當下世界，人們一睜眼就能收穫到四面八方傳來的視覺信息。但在這麼多的視覺信息接收中，我們是否思考過一個問題：導致我們產生視覺的關鍵因素是什麼？我相信有一部分學視覺藝術的小夥伴是回答不上來的。簡單來講，我們視覺的產生有三個關鍵性的因素。第一個就是眼睛，我們要有一個善於發現問題的眼睛；第二個就是對象（物體），要有一個觀察的視覺對象；第三個就是光，如果沒有光，我們的眼睛在不借助任何視覺儀器的情況下是看不到物體的。
所以，眼睛——對象——光，成為視覺產生的三個關鍵性的因素。而光，自然而然也成為影響我們視覺經驗很重要的一個因素。
我相信對於所有學習與視覺藝術專業相關的小夥伴來說，如何理解和使用光一直是一個至關重要的話題。雖然，光以各種各樣的形式存在於我們的現實生活當中。然而，我們對於光的認識卻是少之又少。所以，今天我會分別聊一下繪畫、攝影、設計中基礎用光的知識，希望我的分享能夠對你有所幫助。
繪畫
光在西方繪畫中具有重要的地位與作用。有了光便有了明暗，有了體積，有了空間，有了色彩，即有了視覺效果。
在西方繪畫史中，有幾位很善於用光的藝術家。他們對於光的理解和運用影響了之後一大批藝術家。下面，我就和大家聊一聊這幾位藝術家的藝術特色及其用光的特點，希望大家可以從他們的作品中學到如何通過光來豐富和加強畫面的視覺效果。
卡拉瓦喬是意大利16世紀末至17世紀初傑出的現實主義畫家。他的藝術生涯是在意大利文藝復興盛期的諸大師相繼逝世後開始的。
在文藝復興時期，達芬奇認為作畫的最佳時期最好選擇在陰天的黃昏時，因為這個時候光感較弱，明暗對比不強，更能使畫面變得柔和優雅。所以，他認為畫家最應忌諱明暗之間的截然分界，這樣會打亂畫面構圖的和諧感。世界名畫《蒙拉麗莎》就是這種調調。
《蒙拉麗莎》
但是卡拉瓦喬卻打破了這一觀點。他認為光影關係的對比不但不會影響畫面的和諧，反而能增強物體的立體感和空間感。
他善於在繪畫作品中運用明暗對比的畫法，一般是把畫面中的物體放置在昏暗的陰影之中，將光線集中打在畫面突出的部分，與主題無關的部分隱沒在陰影裡。就像聚光燈一樣照射在黑暗的舞臺上，強調了畫面的光照效果，造成一種簡潔的畫面結構，形成一種舞臺戲劇效果。
《召喚使徒馬太》
《朝拜聖母》
此外，這種光影明暗對比的表現手法使被表現的對象顯得結實厚重，人物更具雕塑感。這一光線的處理技巧成為卡拉瓦喬繪畫風格的標誌。並對後世產生了深遠的影響。
《基督下葬》
《聖彼得被釘十字架》
17世紀偉大的荷蘭藝術家倫勃朗對光線的運用也是獨具特色的，他繼承了卡拉瓦喬的用光技法，並將光影的處理發揮到了極致。倫勃朗的作品明暗對比同樣強烈，但比卡拉瓦喬的光用的更加簡潔、集中，明暗層次更豐富，暗部顯得更加透氣。
《杜爾博士的解剖學課》
《亞里士多德與荷馬半身像》
與卡拉瓦喬相比，倫勃朗不僅僅只停留在利用強烈的光影塑造形體，突出形象，追求再現逼真的客觀自然。而是在此基礎上表現人的精神和內心世界。
《身著軍裝的老人》
《手拿粉色康奶昔的女子》
倫勃朗對光的運用是非常主動的，他在遵循光影規律的基礎上，完全根據自己的表達意圖，按照主觀表現的需要作出處理，使之呈現出所需的視覺圖像。倫勃朗用光的方式靈活多變：或將光照在主體突出部分；或恰恰避開主體，讓主體柔和的隱現在暗部當中；或大範圍亮面鋪開；或婉轉地依形於物體的輪廓。這些技法表現了各種不同的對象，抒發了各種不同的思想感情。
《被解下十字架的基督》
《在畫室裡的藝術家》
《 耶利米哀悼耶路撒冷的毀滅》
《預言者安娜》
倫勃朗在肖像畫中的光影表現技法也獨具特色。在幾百年之後，成為了人像攝影師的“必修課”，即倫勃朗佈景法。這種布光的基本光效是：在人物正臉的部分形成一個三角形的光斑，而光斑分別被眉骨和鼻樑的投影，以及顴骨的陰影所包圍。不過，這種布光方式比較適合鼻樑和顴骨較高的人，並非所有人都適合。
