*寫在前面：
1. 最大的心得是要創作，因為你不知道什麼時候會得到認可，為了生前得到認可要健康，這樣就是有生年系列。
2. 篇幅有限，圖文精煉，有的像素不佳，懇請諒解。
一．美之源：迷人的微笑
1. 古希臘是西方文明源頭。
2.公元前8世紀甚至更早，目前留下的主要是石頭的藝術。
3.古希臘雕塑分為3個時期，古風時期、古典時期、希臘化時期。
古風時期的雕塑是模仿古埃及的雕塑，類似於當代稍息動作。
但是智慧的希臘人讓雕塑擁有了微笑，這是藝術史上的一次飛躍，為藝術注入了靈魂。
二．奧運會舉辦者的小心機
1. 公元前480年，希臘打了場勝仗，溫泉關戰役，擊敗了波斯人的侵略。是電影《斯巴達三百勇士》演的那場戰役。
2. 戰爭結束，雅典成為希臘的霸主。藝術進入古典時期。
3. 戰爭獲勝，但是家園被毀。在伯利克利的帶領下，重建帕特農神廟。建築師：伊克提諾斯，雕刻家：菲狄亞斯。
4. 其實古希臘雕塑是上色的，時間使得顏色剝落，變成白色。
5. 米隆《擲鐵餅者》相比原先靜態，記錄了動態。
6. 之所以會記錄動態，是希臘各城邦戰爭紛亂不止，需要身強體壯的公民，會有評比、競賽。
7. 目前看到的古希臘雕塑主要是古羅馬復刻的。
8. 大英博物館的《擲鐵餅者》的樣子和其他的不同，運動員的臉是朝下的。出土時，其實這個雕塑是沒有腦袋的，但他們“好心”復原。後來被用來1948年的倫敦奧運會，也算是國際玩笑了。
9. 盧浮宮的米洛的維納斯和薩摩色雷斯的勝利女神至今也是殘疾人，因為不敢輕易復原。久而久之會發現殘缺也是一種美。
三．拉奧孔：藝術界扛把子就此誕生？
1. 古希臘的古典藝術是西方古典藝術的最高峰。在進入現代藝術之前就一直砸復刻古希臘。比如說16世紀的文藝復興，17世紀的古典主義。18世紀的新古典主義。
2. 因為古希臘藝術一直追求的是一種“理想美”理念。你會發現現實生活中沒有真人能達到像古希臘雕像那種均勻、完美。
3. 希臘雕塑的臉看起來都一樣，好像同一家整容一樣出現。
4. 希臘化時期解決了雕塑沒有表情的問題。
5. 亞歷山大帝國時期，征戰擴張，使得希臘版圖擴大，藝術互相交融。
6. 希臘化的藝術特點，雕塑的面部開始出現激烈的情緒。雕塑的pose，也開始表現有戲劇性的情節。
7. 《拉奧孔》作品背景：描繪的是《荷馬史詩》中的一個情節，特洛伊城的祭司拉奧孔警告同胞不要收下希臘人留下的木馬，因為木馬裡藏著許多希臘士兵。希臘守護神雅典娜害怕拉奧孔的“劇透”會讓滅亡特洛伊的計劃破滅。於是就派出兩條巨蛇從海里游出，把拉奧孔和他的兩個兒子死死纏住。
8. 顧爺覺得好的藝術作品會引起人哲學思考。
四．古羅馬雕塑
1. 古羅馬是西方藝術史又一個偉大的時期，如果說西方的藝術源頭是古希臘，那麼古羅馬則是一條越流越寬的大河。
2. 古羅馬高仿古希臘，但也追求務實。
3. 有趣的比喻：古希臘追求完美是美顏相機下的你，古羅馬追求務實就是男朋友鏡頭下的你。
4. 古希臘雕像主要用於膜拜，古羅馬雕像是記錄，真實性尤為重要。古羅馬建築的浮雕也會記錄很多真實事件。
5. 圖拉真柱是連環畫的始祖，所有的畫拉平長約200米。
五．古羅馬建築和繪畫
1.古羅馬的建築，提起這個逃不開古羅馬鬥獸場，其實剛開始是為了維護社會穩定，讓暴民把精力耗費在鬥獸場，以防他們到社會中製作混亂。
2.現代建築還在用的混凝土、拱劵、遮陽棚等都是古羅馬流傳下的。
3.古羅馬暴君尼祿·克勞狄烏斯，勞民傷財的建立了黃金屋，使百姓怨聲載道，充斥暴民。
4.軍人提圖斯·維斯帕西亞努斯登上王位，建立鬥獸場。
六．末日審判：上天堂or下地獄
1. 瞭解西方藝術有兩把鑰匙“神話”和“宗教”
2. 在中世紀的西方，戰亂紛爭，民不聊生，處在一個非常黑暗的時期，甚至黑死病的迫害。而在此時的老百姓生活在水深火熱之中，戰亂、災荒、疾病和災荒等等接踵而至，最基本的生活也無法保障，因此信仰成為了他們活下去的動力。
3. 基督教在開始登陸歐洲時並不受待見，隨著之後的興起，上帝成為了大部分人們信奉的唯一信仰。羅馬政府隨後發動了大規模的宗教迫害運動，並且古羅馬時期的刑罰十分殘酷。
4. 在宗教畫中，也常常能夠看到死相十分奇特的聖人，畫中用他們的死法來紀念他們的英勇行為。
七．神性高於人性：擺臭臉的祭壇畫
1. 中世紀基督教教徒被迫害，直到公元312年發現轉機，羅馬帝國皇帝君士坦丁大帝信奉了基督教。他皈依基督教的原因傳說是，他想要得到羅馬的權利說耶穌為其託夢說會保佑他的，結果美夢成真了，仗打贏了，然後他就信基督教。逐漸的基督教從地下走到地上，變成了羅馬的國教。
2. 東羅馬——拜占庭式教堂：通常是由一個圓形穹頂蓋在正方體上，形成希臘十字，據說十字的靈感來源於萬神殿，最著名的便是聖菲索亞大教堂。中世紀的許多聖人像都擺著一張臭臉，由於當時崇尚神性高於人性（凡人才有喜怒哀樂），所有聖人都面無表情，以此來表現人物的莊嚴和神聖。聖徒們不在乎神像美不美，而是去感受神像。
3. 西羅馬——羅馬式風格
羅馬式風格形成於封建時代，羅馬式的建築防禦性強，外牆厚重，城牆外又護城河，牆通常很厚，裡面（樸素）陰森，幾乎沒有亮光。
八．聖馬可大教堂：中世紀的盜墓筆記
1. 基督教修建教堂來保護聖物，也就是殉道者的遺物，掀起了全民朝拜的狂潮。
2. 有信仰的人們（收藏殉道者遺物者）認為這些遺物可以讓人實現某些神蹟。
3. 聖馬可大教堂之所以有名是因為其葬著耶穌大弟子聖彼得遺骸。
4. 聖地亞哥大教堂供奉著的是雅各（最早跟隨耶穌的十二宗徒之一）的遺骸。
5. 不同風格的教堂：
（1）羅馬式教堂
法國到聖地亞哥大教堂朝聖，朝聖的路上建立教堂來讓信眾休息，並裝潢華麗來吸引更多的信眾，而聖外並不一定全是真品。
（2）哥特式教堂
羅馬式教堂的基礎上形成，是中世紀教堂中集大成的風格，追求一種高度，也就是信仰的高度（上帝在天上），而哥特式發明的交叉肋谷和肋拱頂很好的解決了高度這一技術問題，以一種不可抵擋的方式越建越高。（也解決了採光問題）代表：最高的是科隆教堂（156公尺）、最著名的巴黎聖母院（拉丁十字） 三件聖物：耶穌的荊棘冠、聖釘、聖十字架 。
有趣的是意大利米蘭大教堂的聖物也是聖釘。
6. 看教堂的小竅門：如果教堂能夠追溯到中世紀的話，它朝向大多坐西朝東，主祭壇就是祭拜耶穌像的位置，它必須是朝東的（原因：東邊是太陽昇起的地方，東邊是朝向聖城耶路撒冷）。參觀教堂最佳時間就是日出或日落，因為陽光穿過教堂玻璃，光線非常美。
