*写在前面：
1. 最大的心得是要创作，因为你不知道什么时候会得到认可，为了生前得到认可要健康，这样就是有生年系列。
2. 篇幅有限，图文精炼，有的像素不佳，恳请谅解。
一．美之源：迷人的微笑
1. 古希腊是西方文明源头。
2.公元前8世纪甚至更早，目前留下的主要是石头的艺术。
3.古希腊雕塑分为3个时期，古风时期、古典时期、希腊化时期。
古风时期的雕塑是模仿古埃及的雕塑，类似于当代稍息动作。
但是智慧的希腊人让雕塑拥有了微笑，这是艺术史上的一次飞跃，为艺术注入了灵魂。
二．奥运会举办者的小心机
1. 公元前480年，希腊打了场胜仗，温泉关战役，击败了波斯人的侵略。是电影《斯巴达三百勇士》演的那场战役。
2. 战争结束，雅典成为希腊的霸主。艺术进入古典时期。
3. 战争获胜，但是家园被毁。在伯利克利的带领下，重建帕特农神庙。建筑师：伊克提诺斯，雕刻家：菲狄亚斯。
4. 其实古希腊雕塑是上色的，时间使得颜色剥落，变成白色。
5. 米隆《掷铁饼者》相比原先静态，记录了动态。
6. 之所以会记录动态，是希腊各城邦战争纷乱不止，需要身强体壮的公民，会有评比、竞赛。
7. 目前看到的古希腊雕塑主要是古罗马复刻的。
8. 大英博物馆的《掷铁饼者》的样子和其他的不同，运动员的脸是朝下的。出土时，其实这个雕塑是没有脑袋的，但他们“好心”复原。后来被用来1948年的伦敦奥运会，也算是国际玩笑了。
9. 卢浮宫的米洛的维纳斯和萨摩色雷斯的胜利女神至今也是残疾人，因为不敢轻易复原。久而久之会发现残缺也是一种美。
三．拉奥孔：艺术界扛把子就此诞生？
1. 古希腊的古典艺术是西方古典艺术的最高峰。在进入现代艺术之前就一直砸复刻古希腊。比如说16世纪的文艺复兴，17世纪的古典主义。18世纪的新古典主义。
2. 因为古希腊艺术一直追求的是一种“理想美”理念。你会发现现实生活中没有真人能达到像古希腊雕像那种均匀、完美。
3. 希腊雕塑的脸看起来都一样，好像同一家整容一样出现。
4. 希腊化时期解决了雕塑没有表情的问题。
5. 亚历山大帝国时期，征战扩张，使得希腊版图扩大，艺术互相交融。
6. 希腊化的艺术特点，雕塑的面部开始出现激烈的情绪。雕塑的pose，也开始表现有戏剧性的情节。
7. 《拉奥孔》作品背景：描绘的是《荷马史诗》中的一个情节，特洛伊城的祭司拉奥孔警告同胞不要收下希腊人留下的木马，因为木马里藏着许多希腊士兵。希腊守护神雅典娜害怕拉奥孔的“剧透”会让灭亡特洛伊的计划破灭。于是就派出两条巨蛇从海里游出，把拉奥孔和他的两个儿子死死缠住。
8. 顾爷觉得好的艺术作品会引起人哲学思考。
四．古罗马雕塑
1. 古罗马是西方艺术史又一个伟大的时期，如果说西方的艺术源头是古希腊，那么古罗马则是一条越流越宽的大河。
2. 古罗马高仿古希腊，但也追求务实。
3. 有趣的比喻：古希腊追求完美是美颜相机下的你，古罗马追求务实就是男朋友镜头下的你。
4. 古希腊雕像主要用于膜拜，古罗马雕像是记录，真实性尤为重要。古罗马建筑的浮雕也会记录很多真实事件。
5. 图拉真柱是连环画的始祖，所有的画拉平长约200米。
五．古罗马建筑和绘画
1.古罗马的建筑，提起这个逃不开古罗马斗兽场，其实刚开始是为了维护社会稳定，让暴民把精力耗费在斗兽场，以防他们到社会中制作混乱。
2.现代建筑还在用的混凝土、拱劵、遮阳棚等都是古罗马流传下的。
3.古罗马暴君尼禄·克劳狄乌斯，劳民伤财的建立了黄金屋，使百姓怨声载道，充斥暴民。
4.军人提图斯·维斯帕西亚努斯登上王位，建立斗兽场。
六．末日审判：上天堂or下地狱
1. 了解西方艺术有两把钥匙“神话”和“宗教”
2. 在中世纪的西方，战乱纷争，民不聊生，处在一个非常黑暗的时期，甚至黑死病的迫害。而在此时的老百姓生活在水深火热之中，战乱、灾荒、疾病和灾荒等等接踵而至，最基本的生活也无法保障，因此信仰成为了他们活下去的动力。
3. 基督教在开始登陆欧洲时并不受待见，随着之后的兴起，上帝成为了大部分人们信奉的唯一信仰。罗马政府随后发动了大规模的宗教迫害运动，并且古罗马时期的刑罚十分残酷。
4. 在宗教画中，也常常能够看到死相十分奇特的圣人，画中用他们的死法来纪念他们的英勇行为。
七．神性高于人性：摆臭脸的祭坛画
1. 中世纪基督教教徒被迫害，直到公元312年发现转机，罗马帝国皇帝君士坦丁大帝信奉了基督教。他皈依基督教的原因传说是，他想要得到罗马的权利说耶稣为其托梦说会保佑他的，结果美梦成真了，仗打赢了，然后他就信基督教。逐渐的基督教从地下走到地上，变成了罗马的国教。
2. 东罗马——拜占庭式教堂：通常是由一个圆形穹顶盖在正方体上，形成希腊十字，据说十字的灵感来源于万神殿，最著名的便是圣菲索亚大教堂。中世纪的许多圣人像都摆着一张臭脸，由于当时崇尚神性高于人性（凡人才有喜怒哀乐），所有圣人都面无表情，以此来表现人物的庄严和神圣。圣徒们不在乎神像美不美，而是去感受神像。
3. 西罗马——罗马式风格
罗马式风格形成于封建时代，罗马式的建筑防御性强，外墙厚重，城墙外又护城河，墙通常很厚，里面（朴素）阴森，几乎没有亮光。
八．圣马可大教堂：中世纪的盗墓笔记
1. 基督教修建教堂来保护圣物，也就是殉道者的遗物，掀起了全民朝拜的狂潮。
2. 有信仰的人们（收藏殉道者遗物者）认为这些遗物可以让人实现某些神迹。
3. 圣马可大教堂之所以有名是因为其葬着耶稣大弟子圣彼得遗骸。
4. 圣地亚哥大教堂供奉着的是雅各（最早跟随耶稣的十二宗徒之一）的遗骸。
5. 不同风格的教堂：
（1）罗马式教堂
法国到圣地亚哥大教堂朝圣，朝圣的路上建立教堂来让信众休息，并装潢华丽来吸引更多的信众，而圣外并不一定全是真品。
（2）哥特式教堂
罗马式教堂的基础上形成，是中世纪教堂中集大成的风格，追求一种高度，也就是信仰的高度（上帝在天上），而哥特式发明的交叉肋谷和肋拱顶很好的解决了高度这一技术问题，以一种不可抵挡的方式越建越高。（也解决了采光问题）代表：最高的是科隆教堂（156公尺）、最著名的巴黎圣母院（拉丁十字） 三件圣物：耶稣的荆棘冠、圣钉、圣十字架 。
有趣的是意大利米兰大教堂的圣物也是圣钉。
6. 看教堂的小窍门：如果教堂能够追溯到中世纪的话，它朝向大多坐西朝东，主祭坛就是祭拜耶稣像的位置，它必须是朝东的（原因：东边是太阳升起的地方，东边是朝向圣城耶路撒冷）。参观教堂最佳时间就是日出或日落，因为阳光穿过教堂玻璃，光线非常美。
