隨心56343586
不多說，這兩幅畫為初學國畫者的大作，國畫若是千，此畫只有一。點評直言，請海涵。
龍山真人
簡單看了這兩幅畫，從畫面風格看，作者應該有一定的創作經驗和時間，用筆流暢，筆墨自然。
第一幅梅花，構圖比較簡單，枝條單調。主幹過於單調直白，缺少創意和造型，平面化，缺少美感，花朵枯燥無生命力不適合在家中掛放。
第二幅山水畫，有基本結構，山無勢無峰，平淡無奇，素寡清欲，林木畫的過於簡單，水面沒有流動感，缺少動態我生命力，如果在豐富加工充實一下，還是一幅不錯的畫面。
繪畫是一種藝術，是其他現在智能手段所不能比擬的，畫好每一幅作品，離不開大自然的恩賜，大自然的鬼斧神工豐富於人們的想象，繪畫只不過一種二次創作，把人們對美好的希望和文化融於創作中，奉獻給人們另一種美！回味無窮。
國畫藝術需要創新發展，傳統的國畫總感覺平面格式化，門派化，一看畫面就知是誰的徒子徒孫，缺少立體感，呆板蒼桑，缺少有激情創新的新生代有國際知名畫家，院校派對發展有滯酷。
相信在這日新月異的新時代，定會誕生不愧於時代的大藝術家！
陳秀順1
梅花的構圖
中國花卉或花鳥畫的構圖，可以從兩個方面來認識。一是處理畫面的具體手法或方式，如“S”形構圖，半環形構圖，縱橫交叉構圖等。二是掌握畫面佈局中美的法則，如主輔、虛實、疏密、聚散、藏露、開合、呼應等。初學畫梅，掌握幾種具體的構圖形式是必要的，但根本上是要理解和掌握構圖規律，做到舉一反三。梅花構圖和其他花卉大同小異，根據梅花以表現枝幹為主，構圖上可歸納為“長短、粗細、多少、縱橫”八個字。梅花的一切構圖形式，萬變不離其宗，都發自這八個字。
畫梅要表現梅枝的鐵骨氣質，用筆應列首位。對線條總的要求是雄渾蒼老，遒勁有力。切忌光潔平實和軟弱無力。
枝幹是梅花的骨架，也是一幅作品成敗的基礎和關鍵，在進行梅花的學習過程中，一定要將枝幹的運筆方法和用墨規律掌握。畫梅花要選擇硬毫筆，如狼毫、山馬或石獾等，這樣畫出來的線條才能勁鍵蒼老。行筆過程中要有頓挫，要求“一波三折”，不要一瀉千里，平板僵硬。
注意線條的力度和彈性，只有這樣才能表現出線條的韻律和節奏。畫枝幹時要充分考慮到花朵的生長位子，枝幹中間要留出空隙，這樣才不會影響後期花朵的表現。畫枝幹時還要學會用墨，要表現出墨的不同濃淡乾溼變化。 畫小枝可以單線勾勒，畫朽根老樁就要運用勾勒幹檫和皴染，運筆的角度變化要大，線條要遒勁有力，墨色的變化要豐富，既要表現出虯枝的蒼鍵，又要描繪出梅花的秀美，因此墨色的乾溼變化要適度，既不可焦枯，也不能爛溼。枝幹畫完後用點將那些留下的較為規則的空隙破開，使畫面完整統一。
山水畫的講解
山水畫的構圖是經過畫家苦心經營的。因此一幅好的山水畫，必須有好的構圖。好的構圖一般要符合以下兩個規律：
1、對立統一規律。體現在形式上有賓主、呼應、虛實 、疏密、開合、藏露、節韻等關係。
▪ 賓主——構圖要主次分明，不能喧賓奪主。
▪ 呼應——畫中一切物體（包括題款和印章），都要互相關聯，有呼有應。這樣才能氣脈貫通。
▪ 虛實——傳統山水畫常把雲和水作留白處理。白與黑，空與物，白與灰，灰與黑，就是虛實的對比。但實處要實而不塞，要透氣，要有“活眼”。如無中間的“活眼”，就是一盤“死棋”。虛處要虛而不空，即使是空白，也要讓它表示一種實體，既所謂“計白當黑”，這樣才能“虛實相生，無畫處皆成妙境”。
▪ 疏密——山水畫構圖最忌均勻整齊，古人說：“疏處可走馬，密處不通風。”這樣才能變化多姿。
▪ 藏露——畫要給人留有想象的餘地，一覽無餘，就沒有情趣了。因此作畫要善於運用“藏”的方法。郭熙說：“山欲高，盡出之則不高，煙霞鎖其腰，則高矣。”“藏”，使人感到高深莫測，從而給觀者想象的空間，這就是“藏”的妙用。
▪ 開合——開與合是相對的矛盾。有對立，畫面才生動。開而不合，就會顯得不穩和散亂。有開有合，才能相對穩定。
▪ 節韻——即節奏與韻律。一幅好的山水畫，是有節奏美和韻律美的。這不僅體現在勾、皴、擦、染、點等筆法的運用上，也體現在整體的佈局上，既要有變化又要有規律。
2、透視規律。西洋畫一般採用“焦點透視”，中國畫採用的是“散點透視”，也叫“移動透視”。“焦點透視”就象照相一樣，觀察者固定在一個立足點上，只能把視域以內的東西拍攝下來。“散點透視”則是移動著立足點來進行觀察的，所以不受視域的限制。把中國山水畫的透視歸納為“三遠”，即“高遠”、“深遠”、“平遠”。值得注意的是，在一張山水畫中，往往是“三遠”綜合運用的。
