随心56343586
不多说，这两幅画为初学国画者的大作，国画若是千，此画只有一。点评直言，请海涵。
龍山真人
简单看了这两幅画，从画面风格看，作者应该有一定的创作经验和时间，用笔流畅，笔墨自然。
第一幅梅花，构图比较简单，枝条单调。主干过于单调直白，缺少创意和造型，平面化，缺少美感，花朵枯燥无生命力不适合在家中挂放。
第二幅山水画，有基本结构，山无势无峰，平淡无奇，素寡清欲，林木画的过于简单，水面没有流动感，缺少动态我生命力，如果在丰富加工充实一下，还是一幅不错的画面。
绘画是一种艺术，是其他现在智能手段所不能比拟的，画好每一幅作品，离不开大自然的恩赐，大自然的鬼斧神工丰富于人们的想象，绘画只不过一种二次创作，把人们对美好的希望和文化融于创作中，奉献给人们另一种美！回味无穷。
国画艺术需要创新发展，传统的国画总感觉平面格式化，门派化，一看画面就知是谁的徒子徒孙，缺少立体感，呆板苍桑，缺少有激情创新的新生代有国际知名画家，院校派对发展有滞酷。
相信在这日新月异的新时代，定会诞生不愧于时代的大艺术家！
陈秀顺1
梅花的构图
中国花卉或花鸟画的构图，可以从两个方面来认识。一是处理画面的具体手法或方式，如“S”形构图，半环形构图，纵横交叉构图等。二是掌握画面布局中美的法则，如主辅、虚实、疏密、聚散、藏露、开合、呼应等。初学画梅，掌握几种具体的构图形式是必要的，但根本上是要理解和掌握构图规律，做到举一反三。梅花构图和其他花卉大同小异，根据梅花以表现枝干为主，构图上可归纳为“长短、粗细、多少、纵横”八个字。梅花的一切构图形式，万变不离其宗，都发自这八个字。
画梅要表现梅枝的铁骨气质，用笔应列首位。对线条总的要求是雄浑苍老，遒劲有力。切忌光洁平实和软弱无力。
枝干是梅花的骨架，也是一幅作品成败的基础和关键，在进行梅花的学习过程中，一定要将枝干的运笔方法和用墨规律掌握。画梅花要选择硬毫笔，如狼毫、山马或石獾等，这样画出来的线条才能劲键苍老。行笔过程中要有顿挫，要求“一波三折”，不要一泻千里，平板僵硬。
注意线条的力度和弹性，只有这样才能表现出线条的韵律和节奏。画枝干时要充分考虑到花朵的生长位子，枝干中间要留出空隙，这样才不会影响后期花朵的表现。画枝干时还要学会用墨，要表现出墨的不同浓淡干湿变化。 画小枝可以单线勾勒，画朽根老桩就要运用勾勒干檫和皴染，运笔的角度变化要大，线条要遒劲有力，墨色的变化要丰富，既要表现出虬枝的苍键，又要描绘出梅花的秀美，因此墨色的干湿变化要适度，既不可焦枯，也不能烂湿。枝干画完后用点将那些留下的较为规则的空隙破开，使画面完整统一。
山水画的讲解
山水画的构图是经过画家苦心经营的。因此一幅好的山水画，必须有好的构图。好的构图一般要符合以下两个规律：
1、对立统一规律。体现在形式上有宾主、呼应、虚实 、疏密、开合、藏露、节韵等关系。
▪ 宾主——构图要主次分明，不能喧宾夺主。
▪ 呼应——画中一切物体（包括题款和印章），都要互相关联，有呼有应。这样才能气脉贯通。
▪ 虚实——传统山水画常把云和水作留白处理。白与黑，空与物，白与灰，灰与黑，就是虚实的对比。但实处要实而不塞，要透气，要有“活眼”。如无中间的“活眼”，就是一盘“死棋”。虚处要虚而不空，即使是空白，也要让它表示一种实体，既所谓“计白当黑”，这样才能“虚实相生，无画处皆成妙境”。
▪ 疏密——山水画构图最忌均匀整齐，古人说：“疏处可走马，密处不通风。”这样才能变化多姿。
▪ 藏露——画要给人留有想象的余地，一览无余，就没有情趣了。因此作画要善于运用“藏”的方法。郭熙说：“山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰，则高矣。”“藏”，使人感到高深莫测，从而给观者想象的空间，这就是“藏”的妙用。
▪ 开合——开与合是相对的矛盾。有对立，画面才生动。开而不合，就会显得不稳和散乱。有开有合，才能相对稳定。
▪ 节韵——即节奏与韵律。一幅好的山水画，是有节奏美和韵律美的。这不仅体现在勾、皴、擦、染、点等笔法的运用上，也体现在整体的布局上，既要有变化又要有规律。
