柔和的床垫
什么叫“绘画已死”？绘画一直在延续，很多人认为画画没有创新了，只会画些看不懂的让人喷饭的或者刻画的比相机还细腻的就认为没有内涵了没有灵魂了，就认为绘画到了尽头！这种想法简直荒谬！
任何事物都是物以稀为贵，在20世纪前，认识字的人都不多，更别说是会画画的人了。所以在少量的画家里出现新的风格不足为奇！
绘画的风格由材料和技法，作者的经验和思想组成。说白了，我不相信思想能创造出千万种风格来，决定风格的还是材料和技法，但这些肯定是有限的。从文艺复兴到19世纪，几百年的时间，画家们一直都是画的写实作品，直到莫奈用强化冷暖关系，走出画室去写生等方式，才有了著名的映像派，这个创新也是用了几百年的时间。说白了，也就是量变到质变，只有坚持走下去，才会有新的发现，不能为了创新而创新，这样画出来的和前段时间很火的射书之流有什么分别！
绘画没有死，只有那些画不好写实作品的才会说这样的话。写实画不过人家，创新也没有，典型的吃不到葡萄说葡萄酸的人！
另外，很多人说写实作品没有灵魂，我想说抽象的就有灵魂了，你看的懂吗，请问？
“绘画已死”这个说法绝对的不正确，还很让人气愤！我收集了一些自己喜欢的现代画家的作品，大家可以点评，看看绘画到底有没有死
爱去哪去哪wuyunli
“绘画已死”这个言论，上世纪东西方著名画家都说过类似的话，表达了一些画家对当时绘画发展状况的一种担忧和无奈，不能简单地认为这句话是正确还是错误，要结合当时的绘画现状和具体情况来分析这句话，方可得出公正的理解。
毕加索《科学与博爱》
西方画家中说出类似“绘画已死”言论的画家是绘画大师毕加索（1881年——1973年）。大约在1955年左右，毕加索代表西班牙文艺界人士来到北京参加东西方文化交流活动，交流活动完毕后，他准备去拜访一名有国际影响力的中国画家——张大千（1899年——1983年）先生。
毕加索《梦》
来到张大千画室，毕加索看到张大千那些青绿山水和泼墨山水后，非常震撼，画面凝练简洁，色彩雅致和谐，笔有尽而意无穷，令人充满遐想，充满油画无法体现出来的趣味。毕加索对张大千的画美言了几句，张大千心里喜滋滋的。但张大千明白，自己的画不是中国画家里最好的，于是，他拿出齐白石（1864年——1957年）的一本画册请毕加索过目。
毕加索《珍妮》
桀骜不驯、恃才傲物的毕加索，一经拿起画册，便爱不释手，认认真真翻看完了齐白石画册里的每一幅画。然后他伸出大拇指说：中国画了不起，齐白石先生画中的鱼、虾周围没有水，但给我感觉全是水，充满灵动的趣味，让我百看不厌。当代绘画艺术在中国，西方绘画死亡了。
毕加索临摹的中国画
毕加索这样说的原因是，西方油画走到19世纪中后期后，已经走过了500多年，西方画家把能想到的探索方法都用上了，但依然无法取得满意的创新结构。在走投无路的情况下，西方油画开始主动向日本浮世绘和中国画学习，以此来吸收东方绘画中的技法。毕加索甚至还临摹过齐白石的国画作品。
毕加索《无题》
毕竟，东西方绘画完全不同，许多技巧由于文化观念和审美趣味的不同，西方画家学习和理解起来东方绘画并不容易，所以，从19世纪末期到20世纪中前期，这半个多世纪，西方油画虽然走马观花似的经历了许多艺术流派，也出现了不少大师和杰作，但总体成就并不高，远远低于文艺复兴时期的艺术成就。
毕加索《马戏演员之家》
