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艺术周期间推出 “收藏课堂”及“收藏7日谈”等精彩的艺术收藏话题和活动，为收藏人士带来丰富的知识与购买指引。
本期邀请收藏家、“青年艺术100”投资人、光社影像中心创始人王珺聊聊他对摄影收藏的看法。
Q：“光社”做过的重要艺术家展览荒木经惟、Marina Abramovic，他们都属于这个时代，极端、极致一类艺术家，你拥有他们非常珍贵作品收藏。你收藏他们作品的理由是什么？
王珺：先不谈欣赏和艺术价值，从收藏角度，收藏的快感就是占有稀缺性。从物理上讲，极端和极致就是凤毛麟角，没有人收藏鸡毛和牛角。
荒木经惟和Marina Abramovic这两位艺术家的创作就是凤毛麟角，从我收藏荒木经惟的作品看，我用四个字来概括：“情色花缚”，“缚”不光是作品中对女人的绑缚，也许他是为性、为女人、为情感、为摄影所“缚”。
Nobuyoshi Araki,"Winter Journey", 1989-1990/2016,Gelatin silver print,Image size: 37.7 x 57.6 cm,Pap
荒木经惟作品
荒木经惟作品
荒木经惟作品
他关注的就是自己小小的生活圈，所表达的一切都是从个人情趣出发，直接、从容，不是犹抱琵琶半遮面，是毫不掩饰把个人情趣表达在自己的作品当中。
他作品镜头的角度几乎不是为了观者去看，一切角度都是为自己的愉悦和快感创作的，他是特不掩饰的一个人，谁都知道他滥情，但是这也很有意思，80岁还有Metoo事件要告他。
阳子的离去他很悲伤，在光社的展览中，《伤感之旅》这些作品中，在东京他们家的小园子、下着雪时窗外的景、镜头中的猫、还有在医院病房上拉着阳子的手……凄凉、孤独感、绝望感都已经有了，他作品中直接表达的真情特能感动人。
荒木确实是奇葩，他极致、极端，他的作品一直延续在创作当中就是个人的情趣，滥情和专情混合在他的身上，一般人会说这男人有点“渣”，但在他身上就叫丰富和传奇，这些在他身上并不矛盾，他光明磊落、不管不顾，反而体现他的魅力。
不光是他直接毫不掩饰的表达他个人情趣，还有他的镜头感以及他一生的传奇，都觉得这是位有意思的人，这是他所打动我的。
我做过Abramovic在中国的首展，研究过她不同的作品，她最受关注的70年代所做的裸体公共行为艺术，被标榜为那个年代女性解放、女性运动的旗手之一，但事实上，她并不仅局限于此。
我把她作品形式归结为三点：1.身体的极限和精神承受力的挑战（相互之间能量的互换）
时间中的关系, 1976年, 光社展览现场
潜能, 1980年 他们把生命交给了对方，感受生命的心跳。这段表演持续4分多钟，也是他们最接近死亡的作品
2.与观众的互动（观众与观众之间、观众与作者之间的能量互换）
节奏0, 1974 在六个小时创作过程中，她被人千刀万剐，直到有一个人用上了膛的手枪顶住她的头部，最终阻止了
艺术家在现场, 2010年 700多个小时，1500多个人，她直面所有参观者，让每个人都成为表演的一部分
3. 灵魂的探索（通过祭祀产生能量，与神灵对话）
汤姆斯之唇,局部, 1975-1993, 装置, 体现黑弥撒的祭祀通灵仪式
阿布拉莫维奇作品，体现了玛雅的祭祀文化、通灵仪式
其实她所有作品背后都是在探讨灵魂及灵魂之外的一种能量。
她跟Ulay一起以后他们俩的创作越来越成熟，也更富有实验性的探讨。比如他俩的作品《节奏0》，还包括长城上创作的作品，这些所有最早的构架都是乌雷一起探讨的，乌雷更理论，他把西方的美学行为和后现代主义进行更好的融合。
Ulay原本是从西德资本主义过来的，阿布是从社会主义国家来的，但是两个人不同的生活轨迹和经历也发生着能量的互换。
他其实是摄影艺术家，在1985年-1988年之间，他和阿布探讨如何以摄影作为表达的媒介，将阿布对于这种弥撒和通灵的游戏、寻求能量和通灵的行为艺术用影像凝固下来。
2019年玛丽娜·阿布拉莫维奇中国同名个展现场 © 光社影像中心 阿布拉莫维奇,无题,选自"星期二至星期六系列"
Ulay最拿手的就是摄影，他用宝丽来全球最大尺寸的照相机拍摄的这些阿布行为艺术的作品，这从物理上讲就是唯一的。
Q：作为收藏家，对于阿布通灵、宇宙、能量这些吸引你的地方在哪里？
王珺：现在有一种说法：宇宙是由一团意识纠缠撞击所形成的，就像那句话：“一念三千”，从意识上讲，灵魂就是意识，就是那个“念”。
这些对于我们未知的高纬度的生物、未知的神这些几维空间所探讨实际上是灵魂到哪里、灵魂能不能永存的这些相关话题，所以灵魂、意识也是有能量的。
Q：你们本来今年三月要做个展的Nan Goldin，位于艺术圈很高的位置，她在你的收藏和你对艺术家摄影师坐标系和认知里是什么类型的艺术家？她的摄影作品怎么打动吸引到你？