2、透视规律。西洋画一般采用“焦点透视”，中国画采用的是“散点透视”，也叫“移动透视”。“焦点透视”就象照相一样，观察者固定在一个立足点上，只能把视域以内的东西拍摄下来。“散点透视”则是移动着立足点来进行观察的，所以不受视域的限制。把中国山水画的透视归纳为“三远”，即“高远”、“深远”、“平远”。值得注意的是，在一张山水画中，往往是“三远”综合运用的。
▪ 高远—— “自山下而仰山巅，谓之高远。”也有一种说法叫作“虫视”，即故意把自己放在低处，看什么都是高大雄伟、气势磅礴，这种透视法宜于描绘崇山峻岭。
▪ 深远 ——“自山前而窥山后，谓之深远。”这是站在山前或山上远眺，并要移动视点才能看到的景象。这种透视法宜于表现幽深的意境。
▪ 平远—— “自近山而望远山，谓之平远。”这是在“平视”中所得的远近关系。宜于表现坦荡开阔的南方山水。
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从笔墨来看
用笔与用墨，是学习国画首先要解决的的问题，是最能体现画家功底的问题，因此也是识别一张国画优劣的最主要的依据之一。
1、用笔。中国画的造形达意，是以线为主来表现的。因此看一幅国画用笔的好坏，主要是看这幅画中线条的好坏。古人提出“书法用笔”，即要求画家在作画时要象写书法一样用笔。黄宾虹总结了前人的经验，提出了“五笔”之说，即“平、圆、留、重、变”。
▪ “平” 是指运笔时用力均匀，起讫分明，笔笔送到，要“如锥画沙”。
▪ “圆” 是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要如“折钗股”。
▪ “留” 是指运笔要含蓄，要有回旋，不浮不滑，要“如屋漏痕”。
▪ “重” 即沉着而有重量，要“如高山坠石”。
▪ “变” 一是指用笔要有变化，中锋、侧锋、逆锋、顺锋，根据需要随机应变；二是指运笔要彼此相让，互相呼应，气势连贯。宋代韩拙提出：“用笔有三病：一曰板、二曰刻、三曰结。”所谓“板”，是指线条扁平，没有圆浑的立体感。所谓“刻”，是指笔划过于显露，妄生圭角。所谓“结”，是指行笔犹豫，线条不流畅。其他还有枯、弱、光滑、草率等，都是山水画用笔的病忌。
2、用墨。墨色的变化，有“五彩”之说，即“焦、浓、重、淡、清”；也有“六色”之说，即“干、湿、浓、淡、黑、白”。不论是那种说法，无非就是讲墨色的变化多端。山水画用墨有三要：厚，透明，丰富。
▪ “厚” 就是感觉要厚重而不轻薄。
▪ “透明” 就是层次要清楚，不浑浊，不僵化。
▪ “丰富” 就是指墨色多变，层次丰富。总之，看一幅山水画的用墨好不好，主要是看用墨是否有变化、有韵味，层次是否清楚、丰富，能不能表现物象的立体感、质感和远近的空间感。
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从用色来看
传统国画着色多从物体固有的本色出发，很少考虑光的影响和变化，所以用色相对西洋画来说比较单纯，具有清新明快的特点。根据山水画不同的种类，用色的要求也有所不同。
▪ 在淡彩山水中，以水墨为主，色彩只起辅助作用，用色要求“淡雅”、“清透”。要“墨不碍色，色不碍墨”。即墨足之处用色要清淡、透明，不让色覆盖了墨；浓的色彩要用在墨少之处，不让墨破坏了色的清丽。这样，二者才能相得益彰。
▪ 在重彩山水中，用色要求浑厚凝重而不腻浊，清丽鲜明而不单薄。
▪ 在泼彩山水中，用色要求色墨浑融，变化丰富，不脏不浊。
不管是淡彩、重彩还是泼彩，用色都要有一个主调，不能混乱、花俏。但在主调中又要求变化，不能单调、呆板。总之，既要有对比又要和谐统一。
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从表现各种物象的技法来看
山水画的技法很多，使用哪种技法，因物而异，因人而异，因画而异。看一张画中的技法用得好不好，主要是看这种技法在这张画中，是否能充分表现对象的“形”与“神”，是否能充分表达作者的“意”。
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从意境来看
好的山水画，要有美的意境。意境是山水画的灵魂。一幅画，必须给观者留有联想和再创造的余地，能使观者受到感染并引发自身生活感受的共鸣，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。山水画意境的类型，可分为三种情况：
