整理/澄珏
上個月底，動畫學術趴研習社邀請到了國內知名動畫導演羊延牧老師，為大家帶來《原畫師的進階之路》的線上分享。
此次課程中，羊廷牧老師為我們講解了很多提原畫的相關知識點和內容。線上分享持續時間超過兩個小時，參與直播人數超過4000人，課程學習人次超過6000次，可以說是盛況空前。
這次，貼心的小趴把羊廷牧老師的分享內容整理成了詳細的文字版，希望可以對小夥伴們的學習有所幫助~
— 原畫師必備技能 —
1、軟件等工具的使用
Flash：從時間軸和鏡頭運動的直觀性來說flash是最好的，但它的線條質感是最弱的，畫的時候有很強的矢量修正很難刻畫細節，適合用來畫草稿，但是細化起來很麻煩。
Csp：現在日本很多年輕原畫師很多都是用flash來畫一原，用紙或者csp來清二原。同時，這款軟件也是羊大公司正在用的。
Retas：日本常用作畫軟件，其中的上色模塊是所有軟件中最好的。
2、業內通用流程和標示規範
通用流程是指首先要讀懂分鏡，知道layout、一原、二原、動畫、作監、演出這些工作具體是做什麼的。日本和歐美的流程可能會有區別，但是都大同小異，掌握其中一個其他的理解起來也會比較快。
攝影表
軌目
標示規範比如攝影表和軌目這些內容在進入業界之後很快就能學會。這兩種都是工業體系合作之中使用，方便溝通，如果是自己片子的並不需要用到這些。
3、基礎畫力
重點在於怎樣表現出某種事物和運動的真實感，再現真實性的感覺。
同是畫畫，不同的工作需要不同方面的畫力，有一些的是相通的，有些是不相通的。比如說插圖裡面的畫力對色彩、平面構成、刻畫物體的材質、裝飾性的細節這些能力要求比較高，但對動畫原畫師來說，以上這些並不是首要的畫力。反之，插圖和漫畫中的畫力對空間感的要求並沒有動畫的高。現在講的畫力是正對於要成為動畫的原畫師需要的畫力。
速度要快。二維動畫繪製量非常大，每秒鐘需要很多張畫面，所以速度是專業化程度很重要的指標。強者越強，弱者越弱。畫的快的人，能獲得更多的訓練量，接觸到更多情況，成長的會比別人快，成長的快可以更早接觸高難度的工作，累積的經驗就會越多，這是一個正循環的過程，這是一種馬太效應。對年輕人來說，早點努力就是進入這種正循環。
對畫畫來說能夠自由表達自己心裡的想法，並且快速傳達自己的感受是評判畫力高低的重要指標，而不是因為某種特定的風格。在所有的藝術領域中，這是一個通用的指標。
人體：優先理解體塊，不能過於糾結肌肉。對於動畫人來說要有體塊意識，想象體塊在空間中的旋轉運動，增加人物的可信度。建議先學習伯裡曼之類的書籍。
伯裡曼人體
透視：透視是增加畫面可信度非常重要的工具，就像蓋樓的時候需要先打地基一樣。在畫設計稿時首先要準確找出地平線，並且通過各種輔助線，找準透視，精確線稿，增加畫面的真實感，給人一種攝影機拍攝的感覺。
廣泛性：第一層意思是能畫出世間萬物，比如男女老少、動物植物、機械等等，第二層意思是能適應不同片子的風格。能畫出的東西多樣性越多，那麼畫力就越強。
表情：表情的能力和人體的能力並不相關，是一種對角色和情境的感受能力，用Q版也可以變現出來。微妙的表情變化會帶來其他各方面變化，比如說角色感情或者性格，一張生動的表情本身就有演技。
表情只要有一點偏差就會給人感覺不一樣，所以我們要用精確乾淨的線稿練習，提高對錶情的敏感程度。正如丸山老爺子所說：一張漂亮的單幀本身就比一連串拙劣的動作有效。
pose的韻律感：比如勾畫一個坐姿，有的人畫得僵硬，有的人畫得放鬆，有的還能帶有某種情緒，能讓人感受到生命力，帶著某種協調性。一般來說，動態線適合在畫強烈的大動作時用。
迪士尼動態線畫法
而日常動作更適合用輪廓畫法，快速捕捉第一感覺，習慣這種畫法之後，會大幅度改變觀察事物的方式，跳出理性的思維。平時也可以用輪廓草圖來快速記錄動作表演的靈感。（背景也可以用輪廓畫法來畫。）
輪廓畫法
構圖、光影：構圖和光影是好畫面的底層構架，有助於加強作品感染力。人體透視再好，構圖光影不行，依然無法給觀眾呈現出好的作品。（羊大和光學核心微博上都有相關文章）
最重要的一點，以上所有的這些都需要“單線勾勒”來輸出！二維動畫入門時都要先練線，線條練好了，前面的能力才能更好地表現出來。
4、運動規律