7. 基督信徒，人死後第一步去棺材裡，等最後的審判，《聖經》裡面說有一天耶穌會來到人間，審判已經死去的人，讓大天使來判斷。也就是說，其實這些人都沒有去天堂或地獄。因為那一天還沒有到。那一天也許是世界末日。
九．文藝復興起源
1. 文藝復興，一千多年前的古希臘和古羅馬藝術的復古文化，文藝復興的偉大在於襯托之前中世紀的黑暗，結束了中世紀的黑暗照亮老外臉蛋的一道曙光。
2. 題材和中世紀相同，依然是基督教的題材。許多有名的藝術家也是在為教堂打工。
作品相對來說更具有人情味。
3. 文藝復興起源於意大利，集結天時地利人和於一體，經濟發達的地區同時也聚集了當時的能人以及創作出許多名作。
4. 文藝復興為何在意大利發源：羅馬帝國西羅馬屬於西歐，公元1453年君士坦丁堡被土耳其人攻佔，東羅馬學生帶領古籍逃亡西歐，最先到達意大利。
十．喬託：文藝復興時代的喬幫主
1. 聖方濟各，神職人員，依託天主教這個超級大IP，成立方濟各修道會。由於信徒較多，甚至得到了羅馬教廷的認可。
2. 當時歐洲人對宗教態度大致三類：有神論者、無神論者、信而不迷者
3. 方濟各的理論是隻要做個“信而不迷者”也能上天堂。因為不用天天去修行，只要日常生活中遵守教規，死後一樣有機會能夠上天堂。
4. 方濟各認為教堂是人與上帝交流的地方，覺得其他地方教堂鑲嵌的裝飾畫太過費時費錢了。因此在教堂中開始出現了溼壁畫（既樸實又省錢，而且可以傳給那些文盲聖經中的教義）。
5. 正是因為教堂有溼壁畫的需求，才產生了眾多畫匠。
6. 教皇尤里烏斯二世任命米開朗基羅、布拉曼特和拉斐爾建造聖彼得大教堂。
7. 文藝復興之父——喬託 看他的《寶座上的聖母》作品，可以明顯看到聖母胸部和膝蓋有明顯的突起，是一種立體感，這在當時同期的作品中是沒有的。
8. 除了立體感，喬託還會控制觀眾的視覺。比如《哀悼基督》壁畫上，畫主角耶穌並不在畫中心，喬託用背景中的半堵矮牆，將觀眾的視覺中心引導到了耶穌身上。
9. 喬託之前宗教畫中人基本一張臭臉，一方面沒有表情顯得比較威嚴，二是一般是神，神應該就是沒有表情的。從他之後，畫中人物有了表情。
10. 為何喬託畫中人物會有表情，因為聖方濟各走親民路線，喬託作為他的“公關總監”自然也會將注意力從神的身上轉變到人的身上。
11. 喬託成為第一個給神加上“表情包”的畫家。神變得更加真實和親近。
12. 開啟文藝復興繪畫的鑰匙有兩把，一把是透視，一把是表情。喬託是同時掌握這兩把鑰匙的男人。
十一．達芬奇·一個專愛挖坑卻不愛填坑的夢想家
1. 文藝復興三傑：達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾。
2. 達芬奇：畫家、建築家、雕塑家、作曲家、數學家、物理學家、解剖學家、植物學家等等。
3. 達芬奇有個致命弱點：德智體美勞全部半途而廢。因為一直挖坑，所以他就相比同期藝術家，作品就很少。
比如說他一開始想要造一座巨大的騎馬雕像，做到一半就突然想要去造一門大炮。剛開始做大炮，他又突然想要去做一種新的顏料。
4. 作品《最後的晚餐》目前在米蘭聖瑪利亞慈悲修道院的食堂裡，《聖經》中的經典橋段，講的是基督在餐桌前，向12門徒說，你們之中有一個是“狼人”。在達芬奇之前，畫家畫《最後的晚餐》，通常會把猶太隔離開，而達芬奇沒有特意隔離開。而是通過猶太的動作，他心虛把桌子上的鹽都打翻了。下意識還攥了一下手裡的錢袋。達芬奇的這種畫法在今天被稱為“行為心理學”。
5. 作品《蒙娜麗莎》在盧浮宮。這幅畫看不到任何呆板的痕跡了。源於達芬奇有獨門武功“漸隱法”又稱“暈塗法”。簡單說就是把人物的輪廓模糊，有點像我們現在在美顏相機黎明用的模糊濾鏡。這也就說明為何她的表情這麼神秘。
6. 通常我們判斷人物表情為眼角和嘴角。達芬奇刻意模糊了人物的眼角和嘴角，刻意融入到陰影中。這有種似笑非笑的感覺。
7. 意大利作品為何成為法國國寶？文藝復興時期的意大利不是統一國家，類似於古希臘的城邦。是由許多獨立的城市組成，比較有名的就是威尼斯、比薩。城市之間會互相競爭。萬年達芬奇帶作品去法國。
十二．米開朗基羅：不會畫畫的建築家不是一個好雕塑家
1. 顧爺認米開朗基羅是三傑中最有藝術成就的一位，是長命的藝術家。理由是達芬奇熱衷挖坑，拉斐爾早逝。對於藝術家來說活得久很重要。
2. 作品《大衛》是巨型手辦。大衛是西方藝術史上最重要的裸男。大衛是聖經裡的一名英雄，擊殺一位名叫歌利亞的巨人。大衛先是用彈弓將巨人打暈，再用劍砍頭。
這個大衛的頭部和手的比例比較大，之所以這樣是因為它原本要放在教堂頂部，米開朗基羅研究了透視法後，這種比例會非常合適。
3. 作品為西斯廷禮拜堂做的軟裝，以《聖經》中《創世紀》的故事為題材。從《上帝分開光明與黑暗》、《上帝創造日月》一直畫到《大洪水》、《諾亞醉酒》。他是倒著畫的，這樣就可以讓進來的人感覺到墮落的人經過解脫和靈魂的淨化一步步重新返回上帝面前的那種過程。其中最動人的就是《創造亞當》，觀眾會不自覺的將焦點放到兩隻即將接觸的手上。
十三．拉斐爾：文藝復興時代的小鮮肉
1. 拉斐爾改變了整個文藝復興的格局，在佛羅倫薩市政廳的牆面軟裝設計對決選擇了“聖母瑪利亞”的形象。
2. 拉斐爾不斷臨摹達芬奇和米開朗基羅的作品，發現前者精髓在於人物的表情，後者是肢體語言。他個人風格是摳細節和柔美。
3. 據說拉斐爾的聖母形象都是來源於達芬奇的《麗達與天鵝》
4. 在當時，人們稱讚美女有句話是你長得像“拉斐爾畫的聖母”。
5. 拉斐爾畫聖母之所以這樣美就是因為“不真實”，三分真，七分P。
6. 作品《雅典學院》取材於柏拉圖創辦雅典學院的故事，腦洞大開的將歷史上出現的思想家彙集到一起，開了一場超時空的思想討論會。他還將自己與米開朗基羅和達芬奇同框出現。
7. 他之所以快速獲得成功，一是因為過硬的業務水平，二是因為超高的情商。他可以和每個客戶搞好關係。相比達芬奇是一時半會完不成作品，米開朗基羅醜陋和脾氣火爆，不能快速結賬會跑到戰場上要費用。
十四．卡拉瓦喬：巴洛克流氓畫家
1. 巴洛克指的是荒誕或者怪異的意思，主要是指17世紀的作品。其實是貶低作品的意思。每一個巴洛克時期的作家都有自己的風格。
2. 巴洛克風格主要起源於羅馬。為羅馬教廷服務。