而此时的中国画，经过清朝末年的一段低潮后，在民国初年逐渐走上正轨，又由于民国时期的学术气氛非常浓厚，有效激发了艺术家的创新意识，涌现出了许多开宗立派的大画家，把中国画推向了一个新的高度，比起西方油画的发展，这时期的中国画显然要发展得更好。所以，毕加索就说出了那句话。
鸿鹄迎罡
关于“绘画已死”的说法显然过于悲观了。绘画不会死，现在不会，将来也不会。
绘画做为一门独特的艺术，一种为人们普遍喜欢的文化表现形式，源远流长，延绵发展，迄今至少已经有两千多年的历史了。在两千多年的岁月长河中，绘画艺术发展出现过高潮期，更多时候是平稳过渡期，像我们古代的汉晋唐宋某一阶段，像欧洲的文艺复兴时期和十九世纪，都出现过绘画发展的高潮期，但是大部分时间绘画发展是处于一个平稳的发展阶段。现在的绘画应该就是处在这样的一个阶段。我觉得，这是一种正常的现象，也是事物发展的普遍规律。
但是，我们应该看到也应该承认，现在绘画有一种不好的现象，就是把绘画这种本应该突出艺术性和社会性功能的艺术人为地放大了它的商品属性，谈画不说它的艺术价值，社会价值，而是动辄就谈它拍了多少钱，卖了多少钱。一些画家偏重功利思想，人心浮躁，较少考虑画作的“艺术感染”和“社会教化”作用，更多的心思用在了怎么做才能让画好卖，怎么做才能卖出好价钱。一些名人明星把“雅好”当作商品，本来不入流的书画因名人明星的“名气”卖出了大价钱，对绘画市场造成非正常影响，使那些专业和职业画家专注艺术创作的热情受到了挫伤。
为什么我们现在很难看到震撼人心和启迪人鼓舞人感动人的绘画作品了，上面提到的一些现象不能不说是一个重要的原因。但是我相信，这种现象不会一直存在下去的。因为当人们普遍发现问题的时候，距离解决问题也就不远了。
灯影书画
现在的作品说明了这一点，太重视技法技巧，不重视精神内涵修养的东西。尤其市场化的作品，迎合性的创作，作品空洞死板，没有精神层面的东西。过度的写真就是照片的翻版，现在很多画家更是临摹照片，或者照片的组合，没有寓意思想和感染力，只是追求逼真，我觉得绘画作品必须有精神追求有理想信仰，才能创作出有思想境界的作品。冷军拍卖出三千万的人物肖像我觉得是高清数码照相机的翻版，给人的感觉就是逼真的毛发清晰可数，仅此而已，没有实际的思想精神内涵，艺术感染力。
遗失在密林深处
题主所问的“绘画已死”的书法是否正确？这是一个让人脑洞大开的问题了，或许有一万个理由可以说明“绘画已死”这说法是错误的，同样用一个理由就可以说明“绘画已死”的说法是正确的，那就是现如今的绘画艺术的艺术价值几乎被商业价值所掩盖了，
不管是行业内还是行业外，人们已经习惯性用金钱来衡量一幅画作的价值了，或者直接只认可名人所作的画，美其名曰“名人画”，只要听说是哪个名人作的画，就异口同声的说“画的好、画的有水平”，那些所谓的名人都是电影电视明星比较多，而那些从小到大全心全意专注绘画的人，画作的影响力却不如那些以画为娱乐的明星，
之所以说“绘画已死”，除了以上所说的“商业价值”与“名人画”的影响之外，最主要的原因是现如今的绘画技巧性太高了，而忽略了画作本该有的情感意义，其实我们都容易明白，绘画的技巧是可以生搬硬套的模仿与借鉴，比如，现在就有一些稍微有知名度的画家对一些世界名画进行再创作，
这种对原有的名画进行再创作的行为，其实就是一种“抄袭”的行为，或者说画家自身“江郎才尽”，艺术来源于生活，那么很明显艺术的题材也是来源于生活，为何还出现那么多相同题材的画作呢？这难道不值得反思吗？真是验证了那句“好看的皮囊千篇一律、有趣的灵魂万里挑一”；
