美国票房史上前十名最高盈利的小成本电影。
凭借《爱乐之城》，达米恩·查泽雷再度证明了自己是时下最有才华的电影导演之一。
电影片名取材于美国俚语“La La Land”，意为“一种沉溺在梦境般的、脱离现实的精神状态”。
港译片名《星声梦里人》直抵“梦幻之地”的本真，我认为比《爱乐之城》翻译得更好。
《爱乐之城》剧情考究，把一个“相识、相恋、相忘于江湖”的爱情故事诠释得如同水晶般透明。
打开回忆之窗，往事慢慢流淌，眷恋、惋惜的是情感奔涌时刻的恣意妄为，还是一瞬间浓情蜜意消散的怅然若失。
就像每一段恋情都有始有终，有的开花结果、落叶归根。
而有的爱情则是理想主义者的“独奏”，抑或失恋者的啜泣、悲伤。
这是一部有梦的电影，有梦即能共鸣，这就是《爱乐之城》为什么能够感动整个好莱坞的原因。
好莱坞并不永远是纸醉金迷的世界。
他对于成功人士来说是一个纸醉金迷的名利场，对于普通年轻人来说是一个遥不可及的梦摇。
但是它对于底层的工作者来说，是一个未知的黑洞，你不知道走进黑洞之后，会遇到的是灾难还是希望。
所以，与其说《爱乐之城》是一部让整个好莱坞沸腾的影片，倒不如说是好莱坞每个底层工作者的辛酸堆积起了这部电影的沸点。
这是属于好莱坞自己的故事，这是属于底层人士追寻自己梦想的故事。
两个处于好莱坞名利场最底层的男女，怀揣着各自的明星梦，他们相遇、相爱、互相支持、互相理解。
他们怀揣着远大的理想，做着最底层的工作，来维持生存。
他们披荆斩棘、克服困难、永不气馁却看不到前途与结局。
歌舞，只是电影的外衣这部电影，而内核便是这部电影要表达的情感。
这是一部流露真情的电影，他让所有的年轻人能够在当中找到共鸣。
不管你是正在奋斗中、还是功成名就后，都能够在电影中找到自己或者以前的影子。
电影刚放映时的长镜头是第一个让我兴奋的点。
一气呵成的流畅感让人痛快淋漓，演员的服饰靓丽又色彩分明。
唯一一点就是大量的歌舞可能会让一些人失去看的欲望，可这就是一部歌舞片啊，它不是一部纯商业的爆米花片，确实比较小众。
但更多的，还是激起了观众的热情。就像当年的《三傻》一样。
即使《爱乐之城》不是年代戏，但导演的拍摄手法以及色彩运用颇极具年代感。
画面饱和度很高，服装搭配复古明艳，让人离不开镜头五光十色的画面。
全片贯穿歌舞情节，男女主角都不是专业歌唱、舞蹈出身，表演技巧也的确有所欠缺。
但是剧本情感补救作用很大，而且电影的众多配乐也是好听到爆炸。
值得肯定的是，影片特别重视场景气氛与色彩给人的主观视觉感受。
最典型的就是影片对于歌舞场景走心的运用，避免了一言不合就唱歌跳舞的尴尬。
很显然，我们都是被阿三电影给吓怕了。
导演达米恩·查泽雷清楚的知道，什么样的歌舞调度能够打动人的情感。
影片整体色彩斑斓，主色调正如同电影海报那样湛蓝清澈，充满了理想与梦幻的感觉。
全片看下来我们可以感受到导演对于场景灯光变化的运用能力很nice。
在酒吧中，周围的灯光逐渐灭去，只留下镜头中的女主角孤独的站在黑暗中，
女主角内心深处的孤独感无限放大，带着一丝情绪的渲染，清楚的直达内心。
影片的高潮处，石头姐和瑞恩高斯林在蓝色的夜空中逐渐升起，翩翩起舞，也是两人内心世界的甜蜜写照。
生活的孤独与爱情的甜蜜，都是主观世界中自己的感受，如人饮水冷暖自知。
我当然不会将其简单归入那些适合情侣约会、填满可乐汽水和爆米花味道的爱情喜剧。
虽然电影也是选在情人节档期上映。