7. 基督信徒，人死后第一步去棺材里，等最后的审判，《圣经》里面说有一天耶稣会来到人间，审判已经死去的人，让大天使来判断。也就是说，其实这些人都没有去天堂或地狱。因为那一天还没有到。那一天也许是世界末日。
九．文艺复兴起源
1. 文艺复兴，一千多年前的古希腊和古罗马艺术的复古文化，文艺复兴的伟大在于衬托之前中世纪的黑暗，结束了中世纪的黑暗照亮老外脸蛋的一道曙光。
2. 题材和中世纪相同，依然是基督教的题材。许多有名的艺术家也是在为教堂打工。
作品相对来说更具有人情味。
3. 文艺复兴起源于意大利，集结天时地利人和于一体，经济发达的地区同时也聚集了当时的能人以及创作出许多名作。
4. 文艺复兴为何在意大利发源：罗马帝国西罗马属于西欧，公元1453年君士坦丁堡被土耳其人攻占，东罗马学生带领古籍逃亡西欧，最先到达意大利。
十．乔托：文艺复兴时代的乔帮主
1. 圣方济各，神职人员，依托天主教这个超级大IP，成立方济各修道会。由于信徒较多，甚至得到了罗马教廷的认可。
2. 当时欧洲人对宗教态度大致三类：有神论者、无神论者、信而不迷者
3. 方济各的理论是只要做个“信而不迷者”也能上天堂。因为不用天天去修行，只要日常生活中遵守教规，死后一样有机会能够上天堂。
4. 方济各认为教堂是人与上帝交流的地方，觉得其他地方教堂镶嵌的装饰画太过费时费钱了。因此在教堂中开始出现了湿壁画（既朴实又省钱，而且可以传给那些文盲圣经中的教义）。
5. 正是因为教堂有湿壁画的需求，才产生了众多画匠。
6. 教皇尤里乌斯二世任命米开朗基罗、布拉曼特和拉斐尔建造圣彼得大教堂。
7. 文艺复兴之父——乔托 看他的《宝座上的圣母》作品，可以明显看到圣母胸部和膝盖有明显的突起，是一种立体感，这在当时同期的作品中是没有的。
8. 除了立体感，乔托还会控制观众的视觉。比如《哀悼基督》壁画上，画主角耶稣并不在画中心，乔托用背景中的半堵矮墙，将观众的视觉中心引导到了耶稣身上。
9. 乔托之前宗教画中人基本一张臭脸，一方面没有表情显得比较威严，二是一般是神，神应该就是没有表情的。从他之后，画中人物有了表情。
10. 为何乔托画中人物会有表情，因为圣方济各走亲民路线，乔托作为他的“公关总监”自然也会将注意力从神的身上转变到人的身上。
11. 乔托成为第一个给神加上“表情包”的画家。神变得更加真实和亲近。
12. 开启文艺复兴绘画的钥匙有两把，一把是透视，一把是表情。乔托是同时掌握这两把钥匙的男人。
十一．达芬奇·一个专爱挖坑却不爱填坑的梦想家
1. 文艺复兴三杰：达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。
2. 达芬奇：画家、建筑家、雕塑家、作曲家、数学家、物理学家、解剖学家、植物学家等等。
3. 达芬奇有个致命弱点：德智体美劳全部半途而废。因为一直挖坑，所以他就相比同期艺术家，作品就很少。
比如说他一开始想要造一座巨大的骑马雕像，做到一半就突然想要去造一门大炮。刚开始做大炮，他又突然想要去做一种新的颜料。
4. 作品《最后的晚餐》目前在米兰圣玛利亚慈悲修道院的食堂里，《圣经》中的经典桥段，讲的是基督在餐桌前，向12门徒说，你们之中有一个是“狼人”。在达芬奇之前，画家画《最后的晚餐》，通常会把犹太隔离开，而达芬奇没有特意隔离开。而是通过犹太的动作，他心虚把桌子上的盐都打翻了。下意识还攥了一下手里的钱袋。达芬奇的这种画法在今天被称为“行为心理学”。
5. 作品《蒙娜丽莎》在卢浮宫。这幅画看不到任何呆板的痕迹了。源于达芬奇有独门武功“渐隐法”又称“晕涂法”。简单说就是把人物的轮廓模糊，有点像我们现在在美颜相机黎明用的模糊滤镜。这也就说明为何她的表情这么神秘。
6. 通常我们判断人物表情为眼角和嘴角。达芬奇刻意模糊了人物的眼角和嘴角，刻意融入到阴影中。这有种似笑非笑的感觉。
7. 意大利作品为何成为法国国宝？文艺复兴时期的意大利不是统一国家，类似于古希腊的城邦。是由许多独立的城市组成，比较有名的就是威尼斯、比萨。城市之间会互相竞争。万年达芬奇带作品去法国。
十二．米开朗基罗：不会画画的建筑家不是一个好雕塑家
1. 顾爷认米开朗基罗是三杰中最有艺术成就的一位，是长命的艺术家。理由是达芬奇热衷挖坑，拉斐尔早逝。对于艺术家来说活得久很重要。
2. 作品《大卫》是巨型手办。大卫是西方艺术史上最重要的裸男。大卫是圣经里的一名英雄，击杀一位名叫歌利亚的巨人。大卫先是用弹弓将巨人打晕，再用剑砍头。
这个大卫的头部和手的比例比较大，之所以这样是因为它原本要放在教堂顶部，米开朗基罗研究了透视法后，这种比例会非常合适。
3. 作品为西斯廷礼拜堂做的软装，以《圣经》中《创世纪》的故事为题材。从《上帝分开光明与黑暗》、《上帝创造日月》一直画到《大洪水》、《诺亚醉酒》。他是倒着画的，这样就可以让进来的人感觉到堕落的人经过解脱和灵魂的净化一步步重新返回上帝面前的那种过程。其中最动人的就是《创造亚当》，观众会不自觉的将焦点放到两只即将接触的手上。
十三．拉斐尔：文艺复兴时代的小鲜肉
1. 拉斐尔改变了整个文艺复兴的格局，在佛罗伦萨市政厅的墙面软装设计对决选择了“圣母玛利亚”的形象。
2. 拉斐尔不断临摹达芬奇和米开朗基罗的作品，发现前者精髓在于人物的表情，后者是肢体语言。他个人风格是抠细节和柔美。
3. 据说拉斐尔的圣母形象都是来源于达芬奇的《丽达与天鹅》
4. 在当时，人们称赞美女有句话是你长得像“拉斐尔画的圣母”。
5. 拉斐尔画圣母之所以这样美就是因为“不真实”，三分真，七分P。
6. 作品《雅典学院》取材于柏拉图创办雅典学院的故事，脑洞大开的将历史上出现的思想家汇集到一起，开了一场超时空的思想讨论会。他还将自己与米开朗基罗和达芬奇同框出现。
7. 他之所以快速获得成功，一是因为过硬的业务水平，二是因为超高的情商。他可以和每个客户搞好关系。相比达芬奇是一时半会完不成作品，米开朗基罗丑陋和脾气火爆，不能快速结账会跑到战场上要费用。
十四．卡拉瓦乔：巴洛克流氓画家
1. 巴洛克指的是荒诞或者怪异的意思，主要是指17世纪的作品。其实是贬低作品的意思。每一个巴洛克时期的作家都有自己的风格。
2. 巴洛克风格主要起源于罗马。为罗马教廷服务。