3. 美第奇家族出過一個教皇叫做利奧十世，他為了修建聖彼得大教堂設法斂財，設計了一種贖罪劵。
4. 德國神學家馬丁·路德金進行了宗教改革，根據因信稱義，反對教廷所賣的莫名的贖罪劵，為了反宗教改革，通過想象力讓大家對“天國”產生憧憬。由此巴洛克這種戲劇性的作品就誕生了。
5. 比如教堂這類建築裝修很富麗堂皇是為了去吸引那些逐漸脫粉的信徒們。讓他們對天國產生憧憬。
6. 卡拉瓦喬是巴洛克代表人物，被稱為光影魔術手。身上有兩個明顯的標籤，一是光影大佬（最有身體衝擊力度的基督教藝術），二是殺人犯。
7. 他拒絕古典規範，他會注意畫中的普通人。因為他知道看畫的就是普通人，是討好觀眾的方法。他也非常擅長使用光影，非常強烈的光影對比。會讓人感到非常震撼以及震驚。黑暗的背景包裹著畫面中的人物形象。它被稱為“暗色調光影”。
8. 作品《聖馬太蒙召》講得是耶穌走進稅務局指著當時的身為公務員的聖馬太，跟他說“跟我混吧”。這裡的耶穌就是一個普通人的形象，沒有像其他基督畫中那樣的頭頂著的光環。
9. 他有作品被退，在他的畫中聖母是死亡的狀態，在傳統中聖母去世是昇天前的休憩。但是他畫中聖母是死透的狀態，他用的是一具泡爛的妓女的屍體來做的模特。
十五．倫勃朗：荷蘭光影大師
1. 荷蘭信仰新教，主張不能偶像崇拜。
2. 倫勃朗被稱為“畫布上的戲劇之王”。
3. 卡拉瓦喬的光影是在光亮處直接塗抹白色，與暗區並不貫穿。
4. 倫勃朗的光影在暗區只不過是一塊陰影，而且還是有一些很暗的線條在裡面，
5. 倫勃朗光：在拍攝對象的45度角的地方設一個光源，它的特點就是在沒有照到光的那半邊，沒有出現光的地方是出現一個倒三角。當然如果你的鼻子不夠挺，是不會有倒三角的。
6. 荷蘭的藝術家，將鏡頭瞄準普通人，例如自然風光和市井肖像，倫勃朗的肖像畫細節非常精美，光影的獨特效果使得他的銷量在當時非常的緊俏，裡面充滿了故事。
7. 作品《杜爾博士的解剖學課》是團體肖像畫，從躺著的屍體到杜爾醫生以及專注的助手，人物的性格通過他們的面部的表情和動作都鮮明的表現出來。
8. 團體肖像畫是由每位畫中人物AA出畫資。
9. 作品《夜巡》，據說名字由後人起，當時畫的不是夜晚。畫得是阿姆斯特丹民兵連隊出街巡邏的場景。畫面中的所有人都圍繞著隊長的每一個指令。然後犬吠聲、擊鼓聲、槍鳴聲一個放射性的構圖一下子衝出來。這部作品看起來非常鼓舞人心。但是有些人物只畫了半張臉甚至沒有臉，所以不滿將倫勃朗告上法庭。之後倫勃朗一蹶不振。
10. 倫勃朗很愛自畫像。
11. 一個畫家怎麼看出其偉大，一是看他影響了多少人，那這些人是否偉大。二是他還要有一個非常與眾不同的地方，比如倫勃朗他所有的畫都是接到訂單後的畫，也就是說他可以把訂單變成偉大藝術品。
十六．“迷之男子”維米爾與一手打造“絲襪美男”路
1. 作品《戴珍珠耳環的少女》，它被稱為北方分“《蒙娜麗莎》”，畫中少女神秘的眼神，微微張開的嘴唇，以及那種似笑非笑的表情，會使觀賞者產生無限的遐想。而且少女身份本身是個迷，這都給我們巨大的想象空間，於是神秘成為維米爾的代名詞。
2. 維米爾是一個極其低調神秘的畫家，從他的自畫像就可以看出這點，因為他留給我們的自畫像就是一個迷人的背景。巴洛克畫家都喜歡在自己的畫中表現光影，維米爾是當之無愧的人肉相機，他的繪畫原理和相機的原理有異曲同工之妙（小孔成像原理）。在他的粉絲中，就有梵高、達利這樣的大神們。
3. 維米爾的手腳非常慢，他畫一幅畫平均需要花半年的時間。所以他繪製了“名片”在畫屋中。
4. 利用光學原理，把繪畫的對象投影到一個暗箱中，然後把它描下來。
5. 維米爾會把細微的潛意識的東西放到其畫中，因為荷蘭信奉新教。會用隱喻手法，讓觀賞者去推理和解密。
6. 作品《情書》把觀眾帶進一個荷蘭民居。一個女子一手拿著魯特琴，一手拿著信。魯特琴在傳統中是愛情的象徵。不難推理這個女子正處於熱戀期中。
7. 顧爺用物以稀為貴來形容其作品。
8. 他的很多作品到今天也猜不到其含義。
9. 普桑是十七世紀法國藝術的開端，他甚至可以說是與意大利文藝復興三傑平起平坐的殿堂級大師。他的成就代表法國藝術的崛起。因此被稱為法蘭西繪畫之父。其創作靈感來源於宗教與精神世界的探索。
10. 普桑一開始成長之路就是模仿，比如提拉和拉斐爾。再形成自己的風格比如說莊嚴的、宏大的，但是卻又是很剋制的。
11. 普桑很認真的總結出一套自己的繪畫理論，在普桑努力下巴洛克繪畫風格多了一個選項，就是古典繪畫。比如《劫奪薩賓婦女》。
12. 作品《阿卡迪亞的牧人》表達普桑對感性和理性之美之間的和諧的痴迷。其實說白了就是“好好畫”和“瞎話”之間遊走。
13. 法國君主制到達頂峰，法國藝術圍繞一個人，就是國王路易十四。一個自稱為太陽王的人。
14. 路易十四在位期間的建築宏偉，強化了君主制所信仰的權威。具體體現在凡爾賽宮的宮廷和花園。但也由盛轉衰，變成了略帶傷感和萎靡的逸樂之美。
15. 意大利的巴洛克，非常戲劇性、非常激情也很誇張。荷蘭的巴洛克卻有一種平靜、樸素的風格，經常展現在民俗畫、靜物畫、肖像畫。
16. 十七世紀的藝術家所共同關心的一些話題例如情感的張力和色彩的處理等等都為十八世紀的藝術打下了非常紮實的基礎，形成了後來的洛可可這種複雜華麗的技術浪潮。
十七．洛可可：王公貴族的最愛
1. 洛可可是由兩個法國單詞組成的，意思的石頭和貝殼。早期的一種裝飾風格。線條是錯綜複雜的，用貝殼裝飾。比如蘇比斯府邸。無限堆砌、極度精緻的審美也體現出了當時法國貴族們隨行所欲、及時行樂的狀態。
2. 讓·安東尼·華託迎合貴族心態，創作出遊樂畫的畫風，為早期的洛可可繪畫藝術奠定了基調。
3. 與莊嚴大氣的巴洛克截然不同，洛可可繪畫更為輕鬆歡快，也反映出了當時貴族們對歡樂的最高追求，也就是愛。通過細微的色彩差異和深淺的變化使得畫作豐富絢爛。後來的藝術家門把歡樂無限放大，再加上了一個女人的出現，把洛可可推向的高潮。
4. 華託作品《發舟西苔島》描繪了一群貴族青年男女來一個島上談情說愛的場景。看似普通的遊樂畫，卻是其代表作。
從畫地址西苔島說起，相傳維納斯從海上誕生後被風神送到了西苔島，因此這裡被稱為能夠找到完美愛情的島嶼。華託還在畫中加了維納斯的雕塑和漫天飛舞的丘比特。暗示著有女生的庇護，紅男綠女們就可以盡情的與紅塵作伴。