其实说一部电影的好坏，每个人的经历、喜好、先期判断不同，对一部电影有期望也有失望，其实再正常不过。
我们可以将这场缤纷的视觉盛宴分为不同区间。
作为一部歌舞片来看，《爱乐之城》较之于它所致敬的前辈自然逊色不少。
而作为一部当代语境下诞生的爱情片，它对现代人的心理摹画又是如此精准灵活，如那幽蓝夜空中闪烁的光影，在经典的长河中洒下皎皎星辉。
舞动奥斯卡，结缘洛杉矶。
《爱乐之城》一时间成为了影迷、观众口中津津乐道的现象级电影。
从去年9月在威尼斯亮相时起，到后来横扫奥斯卡颁奖季。
对这部电影由单纯的期待，转为后来各种赞誉解读混合成的印象，再到忍不住反复观看。
一个问题也在头脑里日渐成形：它凭什么打动这么多人？
看来要回答这个问题，还是要回到电影本身。
因之前拍摄《爆裂鼓手》而享誉欧美电影界的导演达米恩·查泽雷执导本片。
”石头姐”艾玛·斯通饰演女主米娅，
瑞恩·高斯林饰演男主塞巴斯蒂安。
这部充满理想主义“乌托邦”色彩的歌舞片以华丽的布景、小资趣味的情节设置。
讲述了一段关于相遇、相爱、分离的洛杉矶的追梦者旅途。
梦如人生戏，这部歌舞片艺术气息浓郁，致敬了包括《西区故事》《红磨坊》《名扬四海》《锦色春城》等在内的数十部好莱坞经典歌舞片。
让那个好莱坞歌舞片的唯美场景尽收眼底。
而很多人之所以喜欢这部片子，也正是因为它实在美好得无可救药，浪漫得一塌糊涂。
事业不如意的年轻女演员和穷困潦倒的音乐家坠入爱河，一起追梦的故事其实已经被前人讲了很多次。
然而31岁的导演仍不厌其烦地再次向观众讲述这样一个故事。
这样的固执让我感动。是更为愤怒的，孤注一掷的，饱浸汗水泪水甚至无奈的。
而在《爱乐之城》的相比之下，则是透明的，瑰丽的，干净的，如梦似幻的。
阅遍整个故事，你会惊诧于它在结构和手法上的娴熟。
从朦胧的街道布景，复古设计的字体，复杂的舞曲，到男女主角的邂逅与分离。
一切都是晾在回忆深处的底片，倒映着昔日的影子。
哪怕说不出具体的线索和名称，观众也能时刻感受到导演对那个黄金时代由衷的怀念和致敬。
以四季为过渡节点，徐徐展开一段唏嘘和浪漫交织的感情。
话不多说，开聊。
《爱乐之城》的女主角米娅是一个梦想成为好莱坞女演员的女孩，每天不停地面试，却因为各种各样无奈又令人发笑的原因被打断。
在她的房间里，贴着一张巨幅的海报，上面是英格丽·褒曼。
米娅十分沉迷老电影明星。
她在华纳兄弟的片场当咖啡师，经常翘班去试镜，如果真的接到戏，哪怕再小的角色也会让她欣喜若狂。
而接下来发生的男女主爱情故事，也忍不住让人想起褒曼主演的电影《卡萨布拉卡》
男主塞巴斯蒂安是一名系丝绸领带的爵士钢琴师，对艺术有着近乎洁癖的追求。
他的梦想是将即将消亡的爵士乐发扬光大。
但他所痴迷的音乐更适合放在博物馆展览，最后沦落到在餐厅因为即兴弹奏而被老板解雇。
他想开间俱乐部，但他所痴迷的音乐更适合博物馆，几乎没有人会愿意花钱去听。
为了生存，他违心加入了一支流行爵士乐队，在尖叫的观众面前摆弄电子音乐合成器。
同样追求梦想的两人在这座城市里遇见彼此。
两人的相遇没有避开俗套，但这就是偶然中的必然，因为他们都是处在人生的低谷期。
一个怀才不遇，一个屡遭拒绝，一个是阆苑仙葩， 一个是美玉无瑕。若说没奇缘，今生偏又遇着他。
他们在唱唱跳跳中坠入了爱河，相互慰藉扶持，一起追求毕生梦想。