3. 美第奇家族出过一个教皇叫做利奥十世，他为了修建圣彼得大教堂设法敛财，设计了一种赎罪劵。
4. 德国神学家马丁·路德金进行了宗教改革，根据因信称义，反对教廷所卖的莫名的赎罪劵，为了反宗教改革，通过想象力让大家对“天国”产生憧憬。由此巴洛克这种戏剧性的作品就诞生了。
5. 比如教堂这类建筑装修很富丽堂皇是为了去吸引那些逐渐脱粉的信徒们。让他们对天国产生憧憬。
6. 卡拉瓦乔是巴洛克代表人物，被称为光影魔术手。身上有两个明显的标签，一是光影大佬（最有身体冲击力度的基督教艺术），二是杀人犯。
7. 他拒绝古典规范，他会注意画中的普通人。因为他知道看画的就是普通人，是讨好观众的方法。他也非常擅长使用光影，非常强烈的光影对比。会让人感到非常震撼以及震惊。黑暗的背景包裹着画面中的人物形象。它被称为“暗色调光影”。
8. 作品《圣马太蒙召》讲得是耶稣走进税务局指着当时的身为公务员的圣马太，跟他说“跟我混吧”。这里的耶稣就是一个普通人的形象，没有像其他基督画中那样的头顶着的光环。
9. 他有作品被退，在他的画中圣母是死亡的状态，在传统中圣母去世是升天前的休憩。但是他画中圣母是死透的状态，他用的是一具泡烂的妓女的尸体来做的模特。
十五．伦勃朗：荷兰光影大师
1. 荷兰信仰新教，主张不能偶像崇拜。
2. 伦勃朗被称为“画布上的戏剧之王”。
3. 卡拉瓦乔的光影是在光亮处直接涂抹白色，与暗区并不贯穿。
4. 伦勃朗的光影在暗区只不过是一块阴影，而且还是有一些很暗的线条在里面，
5. 伦勃朗光：在拍摄对象的45度角的地方设一个光源，它的特点就是在没有照到光的那半边，没有出现光的地方是出现一个倒三角。当然如果你的鼻子不够挺，是不会有倒三角的。
6. 荷兰的艺术家，将镜头瞄准普通人，例如自然风光和市井肖像，伦勃朗的肖像画细节非常精美，光影的独特效果使得他的销量在当时非常的紧俏，里面充满了故事。
7. 作品《杜尔博士的解剖学课》是团体肖像画，从躺着的尸体到杜尔医生以及专注的助手，人物的性格通过他们的面部的表情和动作都鲜明的表现出来。
8. 团体肖像画是由每位画中人物AA出画资。
9. 作品《夜巡》，据说名字由后人起，当时画的不是夜晚。画得是阿姆斯特丹民兵连队出街巡逻的场景。画面中的所有人都围绕着队长的每一个指令。然后犬吠声、击鼓声、枪鸣声一个放射性的构图一下子冲出来。这部作品看起来非常鼓舞人心。但是有些人物只画了半张脸甚至没有脸，所以不满将伦勃朗告上法庭。之后伦勃朗一蹶不振。
10. 伦勃朗很爱自画像。
11. 一个画家怎么看出其伟大，一是看他影响了多少人，那这些人是否伟大。二是他还要有一个非常与众不同的地方，比如伦勃朗他所有的画都是接到订单后的画，也就是说他可以把订单变成伟大艺术品。
十六．“迷之男子”维米尔与一手打造“丝袜美男”路
1. 作品《戴珍珠耳环的少女》，它被称为北方分“《蒙娜丽莎》”，画中少女神秘的眼神，微微张开的嘴唇，以及那种似笑非笑的表情，会使观赏者产生无限的遐想。而且少女身份本身是个迷，这都给我们巨大的想象空间，于是神秘成为维米尔的代名词。
2. 维米尔是一个极其低调神秘的画家，从他的自画像就可以看出这点，因为他留给我们的自画像就是一个迷人的背景。巴洛克画家都喜欢在自己的画中表现光影，维米尔是当之无愧的人肉相机，他的绘画原理和相机的原理有异曲同工之妙（小孔成像原理）。在他的粉丝中，就有梵高、达利这样的大神们。
3. 维米尔的手脚非常慢，他画一幅画平均需要花半年的时间。所以他绘制了“名片”在画屋中。
4. 利用光学原理，把绘画的对象投影到一个暗箱中，然后把它描下来。
5. 维米尔会把细微的潜意识的东西放到其画中，因为荷兰信奉新教。会用隐喻手法，让观赏者去推理和解密。
6. 作品《情书》把观众带进一个荷兰民居。一个女子一手拿着鲁特琴，一手拿着信。鲁特琴在传统中是爱情的象征。不难推理这个女子正处于热恋期中。
7. 顾爷用物以稀为贵来形容其作品。
8. 他的很多作品到今天也猜不到其含义。
9. 普桑是十七世纪法国艺术的开端，他甚至可以说是与意大利文艺复兴三杰平起平坐的殿堂级大师。他的成就代表法国艺术的崛起。因此被称为法兰西绘画之父。其创作灵感来源于宗教与精神世界的探索。
10. 普桑一开始成长之路就是模仿，比如提拉和拉斐尔。再形成自己的风格比如说庄严的、宏大的，但是却又是很克制的。
11. 普桑很认真的总结出一套自己的绘画理论，在普桑努力下巴洛克绘画风格多了一个选项，就是古典绘画。比如《劫夺萨宾妇女》。
12. 作品《阿卡迪亚的牧人》表达普桑对感性和理性之美之间的和谐的痴迷。其实说白了就是“好好画”和“瞎话”之间游走。
13. 法国君主制到达顶峰，法国艺术围绕一个人，就是国王路易十四。一个自称为太阳王的人。
14. 路易十四在位期间的建筑宏伟，强化了君主制所信仰的权威。具体体现在凡尔赛宫的宫廷和花园。但也由盛转衰，变成了略带伤感和萎靡的逸乐之美。
15. 意大利的巴洛克，非常戏剧性、非常激情也很夸张。荷兰的巴洛克却有一种平静、朴素的风格，经常展现在民俗画、静物画、肖像画。
16. 十七世纪的艺术家所共同关心的一些话题例如情感的张力和色彩的处理等等都为十八世纪的艺术打下了非常扎实的基础，形成了后来的洛可可这种复杂华丽的技术浪潮。
十七．洛可可：王公贵族的最爱
1. 洛可可是由两个法国单词组成的，意思的石头和贝壳。早期的一种装饰风格。线条是错综复杂的，用贝壳装饰。比如苏比斯府邸。无限堆砌、极度精致的审美也体现出了当时法国贵族们随行所欲、及时行乐的状态。
2. 让·安东尼·华托迎合贵族心态，创作出游乐画的画风，为早期的洛可可绘画艺术奠定了基调。
3. 与庄严大气的巴洛克截然不同，洛可可绘画更为轻松欢快，也反映出了当时贵族们对欢乐的最高追求，也就是爱。通过细微的色彩差异和深浅的变化使得画作丰富绚烂。后来的艺术家门把欢乐无限放大，再加上了一个女人的出现，把洛可可推向的高潮。
4. 华托作品《发舟西苔岛》描绘了一群贵族青年男女来一个岛上谈情说爱的场景。看似普通的游乐画，却是其代表作。
从画地址西苔岛说起，相传维纳斯从海上诞生后被风神送到了西苔岛，因此这里被称为能够找到完美爱情的岛屿。华托还在画中加了维纳斯的雕塑和漫天飞舞的丘比特。暗示着有女生的庇护，红男绿女们就可以尽情的与红尘作伴。
