由在藝App發起並主辦的“2020春季·Collect+藝術周”攜手大中華區35家重要畫廊、27家美術館、25家拍賣行及60家媒體合作伙伴、品牌與機構，共同打造的中國首個 “雲端藝術周“，旨在創新實現藝術產業在線交易獲客、展示運營、公共體驗的新模式。
藝術週期間推出 “收藏課堂”及“收藏7日談”等精彩的藝術收藏話題和活動，為收藏人士帶來豐富的知識與購買指引。
本期邀請收藏家、“青年藝術100”投資人、光社影像中心創始人王珺聊聊他對攝影收藏的看法。
Q：“光社”做過的重要藝術家展覽荒木經惟、Marina Abramovic，他們都屬於這個時代，極端、極致一類藝術家，你擁有他們非常珍貴作品收藏。你收藏他們作品的理由是什麼？
王珺：先不談欣賞和藝術價值，從收藏角度，收藏的快感就是佔有稀缺性。從物理上講，極端和極致就是鳳毛麟角，沒有人收藏雞毛和牛角。
荒木經惟和Marina Abramovic這兩位藝術家的創作就是鳳毛麟角，從我收藏荒木經惟的作品看，我用四個字來概括：“情色花縛”，“縛”不光是作品中對女人的綁縛，也許他是為性、為女人、為情感、為攝影所“縛”。
Nobuyoshi Araki,"Winter Journey", 1989-1990/2016,Gelatin silver print,Image size: 37.7 x 57.6 cm,Pap
荒木經惟作品
荒木經惟作品
荒木經惟作品
他關注的就是自己小小的生活圈，所表達的一切都是從個人情趣出發，直接、從容，不是猶抱琵琶半遮面，是毫不掩飾把個人情趣表達在自己的作品當中。
他作品鏡頭的角度幾乎不是為了觀者去看，一切角度都是為自己的愉悅和快感創作的，他是特不掩飾的一個人，誰都知道他濫情，但是這也很有意思，80歲還有Metoo事件要告他。
陽子的離去他很悲傷，在光社的展覽中，《傷感之旅》這些作品中，在東京他們家的小園子、下著雪時窗外的景、鏡頭中的貓、還有在醫院病房上拉著陽子的手……淒涼、孤獨感、絕望感都已經有了，他作品中直接表達的真情特能感動人。
荒木確實是奇葩，他極致、極端，他的作品一直延續在創作當中就是個人的情趣，濫情和專情混合在他的身上，一般人會說這男人有點“渣”，但在他身上就叫豐富和傳奇，這些在他身上並不矛盾，他光明磊落、不管不顧，反而體現他的魅力。
不光是他直接毫不掩飾的表達他個人情趣，還有他的鏡頭感以及他一生的傳奇，都覺得這是位有意思的人，這是他所打動我的。
我做過Abramovic在中國的首展，研究過她不同的作品，她最受關注的70年代所做的裸體公共行為藝術，被標榜為那個年代女性解放、女性運動的旗手之一，但事實上，她並不僅侷限於此。
我把她作品形式歸結為三點：1.身體的極限和精神承受力的挑戰（相互之間能量的互換）
時間中的關係, 1976年, 光社展覽現場
潛能, 1980年 他們把生命交給了對方，感受生命的心跳。這段表演持續4分多鐘，也是他們最接近死亡的作品
2.與觀眾的互動（觀眾與觀眾之間、觀眾與作者之間的能量互換）
節奏0, 1974 在六個小時創作過程中，她被人千刀萬剮，直到有一個人用上了膛的手槍頂住她的頭部，最終阻止了
藝術家在現場, 2010年 700多個小時，1500多個人，她直面所有參觀者，讓每個人都成為表演的一部分
3. 靈魂的探索（通過祭祀產生能量，與神靈對話）
湯姆斯之唇,局部, 1975-1993, 裝置, 體現黑彌撒的祭祀通靈儀式
阿布拉莫維奇作品，體現了瑪雅的祭祀文化、通靈儀式
其實她所有作品背後都是在探討靈魂及靈魂之外的一種能量。