但在逐渐达成梦想的同时，艺术与事业、梦想与现实之间的朦胧博弈，令两人的情感也面临抉择和考验。
在经历了一系列挫折、分歧后，他们彼此鼓励对方不要放弃梦想。
五年后，米娅成为一名备受瞩目的优秀女演员，并和另一个男人结婚成家立业，育有一个女儿。
一晚，她陪丈夫来到一家爵士乐俱乐部时，突然发现俱乐部名字为“塞巴斯俱乐部”
于是她意识到这是同样实现梦想的塞巴斯蒂安所开的俱乐部。
当乐队开始为台下观众席演奏时，塞巴斯蒂安注意到米娅在观众席里后，开始以钢琴独奏方式谱出他和米娅的主题曲。
优美的音乐节奏让米娅和塞巴斯蒂安双双进入一个“假如他们有着一段完美的恋情”的幻想世界。
塞巴斯蒂安结束奢华演奏让观众席掌声一片，米娅起身离开之前，在门口和塞巴斯蒂安相视一笑。
从这里开始，导演运用春夏秋冬四个季节来讲述两人的爱情故事。
这其实是欧美电影制造唯美场景比较场景的手法。
但导演也做出了他的特色。
首先春天这场戏是两人的第三次见面。
明明互相来电了，却傲娇地说不可能有火花，明明就想约会，却借口说是艺术交流。
这正是恋爱初期的时候，很想靠近，又怕触摸到的是泡沫，所以假装自己没有动情，来掩饰那颗早想取暖的心。
米娅穿着祖母绿的连衣裙，从另一个男人的饭局上离开的时候，满眼的笑意，藏都藏不住。
夏天代表着热恋。
这个时候也正式代入两人的梦想话题及大量歌舞片段。
刚刚坠入爱河的两个人嘴角都是带着微笑。
男主帮助女主重新树立信心，鼓励她为了理想去尝试去努力做自己。
而女主也和男主一起畅想和规划未来俱乐部的一切，两人也在彼此的潜移默化中渐渐变的自信。
而两人的感情，也越来越深。
秋天是忧伤的季节。
塞巴斯为了生存找了一份自己不喜欢的职业。
电音舞曲让全场热血沸腾，米娅却笑不起来。
她一个人呆在那里，不知是看着爱人的成功而对自己的未来迷茫还是因为看见塞巴斯放弃梦想而寸断肝肠。
俩人在吃饭时开始争吵，最后不欢而散各自离开
冬天是悲伤但又充满希望的季节。
米娅试镜过了。五年后，米娅火了，真的成为了腕儿，再也不用在华纳兄弟片场当服务员了。
有了另一半，有了孩子，但这一切跟塞巴斯无关。
音乐响起，塞巴斯又弹奏起《late for the date》，这是贯穿全剧的一个曲子，也是塞巴斯在解雇时米娅听到的那个曲子。
镜头一转，塞巴斯在餐厅吻住了米娅。
“假如一切重来，我会在第一次见面吻你，推掉工作来看你的第一次表演，我会辞掉工作，跟随你到巴黎。
巴黎也有好的爵士乐，我们会有美好家庭，在孩子丢给妈妈的夜晚，开车带你进去吃饭，然后一起走进酒吧，听别人弹奏我做的曲子。”
虽然是悲剧，虽然没有我们想象的那么如意。
塞巴斯和米娅，在孤独的时候相遇，在无助的时候相知。因乐相爱，却也因乐无法在一起。
脑海中突然想起一句话：
”若我会见到你，事隔经年。 我该如何致意，以眼泪，或沉默？“
电影最后的15分钟出彩，是《爱乐之城》得到高度赞誉的主要原因。
这段堪称让所有爱过的人都为之动容。
多年后，女主角和丈夫无意间走进一家以她当年想法命名的音乐酒吧，见回坚持到最后的男主角，他弹起了当年定情之歌。
然后导演用一段蒙太奇拍摄手法让两人重新选择。
再回到现实，两人只是远远看了对方一眼，就此别过。
电影流淌着珍惜开始消失的东西，那苦乐半参的快乐。
例如想像在阴晴不定型歌舞的不真实未来，或者在旧电影中永远存在的那些漆黑且星光熠熠的舞池，又或者好莱坞歌舞剧本身，或者爵士乐的节奏...