5. 华托作品多受鲁本斯画作影响，十分强调色彩，他通过细微的色彩差异和深浅的变化，让他的画作丰富而绚烂，展现了洛可可的欢乐。更可贵的是华托还在画作中加入了对欢乐的反思。那就是生命即逝，不如及时行乐。因此在那些看似欢乐的作品中总是萦绕着一种淡淡的忧伤。这种复杂的感情在之后的洛可可作品中很难看到了。
十八．蓬巴杜夫人：史上最成功的情妇
1.18世纪30年代以后，洛可可艺术高速发展，并在法国达到了鼎盛。如果说巴洛克具有男主阳刚的气概，洛可可则散发着女性的柔美，那是因为它的最大推手就是一位女性。
2. 法国国王路易十五的首席情妇：蓬巴杜夫人。在成为蓬巴杜夫人之前，她叫做让娜·安托瓦内特·普瓦松是一位贵族的妻子。在一次宫廷的化装舞会上扮演成狩猎女神狄安娜的让娜牢牢抓住了路易十五的心，之后就被封爵，开始常常进入凡尔赛宫。从此蓬巴杜夫人步入历史舞台，并影响了整个法国的艺术走向。蓬巴杜可以说死法兰西第一流量以及带货女王。
3. 她推崇一美化女性压倒一切的风尚，受到了上流社会的追捧。大家跟着她把原来刚硬的宫殿变得柔美而雅致，把蕾丝和花边绣满长裙，把头发向上高高竖起。还把性感的黑痣点在脸上。她喜欢中国风，对这些来自东方的神秘精致工艺所折服，于是主持设计了一批中国风洛可可瓷器。她偏好粉红色，让墙纸、瓷器和服饰中都出现了这种娇艳欲滴的颜色。直到现在还有一种粉红被称为蓬巴杜粉。她热爱文学与艺术，常常在凡尔赛宫举办沙龙，并资助很多艺术家。伏尔泰称赞她为“有一个缜密细腻的大脑和一颗充满正义的心灵”。
4. 洛可可代表艺术家布歇和蓬巴杜夫人的品味相投，能看到很多中国风元素、粉红和嫩绿。作为其御用画家，共为其绘制14幅肖像画。
5. 纵观西方艺术史有很多裸女的形象，但是布歇的裸女直白的充斥着肉欲让同时期的狄诺德大骂他的画和人品都是垃圾。
6. 如果说华托的作品是小清新，布歇的作品是重口味，布歇徒弟弗拉格纳尔就是重口味小清新。
7. 弗拉格纳尔的画常以森林或花园为背景，让人赏心悦目，同时画中的人物欢快明艳，还藏着一些不可告人的小秘密。比如说《秋千》一位老男人在给一位少女荡秋千，一个轻狂的男子在花丛中看着少女荡秋千。这三个人是什么关系呢？这幅画是由圣居里安男爵委托定制的。但当时并不是给弗拉格纳尔的，当时那位画家听到男爵的要求是主教给男爵的情妇推秋千的场景便立刻拒绝了，还推锅给弗拉格纳尔。弗拉格纳尔欣然接受，并做了一些改动，将主教改成男爵情妇的老丈夫，并把男爵也加入其中躺在地上欣赏这一切。
除了人物混乱的关系也暗藏真很多小秘密，洛可可时期荡秋千不是简单的游戏，而是带着情色隐喻。情妇坐在秋千上，双腿微张，要知道18世纪还是没有底裤这种东西的。犹抱琵琶半遮面永远比开门见山来得高级。
8. 弗拉格纳尔的画有格调又有情趣， 很快受到贵族的青睐。他共创作出超过550幅油画。
9. 法国大革命后诞生了新古典主义艺术风格。
十九．大卫：是革命的画家还是墙头草
1. 新古典主义（文艺复复兴）是欧洲社会的又一次复古，17世纪欧洲进行了大量的扫盲道路（启蒙运动），于是人们又重新以理性的方式思考古典文化，并且在当时国家高于一切，个人情感要服从于国家的现实利益。
2. 公元前500年，希腊共和制时期闪耀着民主和自由的光芒，而这一时期的艺术也是最被推崇的。它们被称为“高贵的单纯和静穆的伟大”。
3. 代表画家：雅克·路易·大卫。他不仅是个艺术家还是个画家。他一生中重要的作品都与法国社会的变革紧紧相连。他希望他的艺术能够为政治服务。
4. 作品《贺拉斯兄弟的宣誓》来源于古罗马的一个历史故事，贺拉斯的三兄弟将代表古罗马和来自阿尔巴的库利亚提乌斯兄弟进行决斗，画作表现的就是在临行前的一幕，三兄弟眼神坚定，视死如归。对着父亲手上的宝剑宣誓，而此时贺拉斯家的女眷们却心乱如麻。贺拉斯家与库利亚提乌斯家早合为亲家，女人们既担心自己的丈夫也担心自己的兄弟，手心手背都是肉。画面中男人和女人的强烈对比，传递出国家高于一切，个人情感要服从国家利益的现实意义。除了内容题材，油画中的人物的服饰及背景建筑也能看出大卫对古罗马艺术的了解和热爱。这幅画创作于1784年，在法国大革命之前，当时局势十分混乱，对外连连打败仗，对内民不聊生。
5. 受启蒙运动的影响，人们认为君权不是神授，人人在法律面前平等。在这样的背景下，大卫的《贺拉斯兄弟的宣誓》诞生了，理性是大卫的新古典主义风格。他鼓动着人们去投身革命，虽然会有代价，但是为了美化的明天，这个乱世需要无畏的你去改变。大卫将一生奉献给革命，他的画作充满了激情，是他革命的武器，他爱穿越回古代，寻找革命的痕迹并展现在他的画作中。
6. 1789年7月14日，法国大革命爆发。大卫加入雅各宾派。大卫好友马拉不幸遇刺，为缅怀这位亲密的战友，大卫画了幅《马拉之死》。马拉明明是刺杀，但是画面没有血腥，反而有一种迷之祥和。大卫是想把马拉塑造成为了革命而殉道的圣人。在一片漆黑中一束光照在他的脸上，宁静而安详。下垂的右臂和躺着的姿势，如同耶稣下葬的姿势，整幅画流淌着新古典主义的血液：静穆的伟大。
7. 1794年热月政变，雅各宾派下台。大卫被捕了。他最痛苦的就是理想破灭了。他整个人开始丧了起来，他的画都是一些自然风景。
8. 然后一个“小男人”的出现，再次点燃了大卫的热情。1799年拿破仑执政，他对外击溃多国联军，对内稳定局势。拿破仑也喜欢古典艺术，他和大卫惺惺相惜。
9. 作品《跨越阿尔卑斯山的拿破仑》描绘的就是一场与奥地利的战斗，拿破仑冒着雪崩的风险，越过圣伯纳山险坡。带领军队攻入敌军的腹地，取得胜利。大卫以古希腊雕塑为典范去创作，从战马的肌肉线条到拿破仑披肩的纹理都极像雕塑。同时他又巧妙地运用对角线的构图，让拿破仑挥手勒马，让他的形象立马高大起来。
10. 1804年12月2日拿破仑称帝，随后大卫又献上他的鸿篇巨制《拿破仑一世及皇后加冕礼》大卫并没有歌功颂德这一场景，而是继续保持了他的新古典主义风格：理性。他把这个典礼变成了一个舞台剧，在舞台中央刚刚加冕的拿破仑，霸气地从教皇手中抢过王冠直接赐给皇后约瑟芬，而舞台两边分别站着一脸不满的教会人员、心怀恨意的老贵族以及得意洋洋的拿破仑的追随者。大卫真实的描绘了这一宏大的场景以及背后的各种冲突，还反映的当时法国政局暗流涌动。很可惜这暗流最终吞噬了法兰西第一帝国。
11. 1815年拿破仑遭遇滑铁卢，被流放到圣赫勒拿岛，波旁王朝复辟。而大卫也被驱逐出法国，客死他乡。