▪ 高遠—— “自山下而仰山巔，謂之高遠。”也有一種說法叫作“蟲視”，即故意把自己放在低處，看什麼都是高大雄偉、氣勢磅礴，這種透視法宜於描繪崇山峻嶺。
▪ 深遠 ——“自山前而窺山後，謂之深遠。”這是站在山前或山上遠眺，並要移動視點才能看到的景象。這種透視法宜於表現幽深的意境。
▪ 平遠—— “自近山而望遠山，謂之平遠。”這是在“平視”中所得的遠近關係。宜於表現坦蕩開闊的南方山水。
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從筆墨來看
用筆與用墨，是學習國畫首先要解決的的問題，是最能體現畫家功底的問題，因此也是識別一張國畫優劣的最主要的依據之一。
1、用筆。中國畫的造形達意，是以線為主來表現的。因此看一幅國畫用筆的好壞，主要是看這幅畫中線條的好壞。古人提出“書法用筆”，即要求畫家在作畫時要象寫書法一樣用筆。黃賓虹總結了前人的經驗，提出了“五筆”之說，即“平、圓、留、重、變”。
▪ “平” 是指運筆時用力均勻，起訖分明，筆筆送到，要“如錐畫沙”。
▪ “圓” 是指行筆轉折處要圓而有力，不妄生圭角，要如“折釵股”。
▪ “留” 是指運筆要含蓄，要有迴旋，不浮不滑，要“如屋漏痕”。
▪ “重” 即沉著而有重量，要“如高山墜石”。
▪ “變” 一是指用筆要有變化，中鋒、側鋒、逆鋒、順鋒，根據需要隨機應變；二是指運筆要彼此相讓，互相呼應，氣勢連貫。宋代韓拙提出：“用筆有三病：一曰板、二曰刻、三曰結。”所謂“板”，是指線條扁平，沒有圓渾的立體感。所謂“刻”，是指筆劃過於顯露，妄生圭角。所謂“結”，是指行筆猶豫，線條不流暢。其他還有枯、弱、光滑、草率等，都是山水畫用筆的病忌。
2、用墨。墨色的變化，有“五彩”之說，即“焦、濃、重、淡、清”；也有“六色”之說，即“幹、溼、濃、淡、黑、白”。不論是那種說法，無非就是講墨色的變化多端。山水畫用墨有三要：厚，透明，豐富。
▪ “厚” 就是感覺要厚重而不輕薄。
▪ “透明” 就是層次要清楚，不渾濁，不僵化。
▪ “豐富” 就是指墨色多變，層次豐富。總之，看一幅山水畫的用墨好不好，主要是看用墨是否有變化、有韻味，層次是否清楚、豐富，能不能表現物象的立體感、質感和遠近的空間感。
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從用色來看
傳統國畫著色多從物體固有的本色出發，很少考慮光的影響和變化，所以用色相對西洋畫來說比較單純，具有清新明快的特點。根據山水畫不同的種類，用色的要求也有所不同。
▪ 在淡彩山水中，以水墨為主，色彩只起輔助作用，用色要求“淡雅”、“清透”。要“墨不礙色，色不礙墨”。即墨足之處用色要清淡、透明，不讓色覆蓋了墨；濃的色彩要用在墨少之處，不讓墨破壞了色的清麗。這樣，二者才能相得益彰。
▪ 在重彩山水中，用色要求渾厚凝重而不膩濁，清麗鮮明而不單薄。
▪ 在潑彩山水中，用色要求色墨渾融，變化豐富，不髒不濁。
不管是淡彩、重彩還是潑彩，用色都要有一個主調，不能混亂、花俏。但在主調中又要求變化，不能單調、呆板。總之，既要有對比又要和諧統一。
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從表現各種物象的技法來看
山水畫的技法很多，使用哪種技法，因物而異，因人而異，因畫而異。看一張畫中的技法用得好不好，主要是看這種技法在這張畫中，是否能充分表現對象的“形”與“神”，是否能充分表達作者的“意”。
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從意境來看
好的山水畫，要有美的意境。意境是山水畫的靈魂。一幅畫，必須給觀者留有聯想和再創造的餘地，能使觀者受到感染並引發自身生活感受的共鳴，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。山水畫意境的類型，可分為三種情況：