先说说国画的现状吧，在徐悲鸿时代就听说国画要进行改良，几十年过去了，如今的国画连传统的文化底蕴都没了，老祖宗传承下来的“书画同源”，以书法入画，方为国画创作的最高境界，而今国画的面貌如何呢？难以启齿啊；再看看从西方引进来的油画吧，“中西结合”的技法，注重写实的油画竟然添加了大量的国画写意元素，这些都只是在技巧上下功夫，把油画画的和摄影照片一模一样了，还有什么意义呢？连“写生”都被抛去了，直接对着照片来描绘，综上所述，绘画已死！
诗夜城主
绘画是不会死的，人类灭绝了，绘画也不会死，随之会被另外一种物种继承，享用。你信与不信它都是这样的，这是社会性规律。
记得有一部电影叫《动物庄园》，讲的是由于农场主人的爆虐压榨，农场的动物们对人类各种糜烂奢侈的生活方式极度不满，于是农场里的动物联合起来发起了起义，杀死了农场主人，赶走了其他人，这些动物组织起来成立了国家，制定了一系列平等条约。
一群动物带着对理想的憧憬，力图打破旧秩序，本应冲出牢笼，但又跳入了另一个陷阱，他们依然被欺骗，被奴役，被统治，不平等是不变的结局。唯一的区别在于人类农场是人类管理动物，动物农场是动物管理动物，仅此而已。《动物庄园》里最令人恐惧的还是那句话，那被篡改的只剩下一条的戒律：所有动物一例平等，但有些动物比其他动物更加平等。当“平等”也有高低贵贱之分时，所谓的平等不过是一句自欺的谎言，所谓的自由也就成为了彻头彻后的笑话，微贱的平民唯有在困境中沉默挣扎。
这步电影虽然讲的是政体的逻辑，但推演到文化艺术依然有效，只是社会在进步，绘画的媒介和形式在发生变化，远古时期，绘画在简单的石头和地表上，因为没有房子，后来有房子了，有布了，有纸了，就可以画到墙上和布上，产生了壁画和油画，国画，水粉，水彩，这是绘画最传统最固定的思维认知，再后有了摄影机，有了电脑，有了多媒体，有了设计学概念，绘画变得无所不在，变得平民化，变得越来越抽象，风格多的数不胜数，我们最之前的绘画认知被打破，传统的架上绘画已经不再那么主流，产生的社会价值和经济效应比起新型的影视艺术形式，传统架上绘画却显得笨拙又迟钝。
现今，绘画生出了动画，设计，影视游戏原画，吸引力比传统单张绘画作品更强，更有趣，这些都是绘画结合新时代的再现形式，成为了现在的主流，传统的绘画也参与了新时代的分工，只是以前整块蛋糕都是他的，现在被其他的艺术形式瓜分了，留给它的就少了，但不代表没有。以后还是会在，看你自己想参与那种形式，结合自身条件和生活圈子，那条路能走的顺就去选择哪条路，理性分析，不要感情用事，比如凡高的人生，以他家里的生活环境和背景，随便找个工作都可以像样的生活，只是太任性了，赤条条来去啊，无奈吗？既然走到了这步田地，他也不后悔啊，有错吗，有对吗，这就是人生啊，多彩啊，世界就是这样的精彩啊！
云森画廊
随着当今高科技的不断发展，电子、影像、数码等技术的更生换代，绘画一方面借助技术走进人们的生活，变得技术性、综合性更强，另一方面，也越来越趋于娱乐通俗化，不再高雅、神秘。绘画未来会朝着怎样的方向发展？它会死去？还是以别的方式存在、发展下去？
在 一个艺术形式兴起的背后，是整个中国社会的商业化过程，就是艺术的商业化的属性被强化或者是空前突显出来，艺术创造就面临着一种巨大的商业诉求。在这种情况 下，艺术大家、画家的文化担当、社会责任自然而然地弱化了。这对于绘画来讲是一种致命的威胁，它会导致艺术家的创作缺少对于社会的进行一种反思或批判，缺少文化上的反 叛。缺乏对社会关注和对人性的感受、思考与表达的话，就会导致艺术家创作的作品与社会大众没有关系了，