12. 古为今用就是新古典主义的核心。
二十.戈雅：打破18世纪传统的精神分裂创造者
1. “浪漫”在早期不容易定义，有贬义的意思，浪漫主义所追求的是感性的、解放的、激情以及个人的冒险。经常用隐晦不明的光线，使画面在神秘朦胧间让人产生更多的联想。
2. 西班牙画家弗朗西斯·戈雅是一个天才画家，两次报考皇家学院都尚未被录取，荣宠加身的戈雅在世绘画肖像画、历史画和教堂画。1799年他成为首席宫廷画家，创作了《查理四世一家》这类的作品。戈雅将他们还原成具有人性的动物，虽然他们穿着高贵的衣服，但从人物神情和他们虚假的姿势来看极不协调。就连衣服都像是偷来的。戈雅采用了最炫丽的笔法，这种笔法甚至超过了委拉斯凯兹，有一种充满力度的用色，为画面平添了无限的生气。整幅画闪耀着夺目的光芒。
3. 荣宠加身的戈雅在47岁神秘染病失聪，由此开始转向探索自己的内心世界。失聪前他用最明亮的色调谱写着宫廷中的诙谐曲，失聪后他的画作便呈现出了一个“黑化”的世界，打破了18世纪传统画家和新传统的创造者，将浪漫主义推向了绝无仅有的高潮。
4. 《奇想集》中赤裸裸的揭露出社会的黑暗，教士的腐败，西班牙社会的浮夸，
5. 在《战争的灾难》中记载各种残暴的行为，他也是最早把版画用于教化的艺术家之一。
6. 代表作《1808年5月3日枪杀起义者》画面中一边是绝望无奈的民众，他们有些已经倒在血泊中，另一边是没有露脸的士兵像机器人一样在杀人。在斜坡前一个全身发光的男子吸引了我们的视线。他是第一位将普通村民画成英雄的人物。光男双手成X充满动感。
7. 如果想描绘战争的灾难就要回归戈雅，如果想要呈现无辜百姓的牺牲也要从戈雅来说。
8. 近代绘画始于戈雅。
二十一.《自由引导人民》：原来你是这样的自由女神
1. 库尔贝只画他眼中的现实主义，坚持将视线放在日常生活中的普通人身上。
2. 米勒提出了“面对自然，对景写生”的口号，建立了“巴比松画派”。
3. 米勒笔下往往出现真实而有时有点伤感的乡村生活场景。他倾向于那些在土地上劳作的人们。
4. 在顾爷看来，米勒的愿望就是用微不足道的东西表现崇高。比如《拾穗者》。
5. 米勒是梵高的灵魂伴侣。梵高非常崇拜米勒画面中无限趋于真实的感情，他说要是我笔下的人物看起来很美，那我要绝望了。
6. 米勒的艺术是单纯而简朴的，画面上没有华丽的表达，也没有技巧的炫耀，更多的是感情的凝结，也许这就是他要传递给我们的最真实的感动吧。
7. 浪漫主义是一种抛弃逻辑，任凭天赋引领的特许，
8. 戈雅通过对世界的观察，重新认识了人为生存而进行的斗争，德拉克罗瓦的绘画体现了热情与自发性，而浪漫主义中关于幻想的部分引起了一部分法国画家的反感，至此现实主义应运而生。现实主义的技巧在以后更发展为了印象派。这就是19世纪的艺术，既有浪漫主义又有现实情怀。
二十二.印象派：派系名字居然来源于一个笑柄
1.17世纪的法国，如果你想出名，唯一的做法就是在法国艺术沙龙中展出自己的作品，参加过展览的作家可以顺利进入体制内，端上铁饭碗，但能不能被选中，完全由院内的老专家们来决定。
2. 但老专家们认为只有一种标准就是重度磨皮的维纳斯们。
3. 但艺术便是用来被颠覆的，四个叛逆的小子开水大胆的尝试，用多重的色块和狂野的笔触，去捕捉真实的景色。在创新的道路上，小团队不断壮大。在经历多一段时间的磨练和困难，最终建立了“无名艺术家、画家、雕塑家和版画家协会”。这是个股份公司，只谈艺术不谈钱。
4. 之后莫奈抱上一条大腿，巴黎有名的摄影师：纳达尔，纳达尔免费为他们提供场所，举办了讨厌老专家的画展。这次画展没有取得头条，唯一有讨论度的就是莫奈的《勒阿弗尔港口的写生》当时莫奈随便给它取个名字《印象·日出》结果这个让人看不懂的标题成为艺术批评家陆毅-勒鲁瓦的笑柄。
5. 印象派的风格就是没有风格。解放了色条，解放了线条，成为传统艺术和现代艺术的转折点。不过这个转折点背后还是要感谢社会的发展，第一是绘画工具的进步，可折叠的画架以及颜料管、平头笔刷。第二交通工具的发达。第三相机的诞生。
二十三.莫奈：大侠的打怪升级之路
1. 莫奈的“日出”画的就是他的家乡，大胆的用色和狂野的笔触给人留下深刻的印象，而且莫奈在艺术史上拥有这不可替代的地位。
2. 《印象·日出》中画出烟筒，烟雾缭绕。
3. 莫奈和巴其耶喜欢跑到户外去观察自然的光影变化，然后画朋友们的日常生活。
4. 莫奈还野心勃勃的用两倍真人大小的画布，画了幅朋友的野餐图，
5. 莫奈通过在户外对光影的观察，在画作中表现出了光线强烈的对比，明亮的阳光很深邃的阴影，这种鲜明的光线对比。
6. 莫奈和雷诺那在一起的时候也摸索出一个新的招式。他们去塞纳河边的潮人聚集地，青蛙塘。记录了当时最时髦的活动景象，最让人吃惊的是莫奈的绘画方式，他用黑、蓝、白、黄绿四种颜色直接涂抹在画布上，近看就是一条条色块堆积在一起，如果站远一点，那水面似乎真的荡漾起来的。这就是莫奈的独门绝招“色彩分割”，
7. 因为普法战争，莫奈逃到英国，在伦敦他看到透纳和康斯坦勃尔的真迹，并参透到了其中的奥义，之后莫奈对光、风和速度这些抽象事物的掌握能力攀升。
8. 莫奈独门绝学“连作”，对着同一场景，描绘出不同时间和季节的变化，简单说就是和时间赛跑。他经常同时架好几块画布同时作画。
9. 作品《鲁昂大教堂》连作中有名作品。
二十四.雷诺阿：爱画美人的幸福画家
1. 关系好的艺术家都是臭味相投的，他们大概有相同的审美和相似的画风。
2. 雷诺阿对美人的爱，从模特丽莎开始。
3. 一开始雷诺阿的创作偏向古典主义的风格，线条和用色也比较保守。之后雷诺阿进行了艺术革命，用闪烁、轻柔的笔触去表现光线，用更多的颜色表现阴影。他笔下的女人无论静或动，都是楚楚动人。
4. 作品《红磨坊的舞会》看到为之欢乐。
二十五.德加：死不承认自己是印象派的奇葩
1. 德加是贵族出身，备受安格尔肯定并且强调注意画线条。这句话对德加影响很大。
2. 游学意大利，临摹了大量文艺复兴的作品，受到朋友马奈的影响（愿意捕捉动态场景），德加之后的作品画风答辩，舞女在他的作品中数量占了一半，他可以用一幅画，一个动作带出一场戏，将每个动作都描绘的如此生动。同时他笔下的裸女也是更加真实，在画中以居高临下的视角画女人。
3. 作品《贝莱利一家》很有趣，别人家的全家福都是喜气洋洋的，可她姑姑全家却死气沉沉的，因为当时德加的爷爷刚刚去世。