王珺：Nan Goldin是第一个以私摄影进入美术馆体系的（纽约惠特尼美术馆），奠定她的私摄影的鼻祖地位，获得学术和艺术界的认可。
Nan One Month After Being Battered Nan Goldin,1984,65.4x90.1cm © 光社影像中心
Nan and Brian in Bed Nan Goldin, 1983,50x60cm © 光社影像中心
70-80年代她所拍摄的《性依赖的叙事曲》系列是她职业生涯中最具代表性的作品，这些家暴、异装癖、同性恋、吸毒等题材，她把人性中应该有的、非主流这些的作为社会现象，这对后来产生巨大影响。
现在我们回头看女权、性解放、平等……这些话题谈的都是一样的，但在我当时中国生活的70-80的年代是不可能想象的，她这一系列作品对当时这种社会文化类型的表达获得了成功，这种差异化会让你关注并收藏，90年代MOMA收藏了她的这整套系列。
Nan Goldin, 性依赖的叙事曲© 光社影像中心
她的这批作品对后来社会的思想和进步有很大的影响，从她的摄影作品的角度看，首先她所拍摄作品中的人物画面很自然，如同你身临其境，叫你迈入这种真实，她的真实性和状态少了很多标准，她的构图、角度、人物的眼神与动作，让你感觉这不是一件摄影作品，而是身边发生的一件事。
Nan Goldin, 性依赖的叙事曲, © 光社影像中心
她的作品没有传统照片镜头的介入感，Nan Goldin好像根本没有镜头，她作品颜色、光运用的都非常好，她突破原有照片摄影师所定的标准和美感，又具有电影般最强叙事性的效果。
Q：这次光社展览的是她的80-90年代的原作，你认为这一时期作品的收藏价值在哪里？
王珺：首先是历史价值，也许她拍下这些70年代自己糜烂生活的作品最初是无目的的，但她拍完后再去整理、发表，画廊、美术馆和评论人对她的作品从视觉、收藏角度以及社会性上都给予了高度的肯定。
Nan Goldin, 性依赖的叙事曲, © 光社影像中心
另一个特别的是她作品的洗印方式：Cibachrome Print的冲印方法，这种冲印方法特点是颜色好、保存长久，并且在2012年后就停产了，我们展览的都是她1980-1995年洗印的作品，从技术物理价值上，这点就值得收藏。
也许有人说像她这么拍很容易，但你能像她一样生活吗？我收藏的是她的生活，是她曾经生活的纪录，而不是单纯的一张照片，是那个时期特定人群、特定社会的生活方式和状态的记录。
Q：如果收藏一件艺术家的摄影作品，有哪几个尺度、坐标系是在你的观念当中要去考量的？最看重的是什么？
王珺：收藏是私人的个人喜好，比如瓷杂里有人喜欢五彩、斗彩还是青花都会有偏好，对颜色也会有偏好，你喜欢的首先是看到有一个刺点，这个刺点是不是能给你带来强烈的快感，至少是视觉上的快感，这是最重要的。
高级、好的作品一定是丰满的、优雅的，这是必须的。
优雅是和谐，丰满不仅是视觉上的丰满，更重要的是视觉背后的：能够更多的去思考：视觉、表达、观念、情感上的丰满，这就如写作永远得有从句，没有写从句的文章，就不能算高级和丰满。
至少从我看来，眼睛里看到的这第一点是很重要的。
还要研究艺术家，要关注有没有专业领域对他的认可，这个艺术家是干什么的？是否根正苗红，在哪儿做过展？哪个画廊捧他？获过多少奖？重要美术馆、机构和个人收藏家是否有收藏？这些都是要研究的，藏家也是参观者，至少应该不断的学习。
摄影的第一步是用相机捕捉影像，第二步是固定影像、显影成像的过程，摄影是科技的发展，通过物理变成化学，变成0和1数字的发展过程。
摄影和绘画相比，特有的区别首先要看影像的版数，如新老照片、冲印方法等等所决定的版数的多少，也是需要考虑的。
其次，摄影的148种显影方式里要确认哪一种是稀缺的、比如有人玩汞的显影方式，玩这种显影方式的人没有活超过50年，这种冲印方式的就稀缺。
用什么方法来洗印的是需要考虑的物理价值：从物理价值上看，影印方法越稀少越值得收藏。比如现在常用的数码微喷是机械制作，相较而言，银盐因为手工就稀有一些，所有的成本都不一样，要懂这些很重要的。观念和视觉的表达都丰满、还用稀缺的冲印方法来表现，这种作品肯定应该收藏。
最后还要考虑的是装裱和收藏方式，影像的物理性是用化学来制作的，它对温度、湿度、紫外线、酸性都有严格要求，所以它的装裱和收藏方式非常重要。
Q：你觉得摄影和数码摄影，普通人随手可得可拍一张照片来比，能够收藏或者是能得称得上艺术的这种照片，它们两个之间有没有本质的区别？
王珺：人人都是摄影家这种说法，就好比说人人都会写字，但每个人都可以是书法家吗？
艺术家以影像为媒介，来表达自己的情感、观念并形成自己的视觉语言，这种语言是经得起推敲和分析的。