5. 華託作品多受魯本斯畫作影響，十分強調色彩，他通過細微的色彩差異和深淺的變化，讓他的畫作豐富而絢爛，展現了洛可可的歡樂。更可貴的是華託還在畫作中加入了對歡樂的反思。那就是生命即逝，不如及時行樂。因此在那些看似歡樂的作品中總是縈繞著一種淡淡的憂傷。這種複雜的感情在之後的洛可可作品中很難看到了。
十八．蓬巴杜夫人：史上最成功的情婦
1.18世紀30年代以後，洛可可藝術高速發展，並在法國達到了鼎盛。如果說巴洛克具有男主陽剛的氣概，洛可可則散發著女性的柔美，那是因為它的最大推手就是一位女性。
2. 法國國王路易十五的首席情婦：蓬巴杜夫人。在成為蓬巴杜夫人之前，她叫做讓娜·安託瓦內特·普瓦松是一位貴族的妻子。在一次宮廷的化裝舞會上扮演成狩獵女神狄安娜的讓娜牢牢抓住了路易十五的心，之後就被封爵，開始常常進入凡爾賽宮。從此蓬巴杜夫人步入歷史舞臺，並影響了整個法國的藝術走向。蓬巴杜可以說死法蘭西第一流量以及帶貨女王。
3. 她推崇一美化女性壓倒一切的風尚，受到了上流社會的追捧。大家跟著她把原來剛硬的宮殿變得柔美而雅緻，把蕾絲和花邊繡滿長裙，把頭髮向上高高豎起。還把性感的黑痣點在臉上。她喜歡中國風，對這些來自東方的神秘精緻工藝所折服，於是主持設計了一批中國風洛可可瓷器。她偏好粉紅色，讓牆紙、瓷器和服飾中都出現了這種嬌豔欲滴的顏色。直到現在還有一種粉紅被稱為蓬巴杜粉。她熱愛文學與藝術，常常在凡爾賽宮舉辦沙龍，並資助很多藝術家。伏爾泰稱讚她為“有一個縝密細膩的大腦和一顆充滿正義的心靈”。
4. 洛可可代表藝術家布歇和蓬巴杜夫人的品味相投，能看到很多中國風元素、粉紅和嫩綠。作為其御用畫家，共為其繪製14幅肖像畫。
5. 縱觀西方藝術史有很多裸女的形象，但是布歇的裸女直白的充斥著肉慾讓同時期的狄諾德大罵他的畫和人品都是垃圾。
6. 如果說華託的作品是小清新，布歇的作品是重口味，布歇徒弟弗拉格納爾就是重口味小清新。
7. 弗拉格納爾的畫常以森林或花園為背景，讓人賞心悅目，同時畫中的人物歡快明豔，還藏著一些不可告人的小秘密。比如說《鞦韆》一位老男人在給一位少女盪鞦韆，一個輕狂的男子在花叢中看著少女盪鞦韆。這三個人是什麼關係呢？這幅畫是由聖居里安男爵委託定製的。但當時並不是給弗拉格納爾的，當時那位畫家聽到男爵的要求是主教給男爵的情婦推鞦韆的場景便立刻拒絕了，還推鍋給弗拉格納爾。弗拉格納爾欣然接受，並做了一些改動，將主教改成男爵情婦的老丈夫，並把男爵也加入其中躺在地上欣賞這一切。
除了人物混亂的關係也暗藏真很多小秘密，洛可可時期盪鞦韆不是簡單的遊戲，而是帶著情色隱喻。情婦坐在鞦韆上，雙腿微張，要知道18世紀還是沒有底褲這種東西的。猶抱琵琶半遮面永遠比開門見山來得高級。
8. 弗拉格納爾的畫有格調又有情趣， 很快受到貴族的青睞。他共創作出超過550幅油畫。
9. 法國大革命後誕生了新古典主義藝術風格。
十九．大衛：是革命的畫家還是牆頭草
1. 新古典主義（文藝複復興）是歐洲社會的又一次復古，17世紀歐洲進行了大量的掃盲道路（啟蒙運動），於是人們又重新以理性的方式思考古典文化，並且在當時國家高於一切，個人情感要服從於國家的現實利益。
2. 公元前500年，希臘共和制時期閃耀著民主和自由的光芒，而這一時期的藝術也是最被推崇的。它們被稱為“高貴的單純和靜穆的偉大”。
3. 代表畫家：雅克·路易·大衛。他不僅是個藝術家還是個畫家。他一生中重要的作品都與法國社會的變革緊緊相連。他希望他的藝術能夠為政治服務。
4. 作品《賀拉斯兄弟的宣誓》來源於古羅馬的一個歷史故事，賀拉斯的三兄弟將代表古羅馬和來自阿爾巴的庫利亞提烏斯兄弟進行決鬥，畫作表現的就是在臨行前的一幕，三兄弟眼神堅定，視死如歸。對著父親手上的寶劍宣誓，而此時賀拉斯家的女眷們卻心亂如麻。賀拉斯家與庫利亞提烏斯家早合為親家，女人們既擔心自己的丈夫也擔心自己的兄弟，手心手背都是肉。畫面中男人和女人的強烈對比，傳遞出國家高於一切，個人情感要服從國家利益的現實意義。除了內容題材，油畫中的人物的服飾及背景建築也能看出大衛對古羅馬藝術的瞭解和熱愛。這幅畫創作於1784年，在法國大革命之前，當時局勢十分混亂，對外連連打敗仗，對內民不聊生。
5. 受啟蒙運動的影響，人們認為君權不是神授，人人在法律面前平等。在這樣的背景下，大衛的《賀拉斯兄弟的宣誓》誕生了，理性是大衛的新古典主義風格。他鼓動著人們去投身革命，雖然會有代價，但是為了美化的明天，這個亂世需要無畏的你去改變。大衛將一生奉獻給革命，他的畫作充滿了激情，是他革命的武器，他愛穿越回古代，尋找革命的痕跡並展現在他的畫作中。
6. 1789年7月14日，法國大革命爆發。大衛加入雅各賓派。大衛好友馬拉不幸遇刺，為緬懷這位親密的戰友，大衛畫了幅《馬拉之死》。馬拉明明是刺殺，但是畫面沒有血腥，反而有一種迷之祥和。大衛是想把馬拉塑造成為了革命而殉道的聖人。在一片漆黑中一束光照在他的臉上，寧靜而安詳。下垂的右臂和躺著的姿勢，如同耶穌下葬的姿勢，整幅畫流淌著新古典主義的血液：靜穆的偉大。
7. 1794年熱月政變，雅各賓派下臺。大衛被捕了。他最痛苦的就是理想破滅了。他整個人開始喪了起來，他的畫都是一些自然風景。
8. 然後一個“小男人”的出現，再次點燃了大衛的熱情。1799年拿破崙執政，他對外擊潰多國聯軍，對內穩定局勢。拿破崙也喜歡古典藝術，他和大衛惺惺相惜。
9. 作品《跨越阿爾卑斯山的拿破崙》描繪的就是一場與奧地利的戰鬥，拿破崙冒著雪崩的風險，越過聖伯納山險坡。帶領軍隊攻入敵軍的腹地，取得勝利。大衛以古希臘雕塑為典範去創作，從戰馬的肌肉線條到拿破崙披肩的紋理都極像雕塑。同時他又巧妙地運用對角線的構圖，讓拿破崙揮手勒馬，讓他的形象立馬高大起來。
10. 1804年12月2日拿破崙稱帝，隨後大衛又獻上他的鴻篇鉅製《拿破崙一世及皇后加冕禮》大衛並沒有歌功頌德這一場景，而是繼續保持了他的新古典主義風格：理性。他把這個典禮變成了一個舞臺劇，在舞臺中央剛剛加冕的拿破崙，霸氣地從教皇手中搶過王冠直接賜給皇后約瑟芬，而舞臺兩邊分別站著一臉不滿的教會人員、心懷恨意的老貴族以及得意洋洋的拿破崙的追隨者。大衛真實的描繪了這一宏大的場景以及背後的各種衝突，還反映的當時法國政局暗流湧動。很可惜這暗流最終吞噬了法蘭西第一帝國。
11. 1815年拿破崙遭遇滑鐵盧，被流放到聖赫勒拿島，波旁王朝復辟。而大衛也被驅逐出法國，客死他鄉。