4. 德加年老看不清，用彩色粉笔，使得他后期的作品很绚烂。
二十六.保罗·塞尚：现代艺术的爸爸
1. “后印象派”中塞尚和修拉是完善印象派的。有的与印象派发生分歧比如高更和梵高。
2. “后印象派”是承前启后的时期。
3. 塞尚、梵高、高更三个半路出家，大器晚成、非科班出身。都被拍成电影或小说分别是《杰作》、《渴望生活》、《月亮与六便士》。
4. 塞尚《现代奥林匹亚》是致敬马奈的《奥林匹亚》。不过塞尚胆子更大，他把自己也画进去了，他大胆的看着裸女。受到了公众和艺术评论家的一致恶评。
5. 《奥林匹亚》中马奈用妓女代替传统的裸女优雅女神的形象。
6. 塞尚发小左拉一直支持他，左拉是当时有名的畅销书作家。
7. 塞尚并不赞成印象派过度强调捕捉，物体在自然光线下变化的理念。他甚至认为这么画太凌乱了。塞尚曾说我想把印象主义变成某种稳固持久的东西，就像博物馆的艺术品一样。他的这个理念体现在了他画中井然有序的结构和构图中。而静物图也成为他的最佳题材。因为在静物图里艺术家可以自由选择他们想画的东西，也可以把东西放在自己喜欢的任何位置上，在塞尚静物图里最常出现的水果就是苹果。他曾说过：我要用一个苹果让巴黎大吃一惊。
8. 塞尚将前辈们运用的“单点透视法”变为“多点透视法”，创造了一种新的观察方法，打破了古老的传统透视法则，让观众们看到的是艺术家想让你看到的东西，从此，绘画不再是对自然的简单模仿了，这套画法后来还启发了毕加索，开创了立体主义，开启了现代艺术的大门。
9. 塞尚早年不被关注，在晚年才逐年被年轻一代画家关注，被称为“现代艺术之父”。
二十七.梵高：计划周详的创业梦为什么没有实现
1. 梵高出身于牧师家庭，做过传教士、律师和教师等工作，大概是因为做过传教士工作，所以梵高特别关注社会最底层的农民群体，最崇拜的就是米勒。
2. 梵高早期的作品《吃土豆的人》，沉重阴郁。手粗糙又有力，梵高说他之所以这么画是因为他想让看画的人知道，这些吃土豆的人，就是用伸进盘子里的手，同一双手站在地里把土豆欧抛出来的。
3. 在巴黎弟弟的帮助下，他认识了印象派人物。画作告别了早期的黑暗，变得光明起来了，他的梦想便是要建立一个像英国拉斐尔前派兄弟会这样的艺术组织。
4. 作品《向日葵》是标准的静物画，但是它却给人躁动不安的感觉，花瓶里插着15支向日葵，但是没有一支是“完美”的，它们插得东倒西歪。
5.. 据统计梵高一生画过11幅向日葵，在此之前梵高有一项绝活就是运用对比色。
6. 在他的画中我们常常会看的黄配蓝或者红配绿，这种大胆的配色，这种搭配也给人一种强烈的视觉冲击力。但是在最有名的《向日葵》里，他打破了这种对比色定律。它的背景也是明亮的黄色，在之前的静物画背景都是黑色的，因为这样更容易突出你要画的东西。梵高这样做事非常大胆，然而效果出奇的好。黄色色块和黄色色块之间，不仅相互呼应，而且让人看着很舒服，如果仔细看这个背景，你会发现它不是平涂的，而是十字笔触，是一笔一笔画出来的。这么做不仅会让观众觉得不单掉，而且还产生一种“闪烁”的视觉效果。最后的点睛之笔是，梵高用钴蓝色的颜料，勾出瓶身和水平线。
最特别的是普通画家一般都会把自己的签名签在画面的边边角角，因为这样不会破坏画面，但梵高却把他的签名签在了花瓶上，有种这个签名就是花瓶上的花纹似的。与其说这是一幅油画，其实它更像是一座浮雕。因为画中某些地方的颜料非常厚重，厚到已经凸出了画面，变成“立体”的了。这其实是梵高的另一种绝技，叫做“厚涂法”。这样能够大大加大颜色的表现力。
7. 后期高更和梵高一起生活，但由于艺术理念的差异，而分居。比如高更更会借助想象力作画，而梵高更喜欢到户外写生；高更喜欢平涂，梵高喜欢厚涂法。仅相处了两个月后，高更就想离开梵高，得知唯一互粉的好友要取关自己了，让梵高大受打击，甚至让他一度精神失常，最后酿成艺术史上最著名的自残事件——割耳事件。后来一只耳的梵高住进了精神病院。
8. 作品《星月夜》原本静谧的夜空因满天闪烁的星辰，变得格外明亮。向上螺旋升起的柏树，占据了前景的重要位置，与一旁教堂的尖顶互相照应。原本应该平静的夜晚，却在梵高的笔下变成了像旋涡一般不断旋转的喧闹景象。
二十八.高更：一幅诠释西方哲学终极问题的画
1. 高更更感兴趣的是原始部落的单纯和直率，因此后期离开了巴黎去往法国西北部的布列塔尼的阿旺桥村，完成了他的第一幅绘画。
2. 作品《布道后的幻想》画面描绘了布列塔尼的妇女刚刚在教堂听完圣经故事后圣经中的神迹，雅阁遇上上帝就显现在她们的眼前。占据画面前景的就是布列塔尼的妇女，她们头戴特别显眼的白色礼帽，穿着一身黑衣。白色的帽子和红色的背景形成了强烈的对比。在画里高更抛弃了传统的透视法和印象派的色彩表现手法。他先用结实的线条，勾画出了对象的轮廓，再用没有调和的纯色平涂。这种手法明显示受到了中世纪的那些彩色玻璃的影响。用一棵树分断画面两边的做法是受到了日本版画的影响。
3. 作品《万福玛利亚》画上只有热带小岛上的土著人，高更完全摒弃了传统画风，把圣母和圣子从白人变成了土著人，本来怀抱圣子的圣母也变成了肩扛孩子的健壮土著女人。要是他们头上没有光环，相信谁也不能知道高更画的是圣母子。
4. 作品《我们从哪里来，我们是谁，我们要往哪里去》这是西方哲学的终极命题，高更更想描绘一个伊甸园样的场景。它采用长方形的构图，表现了生命的三个阶段，一个刚出生的婴儿，被画在了画面的最右边，还有三个年轻妇女围在他的周围好像在问“我们从哪里来”，画中画的是“我们是谁”，中央最显眼的女人正在采摘果实，在这样高更很明显示想要描绘一个塔希提版的夏娃，有意思的是女人背后有两个被阴影笼罩的反派角色，他们披着披风躲在树旁，这两个人代表了被现代文明开化以后的人，他们虽然穿上了衣服但是却面带痛苦，而对那些没有被文明开化的人来说，生活却是如此的单纯和快乐。左边一点有一个神像，它是当地的守护神，神像双脚扭转向两边分开，这是在模仿埃及人的人像，再看画面的最左边，有个年迈的老人，他的脸色和白发都代表了他将要死亡的命运，显然在这样高更想要标的“我们要往哪里去”的主题。画面左上方有一个金色的底色，上面写了这幅画的标题和署名。这种形式模仿了中世纪拜占庭的神像。整幅画可以说是对不同地域文化、宗教和历史的创意结合，也是高更对自己艺术手法的最后总结。高更也称这幅画可以与“《福音书》”相比。
