作者 / 喬苗兒
開播一週後，《怒晴湘西》的導演費振翔便說他的心臟“還得精彩六週”。現在，應該是精彩的巔峰。
圖源水印
堪稱“盜墓勸退片”的《怒晴湘西》劇組，給角色們發起盒飯來毫不手軟，自然怨不得廣大吃瓜群眾刀片回擊。此處有個建議，主創團隊咱改行開鐵廠吧，原材料（刀片）已經給您們備齊了。
對於創作團隊而言，能夠“因為角色下線而收刀片到手軟”是幸事，說明一件事：人物討喜，觀眾共情。且不說劇中若干血肉豐滿的大活人，連怒晴雞都有粉絲團的戲，《怒晴湘西》恐怕是獨一份。
如今塵埃落定，臺前的枝枝蔓蔓躲不過網友們的“一對招子”，成為茶餘飯後的談資，幕後的類型新篇也該擺上檯面：探險類型影視作品尚在搖籃，從哪來到哪去，如何開闢新紀元。
改編的前提是尊重原著
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小說影視化改編的核心是“還原”，書粉乃至吃瓜群眾對“名場面”的期待程度遠高於創作者的想象。
道理誰都懂，能做到的是少數。
精力沒少投，錢沒少花，用心良苦的結果是：觀眾不買賬，主創兩行淚。
在《怒晴湘西》之前，費振翔導演和7印象團隊已經在《黃皮子墳》“哭”過一次。平心而論，《黃皮子墳》談製作、論質感沒毛病，林海雪原、北大荒、知青插隊，視覺呈現和生活質感不露怯，甚至在創作理念上，都能感受到主創團隊引領觀眾的勁頭。
問題出在“還原”上。
國產探險的類型是國民爆款不假，但爆點在網絡小說，同類型的影視作品，特別是網絡劇還是新鮮事物，僅有“像不像原著”可作為評判好壞的主要標準，一旦過分脫離原著造成“媽不識”的現象，必然招致原著粉絲的反噬。
切身的教訓比任何經驗都來得有效。
於是在《怒晴湘西》中，我們看到了原本存於腦海中的想象被變成了一幀幀精彩的畫面。
陳玉樓、鷓鴣哨二人首次向對方表明身份，搬山、卸嶺魁首對“切口”，一文一武，江湖與俠義。
怒晴雞大戰六翅蜈蚣打鬥精彩，目不暇接。書中奇幻瑰麗的想象落到畫面上簡直逼死後期：就這麼一個一分鐘鏡頭做了20多稿，幹了4個月。
六翅蜈蚣的三維鏡頭600個，渲染總時長10000個小時。
（此處有呼喊：費導，一天也才24個小時啊喂！燻疼電費……）
網紅怒晴雞，如果不是有特效設定，網娛觀察差點以為這隻雞是馬戲團租來的。
包括陳玉樓首次下墓時，卸嶺派世代傳承的工具：“蜈蚣掛山梯”，第一次真實的呈現在觀眾眼前。
為了一分鐘的鏡頭幾十號人忙活4個月，有必要嗎？
導演費振翔就是剛，“有人提醒我，你這是網劇，不是電影，弄這麼精緻沒用，最後也不在電影院放。人家都拿手機看，啥細節也看不出來，差不多行了！我說網劇不是你們想象的樣子。權遊，紙牌屋，都是網劇，拍得都不輸電影。別上手就把咱拍東西的姿勢丟了，就算十萬個人都用手機看，可萬一有一個人用大投影看了呢，就為了這一個人，也值得。”
事實證明，的確必要，的確，值得。
“開燈後”的六翅蜈蚣，細節精細到“喪心病狂”
影視劇製作走到今天，早已經過了戳塊石頭寫上“武當山”剩下全靠觀眾腦補的年月，特別是小說影視化改編上，一人一物的具象化處理直接影響著還原度和觀眾的信任與否。有可能一個細節沒做到，信任感就沒了。
還原是基礎，整個團隊依舊沒忘“引領”觀眾的創作理念，只不過這次的引領不再有隔膜。
《怒晴湘西》中有恐怖元素，耗子二姑都快懟陳玉樓臉上了。
原著裡是這麼說，就要這麼拍，這叫尊重原著；
畫風一轉，陳玉樓唸白表明耗子二姑的身份，這是引領和提升。
【下墓見人心，人嚇人，嚇死人】導演費振翔解釋【《鬼吹燈》的核心不是鬼神，而是人心】
觀眾會看不到進步與付出？恰恰相反，每一處都記在心裡。
“下墓”跟“紀實”可以混為一談