▪ 以景胜 这类作品比较注重写实，以真实感人的空间境象构成意境，把理想和感情融入实景之中，主要是通过境象自身诱发观者联想。它类似于诗的“无我之境”。这类画，在古代山水画中以宋画居多。
▪ 以意胜 这类作品比较注重写意，富有个性和情致，更明显地流露出对主观情感的表达，所塑造的空间境象，更多地具有了“意造”的成分。对于“形”则要求“在似与不似之间”。它类似于诗的“有我之境”。这类画自元代以后，逐渐成为山水画的主流。
▪ 意与境浑 这是感情与形象高度结合，达到“情景交融”、“天人合一”的境界。王国维说：“至意境两浑，则唯太白、后主、正中数人足以当之。”可见对于诗来说，这是意境的最高境界了。而对于画来说，当是画家神来之笔的得意杰作了。
惠宝好萌
请老师给指点一下，，，，，，
用户4670790047850
中国画不是讲构图，形式，首先红梅，在中国画中，属于花鸟画类，花鸟画有工笔，写意，这幅画属于写意，中国画讲究笔墨，诗书画印，只要是意到，笔到为上层品质。焦墨画杆，技，梅花色浓为岭南画派常用之，印章着不清楚，提款书法一般，没有墨层，第二幅山水，有一定的传统功力，但提款不对，中国画空白可行马，墨层，染色不厚重，也没有新意，应该是方向问题。
浩子182679144
如何系统的欣赏一幅画作呢？我总结了一下，大致可以分为以下7个部分：
1、派别。
2、看构图。
3、看色彩。
4、光影
5、笔法（技法）
6、空间
7、寓意
我们能将一幅画作的这7个部分识别得的越清晰，我们对画的理解就会越全面。告别人云亦云的情况。
当然欣赏画作还受到个人生活阅历的影响而有所不同。我们现在来看看这两幅国画。
《气满乾坤》是一幅写意的红梅绽放图，竖构图将梅花不屈向上的精神表现了出来，整幅画面画面饱满、梅枝疏密有致、色彩统一而富有层次感、用笔辣而飘逸，把梅花傲气满乾坤的画面感充分的表现了出来。不过整幅画的空间感稍微欠缺，为远近景的虚实和主次表现欠妥所致。
《春韵》是一幅表现初春万物复苏乍暖还寒的写意山水画。以俯瞰的视角使得画面视野开阔，然后作者做了双S形构图，通过山水的走势让画面有了流动感，让整个画面活了起来。不过整体构图的重心太过靠上，给人一种“头重脚轻” 的不安全感受。
好在“松石绿”的用色将画面里“春”的气息推高了一个层次。如果画面上再有一些生命，比如飞鸟等作为点缀，那这副画的生机会更加盎然。另外，从画面看作者笔法较为简单，缺少变化，使得画面不够有灵性。
下面我也附上几张国画，以飨读者。
琦岚子
作者年龄六十往上，曾掌小权。半路出家浸艺未久。两幅作品与时下绝大多数画作一样，只在意要画什么，不注重要表达什么。即只有形没有意，其实画如同一首诗，诗的书法好坏，布局是否得当固然能增色不少，但诗的文学素养，美学意境才是根本。
第一幅梅花，笔触线条上能看出岁月所赋与的老练，但也因如此整幅画暮气较重缺乏新气，没表达出梅花老而不秃，老中缊新的生气。且在画面处理上也欠功夫过于平白，主辅景缺乏浓淡深浅对比，因此也就没有了景深。国画就是阴阳，一幅画中有浓必有谈，有重必有清，有枯必有润，有主必有辅。。。对立统一相映成趣。但也表现出作者脾气耿直刻板喜听好话不容批评。
第二幅山水，比梅花差太多了！又是一幅足不出户的书房山水。山水画 眼里有江川，胸中有丘壑，笔下才能有山水。画面上还是缺乏主次变化，近景的树与石树瘦不繁，石软不硬，色轻不重，下笔过轻。近景镇不住远景，致整幅画头重脚轻。
落英袖裁1
骨相清奇、气韵流畅、精神饱满，真正写出来的国画作品自带仙气！
大千淘淘客
画画这一行业已经不行了，在古时没有摄影，没有手机，没有电脑，只有靠画画捕捉美，所以画画的人很吃香，就好比古时候没有电灯，有个蜡烛、棉油灯就很了不起了，古代皇帝大臣才用那么高端！
今天看来，国画无论怎么好，也没有摄的好，画质清晰，让人耳目一新，心情愉快。画画业面临淘汰。
杨哥之翩翩舞
看了你两幅画，感觉画得可以，尤其山水画得完整稍好，把色彩浓淡来表现山体远近，想必作者是一大特点，自成风格。对梅花图，稍差，老树干未显立体感，与背景没拉开空间。建议润色好点，着重笔墨一些，它是主体，加强重点。有题字印章，布位很好，有一定功力基础和手法，看出你有强烈的上进心，望你继续加油。下面附上图，是我早年第一次采用丙烯颜料来画在玻璃砂板上来表现水墨山水画，供欣赏指教。