二十九.修拉：号称点王之王的新印象派掌门人
1. 修拉有扎实的素描功底，对色彩的分析更加科学和理性，发明了“点彩法”。
2. 有人认为他应该是“新印象派”掌门人。也有一部分人认为修拉应该属于“后印象派”。
3. 作品《大碗岛的星期天下午》，在1886年最后一届的印象派画展里，这个时间点很重要，意味着印象派的没落和后印象派的崛起。在画中右边有个“最大的”人，她牵着一只猴子，这个猴子在草稿纸上并没有，说明是画家思考再三画的，也是画家给我们解读这幅画的密码。猴子有性欲的意思。
4. 他发现如果浅绿色和深绿色并列排放，浅绿色会变得更浅，深绿色变得更深。
5. 修拉、梵高、高更和塞尚对艺术的探索，也是为了走出印象派这一死胡同。
三十.达利：让人无限遐想的软绵绵
1. 达利最崇拜的艺术家是17世纪的巴洛克画家委拉斯凯兹，达利从属于超现实主义门派。
2. 委拉斯凯兹的作品《宫娥》和达芬奇的《蒙娜丽莎》以及伦布朗《夜巡》一起并称为“西方艺术史上三大名画”
3. 他的两撇胡子是在致敬他的偶像委拉斯凯兹。
4. 他的软趴趴的表出自其代表作《时间的永恒》
5. 超现实主义把弗洛伊德奉为精神导师，认为眼睛看到的东西只是表面上的现实，埋藏在无意识的东西才是最真实的。而这个无意识世界可以通过我们的梦境来表达。超现实主义者喜欢描绘梦境，所以才会有不受理性约束、天马行空，充满想象力的东西。
6. 达利另一种绝活是“双重视像”，因为我们在梦中会有场景叠加在一起的感觉。作品《奴隶市场与消失的伏尔泰半身像》，两种不同的世界杯巧妙地结合在一起，双关表达手法，有趣极了，需要认真仔细，不同视角观看。
7. 达利有个好友是被称为“观念艺术之父”的杜尚。他把倒着的小便池当作作品上交，结果没有想到这个叫做《泉》的作品却成为了艺术史上划时代的作品。你的作品只要能够表达出你的观念和想法，这就够了。现在千奇百怪的当代作品都是受此而启发。
8. 每天早上都会很开心，问“今天这个达利会带来什么奇迹惊喜呢？”
9. 20世纪的艺术家就像是哥伦布那样的冒险家，他们一生都在发掘探索，为的就是把叫做“艺术”这个版图扩大。
三十一.油画名作中女神维纳斯的秘密
1. 在西方艺术史上有三个女人不得不知道，夏娃、圣母玛丽亚和维纳斯。
2. 维纳斯的罗马名字，古希腊名字叫做阿芙罗狄忒。
3. 维纳斯为何站在贝壳上，是在贝壳中诞生。
4. 作品波提切利《维纳斯的诞生》、提香《乌尔比诺的维纳斯》、其中乔尔乔内《入睡的维纳斯》被称为文艺复兴最美裸体画。
5. 侧卧的维纳斯是很多画家最喜欢的姿势。
6. 印象派后，艺术家们开始更加关注日常生活中的题材，维纳斯也走下了神坛。不再是西方艺术的主流题材。毕加索《维纳斯和丘比特》。
7. 只要我们对于美的追求不断，维纳斯的题材也一定会延续下去。
三十二.达芬奇用X光扫描后，天使会消失的报喜图
1. 达芬奇画的更多是《圣经》中的故事。
2. X光扫过后，发现《报喜图》是由达芬奇和维罗奇奥老师共同完成的作品。维罗奇奥是喜欢有铅的颜料，达芬奇喜欢用无铅颜料。X光下只有玛利亚。
3. 《天神报喜》加百列告诉玛利亚，上帝让她帮忙生个孩子。
4. 维罗奇奥曾经教过达芬奇，《耶稣受洗》也是两人合作完成的。左下角天使就是达芬奇画的，据说维罗奇奥看到这幅画后直接被达芬奇画的这个小天使秒杀了，从此再也不画画了。
三十三.皇家洗浴中心洗的不是人，居然是马
1. 赵孟頫是中国历史上身份最纠结的一个画家，他自己明明是宋朝皇室的后裔，他的太爷爷还是审美最高的皇帝宋徽宗，但他本人却在元朝做官。
2. 赵孟頫作品《浴马图》，元朝是马背上的民族，对马的待遇很好。画面的右边，是皇家洗浴的第一步“入池”，中间是皇室洗浴的第二步“洗浴”，最后一步就是“出浴”。为了表现马的惬意，画了一匹拉臭臭的马，没想到皇帝看到这一幕，反而觉得很有生活气息。对这幅更加喜爱的不得了。赵画的是唐朝人，赵还是在画自己。赵孟頫画马成痴，也为此做了很多的观马工作，晚年便很少画马了。感觉画马就是在画自己，画中的马都是被统治者养在笼子里的千里马，受到了禁锢，正如此时正在元朝当官的自己。
三十四.为什么《捣练图》的顺序怎么看都不对
1. 相传是宋徽宗领导下宣和画院临摹唐代张萱所作。
2. 捣练本身是一种劳作，但是却被赋予了诗意，表达女性闺怨寂寞的题材，
3. 现实顺序是先捣练再熨烫，最后再缝制。缝制却被夹在画面中间。
三十五.从此看懂所有老千主题绘画
1. “大吉大利，今晚吃鸡”来源于美国电影《21》。
2. 卡拉瓦乔《打牌作弊者》擅长营造戏剧性场面，通常来讲，一幅油画只能展现动作的一瞬间，而卡拉瓦乔擅长捕捉最重要的一瞬间，而他本人也是一个被画画耽误了的老千。
3. 因为中世纪犹大就是穿着淡黄色的衣服，所以这个颜色代表了背叛和欺骗。
三十六.你能数清这幅画有多少人吗
1. 《清明上河图》长5米多，前面是引首，再是隔水，接着是画心，然后又是一个隔水，最后是题跋。
2. 荒郊、城乡结合部、汴河码头、高级游轮、虹桥、十千，城墙附近，左边是内城，右边是外城。
3. 拿扇子是不想和你说话。
4. 题名“清明”不是春天，是时代的状态，是当时的太平盛世。
三十七.为什么画里的人都盯着我
1. 达利曾经向毕加索借500元去美国跑路，结果毕加索还是借了。只因达利说了一句：我的胡子是在模仿委拉斯凯兹，听到偶像的名字，毕加索的脑子瞬间就短路了。
2. 《宫娥》被称为是西方艺术史上最神秘的作品，神秘的是当你对着画看的时候，画里有很多谜团，到现在都还尚未解开，比如盯着画你会发现画里的人都看着你。
3. 镜子中反射出国王与王后，那公主自然盯着你看。
4. 毕加索甚至说过自己58幅画都来自《宫娥》。
5. 画家委拉斯凯兹之所以在画中，是因为，原本是画的给公主权杖的年轻人，可是后来王后又生了王子。为保证写实，只能把唯一在场的画家画入其中。
三十八.为了一个男人，诞生了最著名的一幅向日葵
1. 梵高一共画11幅向日葵，先画的4幅巴黎版本向日葵，只有高更比较感兴趣，当时高更是小有名气。高更有一半秘鲁血统，向日葵是从秘鲁引进。
2. 阿尔勒四幅向日葵是最有名的、艺术成就最高的向日葵。
3. 第三组是拷贝版向日葵。
三十九.古代间谍最需要的是优秀的绘画功底
1. 《韩熙载夜宴图》是间谍画。