與倫勃朗同屬於17世紀荷蘭繪畫黃金時代的另一位藝術家，“荷蘭小畫派”的代表人物維米爾。和倫勃朗一樣，維米爾也是用光的大師。他的用光技巧受到了倫勃朗的很大影響，但是他並不是用光的明暗對比畫法去強調畫面的主體部分，加強畫面的戲劇效果。而是減弱它的對比強度，用散漫的光線表現微妙的光影變化和空間感，從而形成自己獨特的藝術風格。
他的作品大多描繪的是靜謐、優雅的日常生活小景。例如《倒牛奶的女僕》這幅繪畫作品，從左邊的窗戶透進來的自然光線，給人一種流動空氣感。女僕身前是昏暗的陰影，而身後的白牆是明朗的光，人物受光面的背景較深，背光面的背景反而很亮，正好把人物形象和外輪廓襯托出來，這種明暗對比很顯然比卡拉瓦喬和倫勃朗的手法要柔和，但它仍然能突出主體人物的層次感和空間感，營造一種抒情的格調。
《倒牛奶的女僕》
維米爾的作品大多描繪的是靜謐、優雅的日常生活小景。這些生活畫面給人一種溫馨、舒適、恬靜以及清新的感覺。
到了19世紀中葉，流行於法國的印象主義將光和色表達發揮到了極致。印象主義的畫家們客觀地描繪了視覺現實中的瞬息片刻，表現出純粹的光影關係。
以畫家莫奈為例，他對光和色的專注遠遠超越了物體的形態。在他的創作中，運用室內光的作品並不多，大部分都是室外光的人物和風景。他對光的理解徹底打破了傳統的醬油色調，開始認識到在不同光源下物體將會呈現不同的色彩關係，利用冷暖色、互補色、對比色展示出光線的變化，從而抓住瞬間的印象。
下面這幾件作品，呈現了同一物體在不同時間、不同光線、不同天氣下的光與色的變化。
魯昂大教堂
《魯昂大教堂》系列
《魯昂大教堂》系列
《草垛》系列
攝影
自從攝影藝術出現以後，繪畫與攝影就開始了一段相互影響又相互較量的發展歷程。雖然二者都屬於視覺藝術，都是通過平面來營造視覺上的空間立體感。但使用媒介的不同造成了二者一定程度上的差異。攝影是科技的產物，對技術設備的依賴性非常高，而繪畫則是利用顏料、畫筆、畫布等媒介進行創作，兩者的造型手段是不同。
雖然說二者都是通過點、線、面、光、影、色等造型手段來營造空間立體視覺形象。但從本質上來說，攝影的光是真正意義上的光，而繪畫的光則是用顏料的色彩所展現的光的幻象。如果說繪畫是對光的間接運用，攝影則是對光的直接運用。
在攝影藝術中運用好光的前提條件是瞭解光的性質、理解光的創造性、發揮光的表現性。
各種光源所發出的光線都有一定強度，不同強度的光表現出的視覺感也不同。強光可增加被拍攝主體的明暗對比，以強調物體表面的形態、肌理和色彩；弱光則減弱被拍攝明暗對比，使物體表面看起來更為平滑細緻。如果能夠掌握運用適當強度的光，就可以更好地突出被拍攝物體的特性。
光的方向可以很好的體現畫面的層次感、立體感和空間感。根據光源與拍攝主體和相機的相對位置關係，可以將光線分為順光、逆光、側光、頂光、腳光、散射光等等。
順光
逆光
側光
頂光
腳光
散射光
不同的光線其色調也不相同，色調在表現色彩主題情調、意境渲染、情感傳達上是不可缺少的，它能夠迅速使人受到感染，從而產生聯想，給人以不同的視覺感受和情調意境。
看到這裡，我們似乎能夠感受到繪畫與攝影之間的某種聯繫。卡拉瓦喬的畫面中體現的就是光的強度，倫勃朗和維米爾的畫面突顯的是光的方向，而莫奈玩的就是光的色調。
設計類
由於設計的類型太廣，在這裡我就不一一介紹。不過我認為繪畫和攝影應該是學設計的學生應該掌握和了解的基礎課程，有了這些基礎，你就可以在設計中更好的運用光去塑造形體，製造空間，營造出不同的視覺趣味。
最後，我為小夥伴們推薦一本書，書名叫《視覺藝術用光:在藝術與設計中理解與運用光線》 ，這是是一本幫助理解光和運用光的基礎教材。如果你做的是畫畫、攝影、設計、3D 等行業，這本書一定會可以幫助你惡補基礎的理論知識，或許能讓你有所受益。
最後感謝今天讓你學會用“光”的作品集導師：Andy陽：
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