12. 古為今用就是新古典主義的核心。
二十.戈雅：打破18世紀傳統的精神分裂創造者
1. “浪漫”在早期不容易定義，有貶義的意思，浪漫主義所追求的是感性的、解放的、激情以及個人的冒險。經常用隱晦不明的光線，使畫面在神秘朦朧間讓人產生更多的聯想。
2. 西班牙畫家弗朗西斯·戈雅是一個天才畫家，兩次報考皇家學院都尚未被錄取，榮寵加身的戈雅在世繪畫肖像畫、歷史畫和教堂畫。1799年他成為首席宮廷畫家，創作了《查理四世一家》這類的作品。戈雅將他們還原成具有人性的動物，雖然他們穿著高貴的衣服，但從人物神情和他們虛假的姿勢來看極不協調。就連衣服都像是偷來的。戈雅採用了最炫麗的筆法，這種筆法甚至超過了委拉斯凱茲，有一種充滿力度的用色，為畫面平添了無限的生氣。整幅畫閃耀著奪目的光芒。
3. 榮寵加身的戈雅在47歲神秘染病失聰，由此開始轉向探索自己的內心世界。失聰前他用最明亮的色調譜寫著宮廷中的詼諧曲，失聰後他的畫作便呈現出了一個“黑化”的世界，打破了18世紀傳統畫家和新傳統的創造者，將浪漫主義推向了絕無僅有的高潮。
4. 《奇想集》中赤裸裸的揭露出社會的黑暗，教士的腐敗，西班牙社會的浮誇，
5. 在《戰爭的災難》中記載各種殘暴的行為，他也是最早把版畫用於教化的藝術家之一。
6. 代表作《1808年5月3日槍殺起義者》畫面中一邊是絕望無奈的民眾，他們有些已經倒在血泊中，另一邊是沒有露臉的士兵像機器人一樣在殺人。在斜坡前一個全身發光的男子吸引了我們的視線。他是第一位將普通村民畫成英雄的人物。光男雙手成X充滿動感。
7. 如果想描繪戰爭的災難就要回歸戈雅，如果想要呈現無辜百姓的犧牲也要從戈雅來說。
8. 近代繪畫始於戈雅。
二十一.《自由引導人民》：原來你是這樣的自由女神
1. 庫爾貝只畫他眼中的現實主義，堅持將視線放在日常生活中的普通人身上。
2. 米勒提出了“面對自然，對景寫生”的口號，建立了“巴比松畫派”。
3. 米勒筆下往往出現真實而有時有點傷感的鄉村生活場景。他傾向於那些在土地上勞作的人們。
4. 在顧爺看來，米勒的願望就是用微不足道的東西表現崇高。比如《拾穗者》。
5. 米勒是梵高的靈魂伴侶。梵高非常崇拜米勒畫面中無限趨於真實的感情，他說要是我筆下的人物看起來很美，那我要絕望了。
6. 米勒的藝術是單純而簡樸的，畫面上沒有華麗的表達，也沒有技巧的炫耀，更多的是感情的凝結，也許這就是他要傳遞給我們的最真實的感動吧。
7. 浪漫主義是一種拋棄邏輯，任憑天賦引領的特許，
8. 戈雅通過對世界的觀察，重新認識了人為生存而進行的鬥爭，德拉克羅瓦的繪畫體現了熱情與自發性，而浪漫主義中關於幻想的部分引起了一部分法國畫家的反感，至此現實主義應運而生。現實主義的技巧在以後更發展為了印象派。這就是19世紀的藝術，既有浪漫主義又有現實情懷。
二十二.印象派：派系名字居然來源於一個笑柄
1.17世紀的法國，如果你想出名，唯一的做法就是在法國藝術沙龍中展出自己的作品，參加過展覽的作家可以順利進入體制內，端上鐵飯碗，但能不能被選中，完全由院內的老專家們來決定。
2. 但老專家們認為只有一種標準就是重度磨皮的維納斯們。
3. 但藝術便是用來被顛覆的，四個叛逆的小子開水大膽的嘗試，用多重的色塊和狂野的筆觸，去捕捉真實的景色。在創新的道路上，小團隊不斷壯大。在經歷多一段時間的磨練和困難，最終建立了“無名藝術家、畫家、雕塑家和版畫家協會”。這是個股份公司，只談藝術不談錢。
4. 之後莫奈抱上一條大腿，巴黎有名的攝影師：納達爾，納達爾免費為他們提供場所，舉辦了討厭老專家的畫展。這次畫展沒有取得頭條，唯一有討論度的就是莫奈的《勒阿弗爾港口的寫生》當時莫奈隨便給它取個名字《印象·日出》結果這個讓人看不懂的標題成為藝術批評家陸毅-勒魯瓦的笑柄。
5. 印象派的風格就是沒有風格。解放了色條，解放了線條，成為傳統藝術和現代藝術的轉折點。不過這個轉折點背後還是要感謝社會的發展，第一是繪畫工具的進步，可摺疊的畫架以及顏料管、平頭筆刷。第二交通工具的發達。第三相機的誕生。
二十三.莫奈：大俠的打怪升級之路
1. 莫奈的“日出”畫的就是他的家鄉，大膽的用色和狂野的筆觸給人留下深刻的印象，而且莫奈在藝術史上擁有這不可替代的地位。
2. 《印象·日出》中畫出煙筒，煙霧繚繞。
3. 莫奈和巴其耶喜歡跑到戶外去觀察自然的光影變化，然後畫朋友們的日常生活。
4. 莫奈還野心勃勃的用兩倍真人大小的畫布，畫了幅朋友的野餐圖，
5. 莫奈通過在戶外對光影的觀察，在畫作中表現出了光線強烈的對比，明亮的陽光很深邃的陰影，這種鮮明的光線對比。
6. 莫奈和雷諾那在一起的時候也摸索出一個新的招式。他們去塞納河邊的潮人聚集地，青蛙塘。記錄了當時最時髦的活動景象，最讓人吃驚的是莫奈的繪畫方式，他用黑、藍、白、黃綠四種顏色直接塗抹在畫布上，近看就是一條條色塊堆積在一起，如果站遠一點，那水面似乎真的盪漾起來的。這就是莫奈的獨門絕招“色彩分割”，
7. 因為普法戰爭，莫奈逃到英國，在倫敦他看到透納和康斯坦勃爾的真跡，並參透到了其中的奧義，之後莫奈對光、風和速度這些抽象事物的掌握能力攀升。
8. 莫奈獨門絕學“連作”，對著同一場景，描繪出不同時間和季節的變化，簡單說就是和時間賽跑。他經常同時架好幾塊畫布同時作畫。
9. 作品《魯昂大教堂》連作中有名作品。
二十四.雷諾阿：愛畫美人的幸福畫家
1. 關係好的藝術家都是臭味相投的，他們大概有相同的審美和相似的畫風。
2. 雷諾阿對美人的愛，從模特麗莎開始。
3. 一開始雷諾阿的創作偏向古典主義的風格，線條和用色也比較保守。之後雷諾阿進行了藝術革命，用閃爍、輕柔的筆觸去表現光線，用更多的顏色表現陰影。他筆下的女人無論靜或動，都是楚楚動人。
4. 作品《紅磨坊的舞會》看到為之歡樂。
二十五.德加：死不承認自己是印象派的奇葩
1. 德加是貴族出身，備受安格爾肯定並且強調注意畫線條。這句話對德加影響很大。
2. 遊學意大利，臨摹了大量文藝復興的作品，受到朋友馬奈的影響（願意捕捉動態場景），德加之後的作品畫風答辯，舞女在他的作品中數量佔了一半，他可以用一幅畫，一個動作帶出一場戲，將每個動作都描繪的如此生動。同時他筆下的裸女也是更加真實，在畫中以居高臨下的視角畫女人。
3. 作品《貝萊利一家》很有趣，別人家的全家福都是喜氣洋洋的，可她姑姑全家卻死氣沉沉的，因為當時德加的爺爺剛剛去世。