▪ 以景勝 這類作品比較注重寫實，以真實感人的空間境象構成意境，把理想和感情融入實景之中，主要是通過境象自身誘發觀者聯想。它類似於詩的“無我之境”。這類畫，在古代山水畫中以宋畫居多。
▪ 以意勝 這類作品比較注重寫意，富有個性和情致，更明顯地流露出對主觀情感的表達，所塑造的空間境象，更多地具有了“意造”的成分。對於“形”則要求“在似與不似之間”。它類似於詩的“有我之境”。這類畫自元代以後，逐漸成為山水畫的主流。
▪ 意與境渾 這是感情與形象高度結合，達到“情景交融”、“天人合一”的境界。王國維說：“至意境兩渾，則唯太白、後主、正中數人足以當之。”可見對於詩來說，這是意境的最高境界了。而對於畫來說，當是畫家神來之筆的得意傑作了。
惠寶好萌
請老師給指點一下，，，，，，
用戶4670790047850
中國畫不是講構圖，形式，首先紅梅，在中國畫中，屬於花鳥畫類，花鳥畫有工筆，寫意，這幅畫屬於寫意，中國畫講究筆墨，詩書畫印，只要是意到，筆到為上層品質。焦墨畫杆，技，梅花色濃為嶺南畫派常用之，印章著不清楚，提款書法一般，沒有墨層，第二幅山水，有一定的傳統功力，但提款不對，中國畫空白可行馬，墨層，染色不厚重，也沒有新意，應該是方向問題。
浩子182679144
如何系統的欣賞一幅畫作呢？我總結了一下，大致可以分為以下7個部分：
1、派別。
2、看構圖。
3、看色彩。
4、光影
5、筆法（技法）
6、空間
7、寓意
我們能將一幅畫作的這7個部分識別得的越清晰，我們對畫的理解就會越全面。告別人云亦云的情況。
當然欣賞畫作還受到個人生活閱歷的影響而有所不同。我們現在來看看這兩幅國畫。
《氣滿乾坤》是一幅寫意的紅梅綻放圖，豎構圖將梅花不屈向上的精神表現了出來，整幅畫面畫面飽滿、梅枝疏密有致、色彩統一而富有層次感、用筆辣而飄逸，把梅花傲氣滿乾坤的畫面感充分的表現了出來。不過整幅畫的空間感稍微欠缺，為遠近景的虛實和主次表現欠妥所致。
《春韻》是一幅表現初春萬物復甦乍暖還寒的寫意山水畫。以俯瞰的視角使得畫面視野開闊，然後作者做了雙S形構圖，通過山水的走勢讓畫面有了流動感，讓整個畫面活了起來。不過整體構圖的重心太過靠上，給人一種“頭重腳輕” 的不安全感受。
好在“松石綠”的用色將畫面裡“春”的氣息推高了一個層次。如果畫面上再有一些生命，比如飛鳥等作為點綴，那這副畫的生機會更加盎然。另外，從畫面看作者筆法較為簡單，缺少變化，使得畫面不夠有靈性。
下面我也附上幾張國畫，以饗讀者。
琦嵐子
作者年齡六十往上，曾掌小權。半路出家浸藝未久。兩幅作品與時下絕大多數畫作一樣，只在意要畫什麼，不注重要表達什麼。即只有形沒有意，其實畫如同一首詩，詩的書法好壞，佈局是否得當固然能增色不少，但詩的文學素養，美學意境才是根本。
第一幅梅花，筆觸線條上能看出歲月所賦與的老練，但也因如此整幅畫暮氣較重缺乏新氣，沒表達出梅花老而不禿，老中縕新的生氣。且在畫面處理上也欠功夫過於平白，主輔景缺乏濃淡深淺對比，因此也就沒有了景深。國畫就是陰陽，一幅畫中有濃必有談，有重必有清，有枯必有潤，有主必有輔。。。對立統一相映成趣。但也表現出作者脾氣耿直刻板喜聽好話不容批評。
第二幅山水，比梅花差太多了！又是一幅足不出戶的書房山水。山水畫 眼裡有江川，胸中有丘壑，筆下才能有山水。畫面上還是缺乏主次變化，近景的樹與石樹瘦不繁，石軟不硬，色輕不重，下筆過輕。近景鎮不住遠景，致整幅畫頭重腳輕。
落英袖裁1
骨相清奇、氣韻流暢、精神飽滿，真正寫出來的國畫作品自帶仙氣！
大千淘淘客
畫畫這一行業已經不行了，在古時沒有攝影，沒有手機，沒有電腦，只有靠畫畫捕捉美，所以畫畫的人很吃香，就好比古時候沒有電燈，有個蠟燭、棉油燈就很了不起了，古代皇帝大臣才用那麼高端！
今天看來，國畫無論怎麼好，也沒有攝的好，畫質清晰，讓人耳目一新，心情愉快。畫畫業面臨淘汰。
楊哥之翩翩舞
看了你兩幅畫，感覺畫得可以，尤其山水畫得完整稍好，把色彩濃淡來表現山體遠近，想必作者是一大特點，自成風格。對梅花圖，稍差，老樹幹未顯立體感，與背景沒拉開空間。建議潤色好點，著重筆墨一些，它是主體，加強重點。有題字印章，布位很好，有一定功力基礎和手法，看出你有強烈的上進心，望你繼續加油。下面附上圖，是我早年第一次採用丙烯顏料來畫在玻璃砂板上來表現水墨山水畫，供欣賞指教。