2. 李后主处于对韩熙载的怀疑，而派出007号特工周文矩，为李后主直播了海天盛筵。
3. 比如《柳塘牧马图》就是出色的间谍画。
四十.大概是世界上唯一一个评为5A级旅游景区的风月场所
1. 《红磨坊》的灵感来源于一个叫红磨坊的歌舞厅，雷诺阿、梵高和劳特列克都在这里打卡签到过。
2. 红磨坊的前身，歌舞活动在室外；而后成立了歌舞厅，把歌舞表演移到了室内。在这两个时期都出现了很多著名作家的画作。红磨坊造就了海报艺术，劳特列克的海报审美影响了许多新兴的艺术家。
四十一.芭比娃娃和自由女神外的另一个美国象征
1. 不知何时开始，哥特式妆容迷之流行起来。格兰特伍德就是凭借《美国哥特式》，成为通告接到手软的画家。《美国哥特式》和自由女神像、芭比娃娃等一起被称为美国的象征。
2. 画中可以体现“哥特”是有两个地方：一个是这对男女；另一个是房子上的窗户。这幅画批判了美国的殖民统治；还有更深层次的含义：不做逃避历史的“圣母婊”，直面曾犯下的错误，在遇到困难是，他们直面自己犯下的错误，面对困难时誓死捍卫自己的家园。
3. 关着窗户是美国葬礼的习俗，再看形状是不是有些像墓碑。在基督文化中三叉戟代表着死亡。创作于1930年，是美国大萧条时期。三叉戟是耕地的工具，又代表着拼搏和反抗。窗户的纹路和三叉戟相似，预示着拿着三叉戟的男人要保护窗户里的东西，而窗帘和女人的衣服很像，女人代表孕育，所以窗户里是个全新的世界，是全新的美国。这才是《美国哥特式》想要讲述的美国精神。
四十二.乾隆爷爷看完都怕怕的名画
1. 《关山行旅图》的一幅典型的青绿山水画，由于材料珍贵，所以一般只用于皇室；青绿山水营造出的豪华富贵的视觉效果也尤其受到历代君王的欢迎。
2. 红衣男子骑得是三鬃马，皇室专用马。
3. 作者李昭道《关山行旅图》的原名是《明皇幸蜀图》，而后改名。画中的唐明皇看似申请自若，实则是在跑路。而乾隆为了能够永远地掩盖其这个会带来亡国厄运的不详主题，而将他们掩饰成了在山中赶路的商旅。
4. 乾隆发现其不详主题，写下：青绿关山迥，崎岖道路长。客人各结束，行李自周详。总为名和利，那辞劳与忙。年陈失姓氏，北宋近乎唐。
四十三.中国山水画的爸爸
1. 中国的隋朝特别容易被人忽略；而在艺术史上，更是如此。但在艺术史上，更是如此。但在艺术史上，隋朝诞生了中国山水画的爸爸——展子虔。他是一位跨朝代的画家，活特别好，什么画都能画，尤长于山水画。他第一次把几千年来跑龙套的山水画变成了主角，也被称为山水之父。
2. 《游春图》是一幅典型的山水画，也是一幅重要的，具有承上启下意义的作品。
3. 用人来比如中国山水画，幼年是《洛神赋图》，青年是《千里江山图》，而《游春图》则是中国山水画最美好的青春期。
四十四.猜猜谁是主角
1. 在中国人物图中为了凸显主角，通常会把一个人物画得比别人大。比如《步辇图》、《唐皇行从图》。
2. 张萱《虢国夫人游春图》中，每个人的大小都是差不多的，无法认出哪个是虢国夫人。虢国夫人不喜欢化妆，“素面朝天”也是出自于她。
3. 画中根据人物无法区分哪位是虢国夫人（杨贵妃的姐姐）本人，还有便是从马来判断。名马除了有专用项链，地位更高的马还喜欢烫头，被称为“三花马”，是唐代皇室成员的专用座驾。因此可以判断出最符合虢国夫人形象的就是画前穿着“男人装”这位。
四十五.巴比松画派的台柱
1. 米勒的画，背景清一色的都是麦田，主角清一色都是农民，主题也都是一水的农民的日常。其实，米勒自己也差不多是个农民，他和农民唯一不同之处，就是他不会种地，每天的生活除了画画，就是生孩子，他有11位孩子。
2. 米勒后在巴比松定居下来，开始了他们的农民画生涯，后来柯罗多比尼等人也加入进来，组成了一个类似葫芦娃一样的七人小分队，被称为“巴比松七星”，最耀眼的就是米勒。
3. 作品《晚祷》，达利坚持认为画中夫妇不是为了宗教或者土豆祈祷，而是个葬礼。在达利坚持下进行X光扫描，发现原来土豆地方的确是个小棺材。
4. 米勒把宗教作为绘画的感情基调，通过表现田园生活，把自己的感情融入其中是巴比松画派中名气最大的一个。
5. 如果把巴比松画派比作为一个偶像团体，每个人都有自己的作用。米勒是台柱子，卢梭是经纪人，投资人柯罗。
6. 卢梭代表作《橡树》
7. 柯罗，一种被称为银鼠色的独特色调和独特的羽毛状画风。他所画的树、云都有一种蓬松感。
四十六.解密艺术史上最有名的吻
1. 顾爷一直认为每一幅画都藏着画家想要告诉观众的细微线索。欣赏一幅画就是探寻画家想要告诉我们的秘密。
2. 克里姆特被称为“黄金画家”作品《吻》是真的用金子绘制的，他是第一个，甚至是唯一一个将写实和抽象完美融合在一起的画家。
3. 我们很难相信《吻》是100年前的作品，因为它看上去更像是一幅充满设计感的设计广告。女子跪着，跪在悬崖边，站起来甚至比男人还高。
4. 男人衣服的长方形有棱有角，形容男性。女人衣服圆圆圈圈，还有头上的花环是现实女性的柔美。是画家吸取拜占庭的镶嵌画设计风格来绘制的。金色长袍上全是寓意情色好偷窥的寓意符号。充满了浓郁的东方装饰风情。让人联想日本浮世绘和古埃及金字塔的装饰艺术。
5. 画中看上去是浪漫的吻，实际上是在强吻，暗示出了男人在追逐女人的时候，是感性多于理性的，甚至会带来一种压迫感。
四十七.莫迪里阿尼
1. 莫迪里阿尼是当今最昂贵的艺术家之一，他的创作大多聚焦在人物肖像和女性裸体两个主题。他笔下的人物被夸张地拉长，同时又保持着巴黎人特有的优雅。
2. 拒绝加入任何一个派别。
3. 莫迪里阿尼和梵高一样，生前没有享受的到和他才会相匹配的待遇，20世纪初，最不缺的就是艺术家。他的创作经历的三个时期：“鬼一样的时期”、“不高兴时期”和“不想穿衣服时期”。
4. 莫迪里阿尼说他笔下的人物表示的是自己的内心世界，他笔下的女人，和他自己一样，机器高傲的展示自己的魅力。除了画布上的女人，他生命中也全是女人，他的情人多的数古过来。
5. 生前的莫迪里阿尼并不出名，但是在他去世不久，他的画风靡欧美。
6. 穿上衣服的肖像，大多没有瞳孔，只有淡蓝色杏仁核状的眼眶，还有的一只眼睛明亮，一只眼睛晦暗不明。莫迪里阿尼说当我看清你的灵魂时，我才会画你的眼睛。那些眼睛一只向内审视自我，一只茫然的看着人世间。
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