4. 德加年老看不清，用彩色粉筆，使得他後期的作品很絢爛。
二十六.保羅·塞尚：現代藝術的爸爸
1. “後印象派”中塞尚和修拉是完善印象派的。有的與印象派發生分歧比如高更和梵高。
2. “後印象派”是承前啟後的時期。
3. 塞尚、梵高、高更三個半路出家，大器晚成、非科班出身。都被拍成電影或小說分別是《傑作》、《渴望生活》、《月亮與六便士》。
4. 塞尚《現代奧林匹亞》是致敬馬奈的《奧林匹亞》。不過塞尚膽子更大，他把自己也畫進去了，他大膽的看著裸女。受到了公眾和藝術評論家的一致惡評。
5. 《奧林匹亞》中馬奈用妓女代替傳統的裸女優雅女神的形象。
6. 塞尚發小左拉一直支持他，左拉是當時有名的暢銷書作家。
7. 塞尚並不贊成印象派過度強調捕捉，物體在自然光線下變化的理念。他甚至認為這麼畫太凌亂了。塞尚曾說我想把印象主義變成某種穩固持久的東西，就像博物館的藝術品一樣。他的這個理念體現在了他畫中井然有序的結構和構圖中。而靜物圖也成為他的最佳題材。因為在靜物圖裡藝術家可以自由選擇他們想畫的東西，也可以把東西放在自己喜歡的任何位置上，在塞尚靜物圖裡最常出現的水果就是蘋果。他曾說過：我要用一個蘋果讓巴黎大吃一驚。
8. 塞尚將前輩們運用的“單點透視法”變為“多點透視法”，創造了一種新的觀察方法，打破了古老的傳統透視法則，讓觀眾們看到的是藝術家想讓你看到的東西，從此，繪畫不再是對自然的簡單模仿了，這套畫法後來還啟發了畢加索，開創了立體主義，開啟了現代藝術的大門。
9. 塞尚早年不被關注，在晚年才逐年被年輕一代畫家關注，被稱為“現代藝術之父”。
二十七.梵高：計劃周詳的創業夢為什麼沒有實現
1. 梵高出身於牧師家庭，做過傳教士、律師和教師等工作，大概是因為做過傳教士工作，所以梵高特別關注社會最底層的農民群體，最崇拜的就是米勒。
2. 梵高早期的作品《吃土豆的人》，沉重陰鬱。手粗糙又有力，梵高說他之所以這麼畫是因為他想讓看畫的人知道，這些吃土豆的人，就是用伸進盤子裡的手，同一雙手站在地裡把土豆歐拋出來的。
3. 在巴黎弟弟的幫助下，他認識了印象派人物。畫作告別了早期的黑暗，變得光明起來了，他的夢想便是要建立一個像英國拉斐爾前派兄弟會這樣的藝術組織。
4. 作品《向日葵》是標準的靜物畫，但是它卻給人躁動不安的感覺，花瓶裡插著15支向日葵，但是沒有一支是“完美”的，它們插得東倒西歪。
5.. 據統計梵高一生畫過11幅向日葵，在此之前梵高有一項絕活就是運用對比色。
6. 在他的畫中我們常常會看的黃配藍或者紅配綠，這種大膽的配色，這種搭配也給人一種強烈的視覺衝擊力。但是在最有名的《向日葵》裡，他打破了這種對比色定律。它的背景也是明亮的黃色，在之前的靜物畫背景都是黑色的，因為這樣更容易突出你要畫的東西。梵高這樣做事非常大膽，然而效果出奇的好。黃色色塊和黃色色塊之間，不僅相互呼應，而且讓人看著很舒服，如果仔細看這個背景，你會發現它不是平塗的，而是十字筆觸，是一筆一筆畫出來的。這麼做不僅會讓觀眾覺得不單掉，而且還產生一種“閃爍”的視覺效果。最後的點睛之筆是，梵高用鈷藍色的顏料，勾出瓶身和水平線。
最特別的是普通畫家一般都會把自己的簽名簽在畫面的邊邊角角，因為這樣不會破壞畫面，但梵高卻把他的簽名簽在了花瓶上，有種這個簽名就是花瓶上的花紋似的。與其說這是一幅油畫，其實它更像是一座浮雕。因為畫中某些地方的顏料非常厚重，厚到已經凸出了畫面，變成“立體”的了。這其實是梵高的另一種絕技，叫做“厚塗法”。這樣能夠大大加大顏色的表現力。
7. 後期高更和梵高一起生活，但由於藝術理念的差異，而分居。比如高更更會藉助想象力作畫，而梵高更喜歡到戶外寫生；高更喜歡平塗，梵高喜歡厚塗法。僅相處了兩個月後，高更就想離開梵高，得知唯一互粉的好友要取關自己了，讓梵高大受打擊，甚至讓他一度精神失常，最後釀成藝術史上最著名的自殘事件——割耳事件。後來一隻耳的梵高住進了精神病院。
8. 作品《星月夜》原本靜謐的夜空因滿天閃爍的星辰，變得格外明亮。向上螺旋升起的柏樹，佔據了前景的重要位置，與一旁教堂的尖頂互相照應。原本應該平靜的夜晚，卻在梵高的筆下變成了像旋渦一般不斷旋轉的喧鬧景象。
二十八.高更：一幅詮釋西方哲學終極問題的畫
1. 高更更感興趣的是原始部落的單純和直率，因此後期離開了巴黎去往法國西北部的布列塔尼的阿旺橋村，完成了他的第一幅繪畫。
2. 作品《佈道後的幻想》畫面描繪了布列塔尼的婦女剛剛在教堂聽完聖經故事後聖經中的神蹟，雅閣遇上上帝就顯現在她們的眼前。佔據畫面前景的就是布列塔尼的婦女，她們頭戴特別顯眼的白色禮帽，穿著一身黑衣。白色的帽子和紅色的背景形成了強烈的對比。在畫裡高更拋棄了傳統的透視法和印象派的色彩表現手法。他先用結實的線條，勾畫出了對象的輪廓，再用沒有調和的純色平塗。這種手法明顯示受到了中世紀的那些彩色玻璃的影響。用一棵樹分斷畫面兩邊的做法是受到了日本版畫的影響。
3. 作品《萬福瑪利亞》畫上只有熱帶小島上的土著人，高更完全摒棄了傳統畫風，把聖母和聖子從白人變成了土著人，本來懷抱聖子的聖母也變成了肩扛孩子的健壯土著女人。要是他們頭上沒有光環，相信誰也不能知道高更畫的是聖母子。
4. 作品《我們從哪裡來，我們是誰，我們要往哪裡去》這是西方哲學的終極命題，高更更想描繪一個伊甸園樣的場景。它採用長方形的構圖，表現了生命的三個階段，一個剛出生的嬰兒，被畫在了畫面的最右邊，還有三個年輕婦女圍在他的周圍好像在問“我們從哪裡來”，畫中畫的是“我們是誰”，中央最顯眼的女人正在採摘果實，在這樣高更很明顯示想要描繪一個塔希提版的夏娃，有意思的是女人背後有兩個被陰影籠罩的反派角色，他們披著披風躲在樹旁，這兩個人代表了被現代文明開化以後的人，他們雖然穿上了衣服但是卻面帶痛苦，而對那些沒有被文明開化的人來說，生活卻是如此的單純和快樂。左邊一點有一個神像，它是當地的守護神，神像雙腳扭轉向兩邊分開，這是在模仿埃及人的人像，再看畫面的最左邊，有個年邁的老人，他的臉色和白髮都代表了他將要死亡的命運，顯然在這樣高更想要標的“我們要往哪裡去”的主題。畫面左上方有一個金色的底色，上面寫了這幅畫的標題和署名。這種形式模仿了中世紀拜占庭的神像。整幅畫可以說是對不同地域文化、宗教和歷史的創意結合，也是高更對自己藝術手法的最後總結。高更也稱這幅畫可以與“《福音書》”相比。