就整体社会而言，绘画的文化担当正在弱化，绘画已经变得越来越不重要，它的文化地位的衰落是一个自然的过程，可能会用其它的方式存在发展。
如果用中国的传统概念来说，就是道，因为道是生生不息，道是与个体生命心性完全统一的。如果这样判断绘画，绘画一定是生的。绘画是否已经死，如果它已死，就是已经不存在了。绘画到今天是不是这样的一个形态，还存存，起码现在我们的很多艺术家还在绘画，我们不能说它死了，但是也不可否认绘画已经老了。
从人类美术发展史走过的路程来看，绘画一直都伴随人类去发展壮大，不断推陈出新，各个分支流派不断发展。百花齐放，百家争鸣。绘画什表现的种类、方式是不断演变的。绘画这门艺术不管随着社会的怎样的发展，它也在变化着的，从来没有消亡过。一直以不同的形式和方式会存在下去。其它代替不了。
西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，距今己有3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土的女性雕像被称为“威伦道夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。
西方习惯把新石器末期到中世纪称为古代，具体来说就是指公元前4000年（文字的出现）到公元476年（西罗马帝国灭亡）。 主要包括美索不达米亚、埃及、希腊和罗马时期的美术。
中国美术史源远流长。与美术风格总是在变化的欧洲不同，中国美术几个世纪以来保持了令人惊奇的延续稳定的连贯性。明朝时的一些作品还可以看到唐朝时的影响。一幅清朝的画作与一幅宋朝的是非常相似的。一个原因就是中国对传统的尊崇去继承前人去发扬光大。艺术家的首要任务不是创新，而是尽可能逼真的临摹旧有的作品去学习和继承，这并不被认为是抄袭，反而到了一定程度上综合能力的积累后就是开始创新。
中西美术发展，是共生的，独立存在，也没有谁取代谁，斗到你死我活。到了近代，中西美术随着国际之间频繁不断交流，中国学者到西方学习吸收油画、素描等技法，回来后结合国画的特点去吸收借鉴油画在造型、明暗、透视关系、色彩等方面元素进行搞创新。中西美术都有各自独特的存在方式，只有互相交流、互相借鉴双方才有更大的发展。
当照相机发明出来的时候，有人就说，油画会消亡。从照相机发明出来己走过180多年，油画和国画也不会被照相机所取代。美术绘画和照相机也更加互相借鉴，互相吸收，互相学习。
所以说绘画艺术决不会消亡，如有这种想法的人，只能是已人忧天。
我们应该思考的问题就不是绘画是不是已死的问题，而是绘画当下所面临的困境，今天每一个画家应该思考的是绘画还能不能够走下去为我们人类的智慧生产提供原动力。
我始终坚信绘画不会消失，因为它无可替代。——大卫·霍克尼。
绘画与摄影
好的 中国画表达的是一种意境。画中线条的虚实顿挫，笔墨的表现能力，颜色和谐的搭配，染色的丰富前后透视关系，以及整幅画的构造，都是经过作者苦心经营。在欣赏作品时有种身临其境，给人一种赏心悦目的感觉。从整幅作品可以品味作者内心的自然流露，表达作者一种什么样的感情都能在画中体现出来。有的时候让作者再次重复同样的作品也不可能有百分之百的相似度。好作品是很稀缺的，也是独一无一的，更是智能机器所不能代替。在今后发展的过程中，中国绘画更是“生机勃勃”，不会消失。