塞巴斯蒂安呆在俱乐部，在那里他热情地坚持自己喜欢的音乐。
他说：”它逐渐死去。它已经过了辉煌时间的意思。然而，起码在我手表里看不到这些。‘’
在那一幕，他是跟导演说；而在《爱乐之城》的结尾，他则是跟所有人说。
《爱乐之城》里描绘米娅和赛巴斯汀感情的段落很多。
其中最成功的，是用歌舞剧这种形式，把不可言传的暧昧、浪漫动人的恋爱以及痛彻心扉的争吵都视觉化地表现出来了。
它非常细腻又梦幻地描写了爱情，那些淘气、可爱、心动、默契的感觉都传达的很好。
在时代快进的主旋律中，这样的坚持注定是另类而孤独的。
出于内心无法抹去的情结，人们怀念老电影，怀念爵士乐，怀念黑胶唱片。
似乎所有曾风靡一时的事物最终都会走向没落。
而对传统艺术形式的放弃和淘汰，往往意味着对于规则林立、利益至上的社会的妥协。
因此像塞巴斯这样的人甘愿接受落魄潦倒，秉持心中美好的幻想，以确保自己的热情不会转身淹没于人群。
印象特别深的一句话，是塞巴斯安慰剧场首演后失落的米娅，并劝她留下：“这是我们的家。”
米娅哭着说：“它不再是了。”
电影最精彩的部分无疑是最后一段蒙太奇。
在魔幻和现实的交融渗透间，曾经相爱的二人不断溯回至时空隧道的深处。
电影呈现出的不仅是关于现实的另种想象，也是对人生所有际遇和可能性的总结。
如这一场无法预测的梦，剧本早就提前写好：影院倒闭，古典乐走向凋零……
但只要曾经存在过，那些记忆中美好的光芒就不该被忘却，之于梦想者的全力付出，同是如此。
最后米娅从塞巴斯酒吧走出，在霓虹投下的光影间和塞巴斯目光相遇，对视一笑。
此时某种不可名状的伤感在这无言的时刻漫开。
可我分明看到一条梦想闪耀的轨迹，那是赠给所有追梦人的礼物。
就像开场高速路上惊艳的长镜头，哪怕前方水泄不通，也要释放个性，在阳光下纵情起舞。
就像张爱玲说的一句话，
”我以为，爱情可以填满人生的遗憾，然而，制造更多遗憾的，偏偏是爱情。“
看完《爱乐之城》就像做了一个瑰丽的梦，醒来方知“春梦了无痕”。
虽然影片之路饱受争议，但我却觉得这是追梦者写给洛杉矶的“情书”。
歌舞和数字技术完美混合，从《芝加哥》一路致敬到吉恩·凯利，色彩鲜艳丰富饱满，情节生动感人。
当所有这些元素结合在一起，《爱乐之城》就是一封写给洛城的追梦之旅，也塑造了观众内心最佳
献给闪耀过的追梦者和为爱拼搏过的人
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