二十九.修拉：號稱點王之王的新印象派掌門人
1. 修拉有紮實的素描功底，對色彩的分析更加科學和理性，發明了“點彩法”。
2. 有人認為他應該是“新印象派”掌門人。也有一部分人認為修拉應該屬於“後印象派”。
3. 作品《大碗島的星期天下午》，在1886年最後一屆的印象派畫展裡，這個時間點很重要，意味著印象派的沒落和後印象派的崛起。在畫中右邊有個“最大的”人，她牽著一隻猴子，這個猴子在草稿紙上並沒有，說明是畫家思考再三畫的，也是畫家給我們解讀這幅畫的密碼。猴子有性慾的意思。
4. 他發現如果淺綠色和深綠色並列排放，淺綠色會變得更淺，深綠色變得更深。
5. 修拉、梵高、高更和塞尚對藝術的探索，也是為了走出印象派這一死衚衕。
三十.達利：讓人無限遐想的軟綿綿
1. 達利最崇拜的藝術家是17世紀的巴洛克畫家委拉斯凱茲，達利從屬於超現實主義門派。
2. 委拉斯凱茲的作品《宮娥》和達芬奇的《蒙娜麗莎》以及倫布朗《夜巡》一起並稱為“西方藝術史上三大名畫”
3. 他的兩撇鬍子是在致敬他的偶像委拉斯凱茲。
4. 他的軟趴趴的表出自其代表作《時間的永恆》
5. 超現實主義把弗洛伊德奉為精神導師，認為眼睛看到的東西只是表面上的現實，埋藏在無意識的東西才是最真實的。而這個無意識世界可以通過我們的夢境來表達。超現實主義者喜歡描繪夢境，所以才會有不受理性約束、天馬行空，充滿想象力的東西。
6. 達利另一種絕活是“雙重視像”，因為我們在夢中會有場景疊加在一起的感覺。作品《奴隸市場與消失的伏爾泰半身像》，兩種不同的世界盃巧妙地結合在一起，雙關表達手法，有趣極了，需要認真仔細，不同視角觀看。
7. 達利有個好友是被稱為“觀念藝術之父”的杜尚。他把倒著的小便池當作作品上交，結果沒有想到這個叫做《泉》的作品卻成為了藝術史上劃時代的作品。你的作品只要能夠表達出你的觀念和想法，這就夠了。現在千奇百怪的當代作品都是受此而啟發。
8. 每天早上都會很開心，問“今天這個達利會帶來什麼奇蹟驚喜呢？”
9. 20世紀的藝術家就像是哥倫布那樣的冒險家，他們一生都在發掘探索，為的就是把叫做“藝術”這個版圖擴大。
三十一.油畫名作中女神維納斯的秘密
1. 在西方藝術史上有三個女人不得不知道，夏娃、聖母瑪麗亞和維納斯。
2. 維納斯的羅馬名字，古希臘名字叫做阿芙羅狄忒。
3. 維納斯為何站在貝殼上，是在貝殼中誕生。
4. 作品波提切利《維納斯的誕生》、提香《烏爾比諾的維納斯》、其中喬爾喬內《入睡的維納斯》被稱為文藝復興最美裸體畫。
5. 側臥的維納斯是很多畫家最喜歡的姿勢。
6. 印象派後，藝術家們開始更加關注日常生活中的題材，維納斯也走下了神壇。不再是西方藝術的主流題材。畢加索《維納斯和丘比特》。
7. 只要我們對於美的追求不斷，維納斯的題材也一定會延續下去。
三十二.達芬奇用X光掃描後，天使會消失的報喜圖
1. 達芬奇畫的更多是《聖經》中的故事。
2. X光掃過後，發現《報喜圖》是由達芬奇和維羅奇奧老師共同完成的作品。維羅奇奧是喜歡有鉛的顏料，達芬奇喜歡用無鉛顏料。X光下只有瑪利亞。
3. 《天神報喜》加百列告訴瑪利亞，上帝讓她幫忙生個孩子。
4. 維羅奇奧曾經教過達芬奇，《耶穌受洗》也是兩人合作完成的。左下角天使就是達芬奇畫的，據說維羅奇奧看到這幅畫後直接被達芬奇畫的這個小天使秒殺了，從此再也不畫畫了。
三十三.皇家洗浴中心洗的不是人，居然是馬
1. 趙孟頫是中國歷史上身份最糾結的一個畫家，他自己明明是宋朝皇室的後裔，他的太爺爺還是審美最高的皇帝宋徽宗，但他本人卻在元朝做官。
2. 趙孟頫作品《浴馬圖》，元朝是馬背上的民族，對馬的待遇很好。畫面的右邊，是皇家洗浴的第一步“入池”，中間是皇室洗浴的第二步“洗浴”，最後一步就是“出浴”。為了表現馬的愜意，畫了一匹拉臭臭的馬，沒想到皇帝看到這一幕，反而覺得很有生活氣息。對這幅更加喜愛的不得了。趙畫的是唐朝人，趙還是在畫自己。趙孟頫畫馬成痴，也為此做了很多的觀馬工作，晚年便很少畫馬了。感覺畫馬就是在畫自己，畫中的馬都是被統治者養在籠子裡的千里馬，受到了禁錮，正如此時正在元朝當官的自己。
三十四.為什麼《搗練圖》的順序怎麼看都不對
1. 相傳是宋徽宗領導下宣和畫院臨摹唐代張萱所作。
2. 搗練本身是一種勞作，但是卻被賦予了詩意，表達女性閨怨寂寞的題材，
3. 現實順序是先搗練再熨燙，最後再縫製。縫製卻被夾在畫面中間。
三十五.從此看懂所有老千主題繪畫
1. “大吉大利，今晚吃雞”來源於美國電影《21》。
2. 卡拉瓦喬《打牌作弊者》擅長營造戲劇性場面，通常來講，一幅油畫只能展現動作的一瞬間，而卡拉瓦喬擅長捕捉最重要的一瞬間，而他本人也是一個被畫畫耽誤了的老千。
3. 因為中世紀猶大就是穿著淡黃色的衣服，所以這個顏色代表了背叛和欺騙。
三十六.你能數清這幅畫有多少人嗎
1. 《清明上河圖》長5米多，前面是引首，再是隔水，接著是畫心，然後又是一個隔水，最後是題跋。
2. 荒郊、城鄉結合部、汴河碼頭、高級遊輪、虹橋、十千，城牆附近，左邊是內城，右邊是外城。
3. 拿扇子是不想和你說話。
4. 題名“清明”不是春天，是時代的狀態，是當時的太平盛世。
三十七.為什麼畫裡的人都盯著我
1. 達利曾經向畢加索借500元去美國跑路，結果畢加索還是借了。只因達利說了一句：我的鬍子是在模仿委拉斯凱茲，聽到偶像的名字，畢加索的腦子瞬間就短路了。
2. 《宮娥》被稱為是西方藝術史上最神秘的作品，神秘的是當你對著畫看的時候，畫裡有很多謎團，到現在都還尚未解開，比如盯著畫你會發現畫裡的人都看著你。
3. 鏡子中反射出國王與王后，那公主自然盯著你看。
4. 畢加索甚至說過自己58幅畫都來自《宮娥》。
5. 畫家委拉斯凱茲之所以在畫中，是因為，原本是畫的給公主權杖的年輕人，可是後來王后又生了王子。為保證寫實，只能把唯一在場的畫家畫入其中。
三十八.為了一個男人，誕生了最著名的一幅向日葵
1. 梵高一共畫11幅向日葵，先畫的4幅巴黎版本向日葵，只有高更比較感興趣，當時高更是小有名氣。高更有一半秘魯血統，向日葵是從秘魯引進。
2. 阿爾勒四幅向日葵是最有名的、藝術成就最高的向日葵。
3. 第三組是拷貝版向日葵。
三十九.古代間諜最需要的是優秀的繪畫功底
1. 《韓熙載夜宴圖》是間諜畫。