一张好照片和一张作为艺术品的摄影作品是有区别的，一张摄影艺术作品跟架上绘画一样都得有一定的体系，它得吸引画廊、机构、美术馆、拍卖、收藏家和评论家的认可，这就是一种标准。
Q：这两年，每年春秋你都与玛格南图片社合作开办摄影课。人人都会举起手机拍摄的时代，这门课对哪些人最有价值？
王珺：艺术收藏也许是小众的，但教育应该是大众的。这个大师班是针对有摄影基础的人群，但不是讨论摄影技术的问题，而是学着如何以摄影为一种表达方式来创作。
玛格南大师班｜克里斯蒂娜·德·梅德, 2019年12月18日－2019年12月22日 © 光社影像中心
它会训练你的一种能力：你想表达什么？表达的够不够？你的东西是否丰满？这对你的读图和欣赏能力有很大帮助，你会看到大师怎么表达自己，你又怎么想表达自己，当你看到更多大师拍出天价作品的时候，就能解读他的价值。
Q：聊一聊你心目中摄影的艺术家名单，哪些是你喜欢的？
王珺：我心目中的艺术家很多，除了我上面提到过的Nan Goldin、荒木经惟、Abramovic，还有一些女性艺术家比如Cindy Sherman、Francesca Woodman，Viviane Sassen等等。
Cindy Sherman作品
比如女性艺术家Cindy Sherman，她前期的作品探讨女性身份的多样化，后期她通过“玩偶”创作，有一种很诡异的邪恶感，让我们联想到童魔。她对人、对性的影射，往往是一种自我的再现，就比如玩偶是一个人的玩具，人是不是上帝和神的玩具？
Cindy Sherman小丑系列作品，其实是一种身份的认同，社会逼迫我们不得不互换扮演着某些角色
Cindy Sherman玩偶系列作品是一种自我的再现
还有FrancescaWoodman，那是一个小天才，从十几岁成名，艺术生涯最很短暂，20几岁自杀离世，她用灵魂来拍摄，她所拍摄的也是自己的灵魂。
FrancescaWoodma 作品
那个年代里，Robert Mapplethorpe也是同性恋，用最唯美的东西表达男性人体以及同性恋人的美，这种美让你看到世界还有另一种人，用一种唯美的方式讲述你不知道的的美，内容丰满、有探讨、思考和社会性，画面又有冲击力，刺痛你的快感。
Robert Mapplethorpe作品
Robert Mapplethorpe, Phillip Prioleau，1982
Robert Mapplethorpe,自拍像， 1975
Jeff Wall是玩大制作的，他的团队把故事性的大场面、大场景定格在一张照片里，把这些电影叙事感凝结在一瞬间，是历史记忆与事件的再现。
Jeff Wall, A Sudden Gust of Wind, 1993
Jeff Wall, Milk, 1984
Jeff Wall, Dead Troops Talk, 1992
Thomas Ruff是典型德国范的摄影，风格冷漠、通过蓝晒、激光、银盐、网络、数码等对摄影术的尝试以及影像观念的研究都非常深入和客观，他的《肖像》系列里，当你盯着与一张没有情绪的面孔对视的时候，会使你有种不知所措的感觉，这系列有几张作品是我最喜欢的，但是总买不着，
不能为了收藏这个艺术家的作品就随便买一张那就没有意义。
Thomas Ruff 《肖像》系列
Alex Prager是玩悬疑当代，至少视觉上他再造悬疑很有意思，有点超现实主义，虚拟和现实当中让你瞬间模糊的恍惚感，让你有晕眩感也很好。
Alex Prager 摄影作品
我最喜欢的一位是纪实摄影家Boris Mikhailov，他拍的全是那些苏联解体后的乌克兰低端人口彷徨无助的挣扎，看完之后的刺点是让你感动的快感。
Boris Mikhailov作品
我们今年要做Woodman和Viviane Sassen的展览，Viviane Sassen作品时尚与纪实并存，她对颜色、光影、线条的几何运用有强烈的偏好，她的作品会让你产生一种错觉：这究竟是梦境还是现实？是摆拍还是抓拍？
Viviane Sassen作品
另一位是杉本博司，他非常严谨的对待他所有的工作，他对科学技术有偏好。
杉本博司, 放电场（Lightning Fields）系列
杉本博司, Boden Sea, Uttwill, 1993
他拍出来的东西，尤其是海的系列有东方的禅意、安静，作为东方人，茶道、书法，安静感，这不是西方人能够有的，所以他不像其他人，这种简单是一种宁静，并不是简单的割裂和粗暴的视觉，他永远有余温、永远留一手的抽象美和对比。
杉本博司, 剧院, Theaters
他的作品既有禅意和西方实验精神；既有永远不跟你说透的含蓄和逻辑精神；同时又有观念和知识结构，他是一个我喜欢的艺术家。
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