美式重視對“運動和力的分析”，在理論架構上更出色，注重拆解和分析動作，是一種內功，入門時推薦先學習美式。比如迪士尼十二原則，預備緩衝、曲線運動、隨動、區分主要次要動作等等，對實戰很有幫助。比如隨動和重疊，用來描述主要次要動作，主要運動強調力的生成，次要表現力生成之後伴隨的效果（如轉頭時頭和頭髮，跑步的時腿和手等等）。
推薦書籍：《原畫師生存手冊》《動畫時間的掌握》《生命的幻象》
相比於美式而言，日式有更豐富的表現技巧，但目前缺乏理論體系性。
其中比較具有代表性的就是泛金田系。在金田之前，主要是對現實的描寫刻畫，金田加入了個人化特徵，比如極端透視、平面設計感的特效，抑揚頓挫的節奏，誇張到不自然的pose等等，經代代傳承成了現在一種日式作畫的典型。
泛金田系經常出現某種單一要素的極端化，如大張透視，這種透視經常會出現前面的地方像廣角，遠處的東西是標準鏡頭或是長焦鏡頭，是非常主觀的處理。在時間上主觀控制信息量，需要強調的地方時間留長，次要的快速過掉，加強抑揚頓挫的節奏感，強化關鍵pose。運動中把空間極端化的情況。
鏡頭內剪輯：日式有一個關鍵的核心特徵就是“斷裂性”，迪斯尼和日本真實系的作畫都很強調各個局部軌跡的流暢性，但是泛金田系一串動作中很多部分都是跳躍的，不能準確地連接上，它只需要一個大的動勢相連接。日本原畫中經常在一卡中糅合轉場跳切等剪輯因素，用運動規律的方式把幾個鏡頭連接到一起形成完整的一個鏡頭。
多去理解“基本套路”背後的原理、細節，它們是前人經驗的精華濃縮。
跑步觸地張
比如跑步用觸地張做原畫張，這張的高度居中，相當於基準點更容易控制其他張，也能看清步幅長度。比如走路、跑步的左右晃動，哪張擺動幅度最大。
套路不是用來背的，而是用來幫助理解前人的經驗和鎖定基本感覺的。
5、對視聽語言和表演的理解
怎樣更好的傳達氣氛和角色感情？
好的原畫會有“微觀層面的演出能力”。在具體的一卡里，甚至在連續的一段戲中，分配演技和視聽調度。角色做動作怎樣更符合性格和情景，畫出準確的情緒，
視線對位：視線到底看向哪裡，視線準確能讓觀眾更能入戲。細微的表演相當大程度是一種演出能力，而不完全是原畫能力。到了這一層面時並不是要畫一個真實運動，而是畫一個準確情緒。（可參考羊廷牧老師微博文章《運動真實和狀態真實》）
停頓：日常動作有很多微小的停頓，停頓的長短不僅能影響真實感也能想象情緒。停頓時間長短不同，感受不一樣。
鏡頭之間的動作連接性：前後鏡頭描述同一動作時，兩個之間的速度應該看起來一樣，動作的結束點和開始點選擇的連續和跳切不同效果也不同，這些和實拍裡的剪輯比較相近。
注重機位和景別對表演的影響：近景和遠景的表現細膩度是不一樣的。比如一個拿杯子的動作，特寫時動作多於全景，全景時一般採取降低原畫張數，依賴中割，使其看上去自然。
動畫本質上就是在控制信息量，讓觀眾“看什麼”和“不看什麼”。
— 新人自學原畫誤區 —
1、習慣一張張順著往後畫
推著畫自由度高，畫的時候感受流暢，可能會出現意想不到的效果，但是畫的大小會在不知覺中變化，容易被前面的動作帶跑，很難準確控制出最開始的感覺。建議職業原畫師建議使用關鍵張畫法，更容易控制動作以及大小，對運動主體使用關鍵張畫法，對隨動用推著畫。
2、迷戀炫酷大動作
對於數碼作畫，畫動容易，畫“穩定”難。炫酷動作難點在於設計上，容錯率非常高，很難培養在實際工作中的能力，畫得不穩會很大程度暴露畫力問題。新人來說無法用畫力控制微小範圍的運動，這就需要進行中割訓練來提高對細節流暢的敏銳性。
3、只畫潦草的動圖
刻畫精度本身就是畫力的體現。寥寥幾筆時畫得很生動，一細化就慘不忍睹——這裡的結構不清楚、那裡的透視不懂畫、眉眼表情怎麼描一遍就完全不是原來的感覺了……類似情況數不勝數。這些本身就是實打實的技術差距。
越是精確、細緻的稿件，就越考驗你在多方面的技術實力，好比木桶原理，只要其中某塊板明顯短了，整個作品的觀感都會大打折扣。4、只看作畫mad學原畫
mad剝離了原畫的情境，動得出色未必對片子而言是好的卡。mad更多關注於原畫師的表面風格，但創作者要嘗試重建底層邏輯，還原最開始的思路，不要被花哨的細節矇蔽。建議新人原畫，拿到分鏡先嚐試自己畫，然後再找適合自己能力的參考。
以上就是羊廷牧老師分享課程的全部內容啦~兩個小時的高容量分享，太多內容都需要小夥伴們自己慢慢消化，不要忘記多複習勤思考哦~
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