2. 李後主處於對韓熙載的懷疑，而派出007號特工周文矩，為李後主直播了海天盛筵。
3. 比如《柳塘牧馬圖》就是出色的間諜畫。
四十.大概是世界上唯一一個評為5A級旅遊景區的風月場所
1. 《紅磨坊》的靈感來源於一個叫紅磨坊的歌舞廳，雷諾阿、梵高和勞特列克都在這裡打卡簽到過。
2. 紅磨坊的前身，歌舞活動在室外；而後成立了歌舞廳，把歌舞表演移到了室內。在這兩個時期都出現了很多著名作家的畫作。紅磨坊造就了海報藝術，勞特列克的海報審美影響了許多新興的藝術家。
四十一.芭比娃娃和自由女神外的另一個美國象徵
1. 不知何時開始，哥特式妝容迷之流行起來。格蘭特伍德就是憑藉《美國哥特式》，成為通告接到手軟的畫家。《美國哥特式》和自由女神像、芭比娃娃等一起被稱為美國的象徵。
2. 畫中可以體現“哥特”是有兩個地方：一個是這對男女；另一個是房子上的窗戶。這幅畫批判了美國的殖民統治；還有更深層次的含義：不做逃避歷史的“聖母婊”，直面曾犯下的錯誤，在遇到困難是，他們直面自己犯下的錯誤，面對困難時誓死捍衛自己的家園。
3. 關著窗戶是美國葬禮的習俗，再看形狀是不是有些像墓碑。在基督文化中三叉戟代表著死亡。創作於1930年，是美國大蕭條時期。三叉戟是耕地的工具，又代表著拼搏和反抗。窗戶的紋路和三叉戟相似，預示著拿著三叉戟的男人要保護窗戶裡的東西，而窗簾和女人的衣服很像，女人代表孕育，所以窗戶裡是個全新的世界，是全新的美國。這才是《美國哥特式》想要講述的美國精神。
四十二.乾隆爺爺看完都怕怕的名畫
1. 《關山行旅圖》的一幅典型的青綠山水畫，由於材料珍貴，所以一般只用於皇室；青綠山水營造出的豪華富貴的視覺效果也尤其受到歷代君王的歡迎。
2. 紅衣男子騎得是三鬃馬，皇室專用馬。
3. 作者李昭道《關山行旅圖》的原名是《明皇幸蜀圖》，而後改名。畫中的唐明皇看似申請自若，實則是在跑路。而乾隆為了能夠永遠地掩蓋其這個會帶來亡國厄運的不詳主題，而將他們掩飾成了在山中趕路的商旅。
4. 乾隆發現其不詳主題，寫下：青綠關山迥，崎嶇道路長。客人各結束，行李自周詳。總為名和利，那辭勞與忙。年陳失姓氏，北宋近乎唐。
四十三.中國山水畫的爸爸
1. 中國的隋朝特別容易被人忽略；而在藝術史上，更是如此。但在藝術史上，更是如此。但在藝術史上，隋朝誕生了中國山水畫的爸爸——展子虔。他是一位跨朝代的畫家，活特別好，什麼畫都能畫，尤長於山水畫。他第一次把幾千年來跑龍套的山水畫變成了主角，也被稱為山水之父。
2. 《遊春圖》是一幅典型的山水畫，也是一幅重要的，具有承上啟下意義的作品。
3. 用人來比如中國山水畫，幼年是《洛神賦圖》，青年是《千里江山圖》，而《遊春圖》則是中國山水畫最美好的青春期。
四十四.猜猜誰是主角
1. 在中國人物圖中為了凸顯主角，通常會把一個人物畫得比別人大。比如《步輦圖》、《唐皇行從圖》。
2. 張萱《虢國夫人遊春圖》中，每個人的大小都是差不多的，無法認出哪個是虢國夫人。虢國夫人不喜歡化妝，“素面朝天”也是出自於她。
3. 畫中根據人物無法區分哪位是虢國夫人（楊貴妃的姐姐）本人，還有便是從馬來判斷。名馬除了有專用項鍊，地位更高的馬還喜歡燙頭，被稱為“三花馬”，是唐代皇室成員的專用座駕。因此可以判斷出最符合虢國夫人形象的就是畫前穿著“男人裝”這位。
四十五.巴比松畫派的臺柱
1. 米勒的畫，背景清一色的都是麥田，主角清一色都是農民，主題也都是一水的農民的日常。其實，米勒自己也差不多是個農民，他和農民唯一不同之處，就是他不會種地，每天的生活除了畫畫，就是生孩子，他有11位孩子。
2. 米勒後在巴比松定居下來，開始了他們的農民畫生涯，後來柯羅多比尼等人也加入進來，組成了一個類似葫蘆娃一樣的七人小分隊，被稱為“巴比松七星”，最耀眼的就是米勒。
3. 作品《晚禱》，達利堅持認為畫中夫婦不是為了宗教或者土豆祈禱，而是個葬禮。在達利堅持下進行X光掃描，發現原來土豆地方的確是個小棺材。
4. 米勒把宗教作為繪畫的感情基調，通過表現田園生活，把自己的感情融入其中是巴比松畫派中名氣最大的一個。
5. 如果把巴比松畫派比作為一個偶像團體，每個人都有自己的作用。米勒是臺柱子，盧梭是經紀人，投資人柯羅。
6. 盧梭代表作《橡樹》
7. 柯羅，一種被稱為銀鼠色的獨特色調和獨特的羽毛狀畫風。他所畫的樹、雲都有一種蓬鬆感。
四十六.解密藝術史上最有名的吻
1. 顧爺一直認為每一幅畫都藏著畫家想要告訴觀眾的細微線索。欣賞一幅畫就是探尋畫家想要告訴我們的秘密。
2. 克里姆特被稱為“黃金畫家”作品《吻》是真的用金子繪製的，他是第一個，甚至是唯一一個將寫實和抽象完美融合在一起的畫家。
3. 我們很難相信《吻》是100年前的作品，因為它看上去更像是一幅充滿設計感的設計廣告。女子跪著，跪在懸崖邊，站起來甚至比男人還高。
4. 男人衣服的長方形有稜有角，形容男性。女人衣服圓圓圈圈，還有頭上的花環是現實女性的柔美。是畫家吸取拜占庭的鑲嵌畫設計風格來繪製的。金色長袍上全是寓意情色好偷窺的寓意符號。充滿了濃郁的東方裝飾風情。讓人聯想日本浮世繪和古埃及金字塔的裝飾藝術。
5. 畫中看上去是浪漫的吻，實際上是在強吻，暗示出了男人在追逐女人的時候，是感性多於理性的，甚至會帶來一種壓迫感。
四十七.莫迪裡阿尼
1. 莫迪裡阿尼是當今最昂貴的藝術家之一，他的創作大多聚焦在人物肖像和女性裸體兩個主題。他筆下的人物被誇張地拉長，同時又保持著巴黎人特有的優雅。
2. 拒絕加入任何一個派別。
3. 莫迪裡阿尼和梵高一樣，生前沒有享受的到和他才會相匹配的待遇，20世紀初，最不缺的就是藝術家。他的創作經歷的三個時期：“鬼一樣的時期”、“不高興時期”和“不想穿衣服時期”。
4. 莫迪裡阿尼說他筆下的人物表示的是自己的內心世界，他筆下的女人，和他自己一樣，機器高傲的展示自己的魅力。除了畫布上的女人，他生命中也全是女人，他的情人多的數古過來。
5. 生前的莫迪裡阿尼並不出名，但是在他去世不久，他的畫風靡歐美。
6. 穿上衣服的肖像，大多沒有瞳孔，只有淡藍色杏仁核狀的眼眶，還有的一隻眼睛明亮，一隻眼睛晦暗不明。莫迪裡阿尼說當我看清你的靈魂時，我才會畫你的眼睛。那些眼睛一隻向內審視自我，一隻茫然的看著人世間。
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