她跟Ulay一起以後他們倆的創作越來越成熟，也更富有實驗性的探討。比如他倆的作品《節奏0》，還包括長城上創作的作品，這些所有最早的構架都是烏雷一起探討的，烏雷更理論，他把西方的美學行為和後現代主義進行更好的融合。
Ulay原本是從西德資本主義過來的，阿布是從社會主義國家來的，但是兩個人不同的生活軌跡和經歷也發生著能量的互換。
他其實是攝影藝術家，在1985年-1988年之間，他和阿布探討如何以攝影作為表達的媒介，將阿布對於這種彌撒和通靈的遊戲、尋求能量和通靈的行為藝術用影像凝固下來。
2019年瑪麗娜·阿布拉莫維奇中國同名個展現場 © 光社影像中心 阿布拉莫維奇,無題,選自"星期二至星期六系列"
Ulay最拿手的就是攝影，他用寶麗來全球最大尺寸的照相機拍攝的這些阿布行為藝術的作品，這從物理上講就是唯一的。
Q：作為收藏家，對於阿布通靈、宇宙、能量這些吸引你的地方在哪裡？
王珺：現在有一種說法：宇宙是由一團意識糾纏撞擊所形成的，就像那句話：“一念三千”，從意識上講，靈魂就是意識，就是那個“念”。
這些對於我們未知的高緯度的生物、未知的神這些幾維空間所探討實際上是靈魂到哪裡、靈魂能不能永存的這些相關話題，所以靈魂、意識也是有能量的。
Q：你們本來今年三月要做個展的Nan Goldin，位於藝術圈很高的位置，她在你的收藏和你對藝術家攝影師座標系和認知裡是什麼類型的藝術家？她的攝影作品怎麼打動吸引到你？
王珺：Nan Goldin是第一個以私攝影進入美術館體系的（紐約惠特尼美術館），奠定她的私攝影的鼻祖地位，獲得學術和藝術界的認可。
Nan One Month After Being Battered Nan Goldin,1984,65.4x90.1cm © 光社影像中心
Nan and Brian in Bed Nan Goldin, 1983,50x60cm © 光社影像中心
70-80年代她所拍攝的《性依賴的敘事曲》系列是她職業生涯中最具代表性的作品，這些家暴、異裝癖、同性戀、吸毒等題材，她把人性中應該有的、非主流這些的作為社會現象，這對後來產生巨大影響。
現在我們回頭看女權、性解放、平等……這些話題談的都是一樣的，但在我當時中國生活的70-80的年代是不可能想象的，她這一系列作品對當時這種社會文化類型的表達獲得了成功，這種差異化會讓你關注並收藏，90年代MOMA收藏了她的這整套系列。
Nan Goldin, 性依賴的敘事曲© 光社影像中心
她的這批作品對後來社會的思想和進步有很大的影響，從她的攝影作品的角度看，首先她所拍攝作品中的人物畫面很自然，如同你身臨其境，叫你邁入這種真實，她的真實性和狀態少了很多標準，她的構圖、角度、人物的眼神與動作，讓你感覺這不是一件攝影作品，而是身邊發生的一件事。
Nan Goldin, 性依賴的敘事曲, © 光社影像中心
她的作品沒有傳統照片鏡頭的介入感，Nan Goldin好像根本沒有鏡頭，她作品顏色、光運用的都非常好，她突破原有照片攝影師所定的標準和美感，又具有電影般最強敘事性的效果。
Q：這次光社展覽的是她的80-90年代的原作，你認為這一時期作品的收藏價值在哪裡？
王珺：首先是歷史價值，也許她拍下這些70年代自己糜爛生活的作品最初是無目的的，但她拍完後再去整理、發表，畫廊、美術館和評論人對她的作品從視覺、收藏角度以及社會性上都給予了高度的肯定。
Nan Goldin, 性依賴的敘事曲, © 光社影像中心
另一個特別的是她作品的洗印方式：Cibachrome Print的沖印方法，這種沖印方法特點是顏色好、保存長久，並且在2012年後就停產了，我們展覽的都是她1980-1995年洗印的作品，從技術物理價值上，這點就值得收藏。