ding小小
首先阐明，”绘画已死”的说法是极个别人对架上绘画前景产生的悲观主义及消极论调。
美国极简主义艺术家Donald Judd做出的这一表达。他坚信复杂技术性的艺术已经走到了尽头，应该被形式简单直观的艺术取代。
绘画艺术作为人类社会的特殊活动，从原始社会到当代就从来没有停止过，更不用说会消亡，它只会沿着人类社会的不断进步起伏不定，绘画形式随着时间会发生变化且趋向多样性。
从古至今，从西方到东方，人类艺术的发展紧紧围绕历史的延续和演变，是人类文明的重要组成部分。
纵观世界美术史，绘画艺术在特定一个历史时期和地域都会反映当时的政治、经济、宗教、人文发展概况。
宋代画家张择端的《清明上河图》里取材是北宋时期都城汴梁城的繁荣发达的农商景象。通过这些景象可以研究当时的历史、经济、文化等。
《步辇图》是唐朝画家阎立本的为反映吐蕃王松赞干布仰慕大唐文明，派使者禄东赞到长安通聘朝见唐太宗时的场景。为唐代绘画的代表作品。具有重要的历史和艺术价值。
西方绘画亦是如此，15世纪到17世纪时期意大利文艺复兴的达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的艺术三杰，通过他们的艺术作品也集中体现了当时意大利的宗教、政治、文化特征。通过绘画诠释了人和神的关系。18世纪时期欧洲艺术作品无不反映当时的政治经济文化，法国大革命时期涌现了一些反映当时历史变革的画家，如德拉克罗瓦的《自由引导人民》，大卫的《马拉之死》等等。
唐朝的白居易提出了“文章合为时而著，诗歌合为事而作”的观点。是历代文人赋予历史使命感的一种表达。“为时而著”的“时”，即时代之意。“为时而著”，对于读书人而言，它意味着自己对时代、对现实社会的一种关切，对改造社会、促进社会进步的责任和使命。文学如此绘画亦然，艺术创作和文学创作都是历史和时代赋予文艺工作者的一种责任。
当今社会，信息与经济的飞跃不同以往，网络已经大大改变了人们的生活方式，也改变了人们的审美习惯，传统绘画受到各种挑战，计算机在美术领域的运用更是迅速。照相机的出现曾经也让有些人预料，绘画即将被相机所终结。计算机时代还有人预言，电脑绘画将取代传统绘画。事实证明，这些论断都是荒谬可笑的。
只要有人类社会，无论怎么发展变革，艺术活动将围绕社会的发展而不断更新。无论是架上绘画还是其他语言的绘画都将体现时代特性。当然，“绘画已死”是个别人的在网络信息、商业经济社会冲击下的消极、悲观情绪，这种意识形态而非主流共识。
田大勇自由绘画
“绘画”不会死，除非人类灭亡，因为“绘画”是人类文明的组成部分。“绘画”是由人类审美思维而产生 ，并随着人类社会的发展而发展。当今有人认为“绘画已死”或许是指绘画“百花园”中那些冒着铜臭味的“不良作品”和“劣质作品”。也或许认为高科技、智能化将替代绘画的功能。我认为，那些“不良的、劣质的”作品，必定会被历史抛弃，也代表不了绘画的整体；对高科技，智能化的绘画，我认为它永远也出不了优秀作品，因为它不可能把人的那种有血有肉的情感融入画中。曾有人说“中国画已死”。我认为这些人不是“无知”，就是“狂语”。都知道，一种艺术的生长发育，必定有它的适宜的土壤和环境。几千年的中华文明孕育了中国画的成长。传承和发展，使中国画成为世界绘画中的一朵奇葩，屹立在世界艺术之林。即使某一阶段发展缓慢，但它决不会停止，更不会死！我坚信“越是民族的，就越是世界的”！