也許有人說像她這麼拍很容易，但你能像她一樣生活嗎？我收藏的是她的生活，是她曾經生活的紀錄，而不是單純的一張照片，是那個時期特定人群、特定社會的生活方式和狀態的記錄。
Q：如果收藏一件藝術家的攝影作品，有哪幾個尺度、座標系是在你的觀念當中要去考量的？最看重的是什麼？
王珺：收藏是私人的個人喜好，比如瓷雜裡有人喜歡五彩、鬥彩還是青花都會有偏好，對顏色也會有偏好，你喜歡的首先是看到有一個刺點，這個刺點是不是能給你帶來強烈的快感，至少是視覺上的快感，這是最重要的。
高級、好的作品一定是豐滿的、優雅的，這是必須的。
優雅是和諧，豐滿不僅是視覺上的豐滿，更重要的是視覺背後的：能夠更多的去思考：視覺、表達、觀念、情感上的豐滿，這就如寫作永遠得有從句，沒有寫從句的文章，就不能算高級和豐滿。
至少從我看來，眼睛裡看到的這第一點是很重要的。
還要研究藝術家，要關注有沒有專業領域對他的認可，這個藝術家是幹什麼的？是否根正苗紅，在哪兒做過展？哪個畫廊捧他？獲過多少獎？重要美術館、機構和個人收藏家是否有收藏？這些都是要研究的，藏家也是參觀者，至少應該不斷的學習。
攝影的第一步是用相機捕捉影像，第二步是固定影像、顯影成像的過程，攝影是科技的發展，通過物理變成化學，變成0和1數字的發展過程。
攝影和繪畫相比，特有的區別首先要看影像的版數，如新老照片、沖印方法等等所決定的版數的多少，也是需要考慮的。
其次，攝影的148種顯影方式裡要確認哪一種是稀缺的、比如有人玩汞的顯影方式，玩這種顯影方式的人沒有活超過50年，這種沖印方式的就稀缺。
用什麼方法來洗印的是需要考慮的物理價值：從物理價值上看，影印方法越稀少越值得收藏。比如現在常用的數碼微噴是機械製作，相較而言，銀鹽因為手工就稀有一些，所有的成本都不一樣，要懂這些很重要的。觀念和視覺的表達都豐滿、還用稀缺的沖印方法來表現，這種作品肯定應該收藏。
最後還要考慮的是裝裱和收藏方式，影像的物理性是用化學來製作的，它對溫度、溼度、紫外線、酸性都有嚴格要求，所以它的裝裱和收藏方式非常重要。
Q：你覺得攝影和數碼攝影，普通人隨手可得可拍一張照片來比，能夠收藏或者是能得稱得上藝術的這種照片，它們兩個之間有沒有本質的區別？
王珺：人人都是攝影家這種說法，就好比說人人都會寫字，但每個人都可以是書法家嗎？
藝術家以影像為媒介，來表達自己的情感、觀念並形成自己的視覺語言，這種語言是經得起推敲和分析的。
一張好照片和一張作為藝術品的攝影作品是有區別的，一張攝影藝術作品跟架上繪畫一樣都得有一定的體系，它得吸引畫廊、機構、美術館、拍賣、收藏家和評論家的認可，這就是一種標準。
Q：這兩年，每年春秋你都與瑪格南圖片社合作開辦攝影課。人人都會舉起手機拍攝的時代，這門課對哪些人最有價值？
王珺：藝術收藏也許是小眾的，但教育應該是大眾的。這個大師班是針對有攝影基礎的人群，但不是討論攝影技術的問題，而是學著如何以攝影為一種表達方式來創作。
瑪格南大師班｜克里斯蒂娜·德·梅德, 2019年12月18日－2019年12月22日 © 光社影像中心
它會訓練你的一種能力：你想表達什麼？表達的夠不夠？你的東西是否豐滿？這對你的讀圖和欣賞能力有很大幫助，你會看到大師怎麼表達自己，你又怎麼想表達自己，當你看到更多大師拍出天價作品的時候，就能解讀他的價值。
Q：聊一聊你心目中攝影的藝術家名單，哪些是你喜歡的？
王珺：我心目中的藝術家很多，除了我上面提到過的Nan Goldin、荒木經惟、Abramovic，還有一些女性藝術家比如Cindy Sherman、Francesca Woodman，Viviane Sassen等等。
Cindy Sherman作品
比如女性藝術家Cindy Sherman，她前期的作品探討女性身份的多樣化，後期她通過“玩偶”創作，有一種很詭異的邪惡感，讓我們聯想到童魔。她對人、對性的影射，往往是一種自我的再現，就比如玩偶是一個人的玩具，人是不是上帝和神的玩具？
Cindy Sherman小丑系列作品，其實是一種身份的認同，社會逼迫我們不得不互換扮演著某些角色
Cindy Sherman玩偶系列作品是一種自我的再現
還有FrancescaWoodman，那是一個小天才，從十幾歲成名，藝術生涯最很短暫，20幾歲自殺離世，她用靈魂來拍攝，她所拍攝的也是自己的靈魂。
FrancescaWoodma 作品
那個年代裡，Robert Mapplethorpe也是同性戀，用最唯美的東西表達男性人體以及同性戀人的美，這種美讓你看到世界還有另一種人，用一種唯美的方式講述你不知道的的美，內容豐滿、有探討、思考和社會性，畫面又有衝擊力，刺痛你的快感。
Robert Mapplethorpe作品
Robert Mapplethorpe, Phillip Prioleau，1982
Robert Mapplethorpe,自拍像， 1975
Jeff Wall是玩大製作的，他的團隊把故事性的大場面、大場景定格在一張照片裡，把這些電影敘事感凝結在一瞬間，是歷史記憶與事件的再現。
Jeff Wall, A Sudden Gust of Wind, 1993
Jeff Wall, Milk, 1984
Jeff Wall, Dead Troops Talk, 1992
Thomas Ruff是典型德國範的攝影，風格冷漠、通過藍曬、激光、銀鹽、網絡、數碼等對攝影術的嘗試以及影像觀念的研究都非常深入和客觀，他的《肖像》系列裡，當你盯著與一張沒有情緒的面孔對視的時候，會使你有種不知所措的感覺，這系列有幾張作品是我最喜歡的，但是總買不著，
不能為了收藏這個藝術家的作品就隨便買一張那就沒有意義。
Thomas Ruff 《肖像》系列
Alex Prager是玩懸疑當代，至少視覺上他再造懸疑很有意思，有點超現實主義，虛擬和現實當中讓你瞬間模糊的恍惚感，讓你有暈眩感也很好。
Alex Prager 攝影作品
我最喜歡的一位是紀實攝影家Boris Mikhailov，他拍的全是那些蘇聯解體後的烏克蘭低端人口彷徨無助的掙扎，看完之後的刺點是讓你感動的快感。
Boris Mikhailov作品
我們今年要做Woodman和Viviane Sassen的展覽，Viviane Sassen作品時尚與紀實並存，她對顏色、光影、線條的幾何運用有強烈的偏好，她的作品會讓你產生一種錯覺：這究竟是夢境還是現實？是擺拍還是抓拍？
Viviane Sassen作品
另一位是杉本博司，他非常嚴謹的對待他所有的工作，他對科學技術有偏好。
杉本博司, 放電場（Lightning Fields）系列
杉本博司, Boden Sea, Uttwill, 1993
他拍出來的東西，尤其是海的系列有東方的禪意、安靜，作為東方人，茶道、書法，安靜感，這不是西方人能夠有的，所以他不像其他人，這種簡單是一種寧靜，並不是簡單的割裂和粗暴的視覺，他永遠有餘溫、永遠留一手的抽象美和對比。
杉本博司, 劇院, Theaters
他的作品既有禪意和西方實驗精神；既有永遠不跟你說透的含蓄和邏輯精神；同時又有觀念和知識結構，他是一個我喜歡的藝術家。
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