探險類影視劇半虛半實，對特效的依賴度高。
《怒晴湘西》用了6個月的後期時間，搞出了370分鐘的視效鏡頭，除了怒晴雞、六翅蜈蚣，連只出現一次的穿山穴陵甲都有著細緻精巧的設定。
特效做出來的，大多是現實生活中沒有的物件。相比較而言，始終是真實存在的東西取信於人的難度更大。
觀眾沒見過六翅蜈蚣和怒晴雞，可見過苗寨與苗人。
任是天馬行空奇幻瑰麗的想象，到最後也得迴歸到“實”字。
難免有人認為摳這些細節是“瞎子點燈白費蠟”，或是創作團隊的自我吹捧，於全劇而言意義不大。觀眾的反饋擺在這裡，化用導演費振翔的那句話“可萬一有人關注了呢，就為這一個人，也值得。”
還有實景實拍，無需再贅述整個主創團隊下的“笨”功夫，呈現效果已經說明一切。再或者，因為是第二次嘗試該類型的費振翔導演跟7印象團隊，所以註定承載了觀眾更高的期許，“這次不錯，但下一次期待更好。”
以上的“紀實”，是視覺層面的，也是表象的。另一個層次的“紀實”是模糊抽象的，但是整個《怒晴湘西》的根—人物與情節。
潘粵明在重新回憶陳玉樓的這個人物時說，“陳玉樓是成長中的人物。七老八十的陳瞎子回憶過去，回憶中的自己有秀氣和稚嫩，有勝利的時候，也有慘烈的時候。”
這樣的陳玉樓註定不是無所不能的，不僅有弱點，還有軟肋。
導演費振翔的原話是：放不下身段的陳玉樓不可愛。
天下霸唱的原著為陳玉樓、鷓鴣哨撐起了筋骨，影視化的過程就是要為人物填充血肉，填充的過程就是成長。
陳玉樓最終得到父親的認可，成為真正的“魁首”，鷓鴣哨心灰意冷遠渡重洋仍未放下尋找雮塵珠的執念，高偉光將鷓鴣哨定義為“悲劇式人物”，沒有光環的主人公看起來未必“爽”，但勝在真。
另外，7印象團隊畢竟拍電影出身，對於小人物的塑造和細節的捕捉同樣給了全劇難得的煙火氣，還有幾分黑色幽默的喜感。見錢眼開的士兵把大洋揣進兜裡，“夠娶媳婦了”是點睛之筆。
談感情就傷劇情真的是玄學問題？
此處是暴露年齡的玄學問題。
國產影視劇中情感戲就好比是做菜的時候放的鹽，多了少了都不行。特別是強情節的類型作品，調劑的節奏沒掌握好，有可能繃著的情緒一下子就鬆勁兒了，極度影響觀感。
《怒晴湘西》播出後，劇中的感情線有爭議。
為什麼要有情感戲？為什麼不能好好盜墓？導演費振翔對靈魂拷問著實撓頭。
沒有情感，如何立人；人立不住，哪有領盒飯後飛向主創團隊的刀片？
共情，還在情字。
有句話說，究極浪漫來自於理工科，套用一下，究極溫情產生於直男團隊。作為常年追劇的電視兒童，在費振翔導演之前，對7印象團隊的瞭解更多來自於核心人物管虎和梁靜。從曾經的電視劇《黑洞》《冬至》《生存之民工》到電影《鬥牛》《殺生》《老炮兒》，硬朗肅殺之外總不缺的是人文精神和藏在細節裡的悲憫。
在導演費振翔這裡，這種人文情愫被繼承下來，並與類型片融合的很好。
花靈給崑崙果脯，一大一小兩隻手的鏡頭；
鷓鴣哨接連失去老洋人和花靈後陷入回憶，眼睜睜看著師弟師妹在眼前消失；
紅燒CP之間終於捅破窗戶紙坦露情愫，對演員眼神的捕捉。
這些都是感情，沒有綿長瑣碎的鋪墊，如何積累到瞬間爆發？
從彈幕來看，觀眾對於適時呈現，輔助情節人物的情感關係，磕CP找糖吃的積極主動性並不差。
補課：導演費振翔出身梨園世家，演過電影《霸王別姬》
導演費振翔對於觀眾的反饋似乎早有預料，難得的是，他將肯定和讚美視作觀眾的寬容和保護，對質疑和批評照單全收。“這部戲不好拍，類型片還在起步，我們哪怕做犧牲也無所謂。”
“我們需要類型片，更需要類型片的觀眾。類型片有固定的節奏和規律，不是不能顛覆，但時機尚未成熟，還不會走的時候千萬別跑。精彩的原著給了創作者養分，我們還會繼續努力。”費振翔說。
作為觀眾，愛之深責之切，並非嚴苛或者責難，只是希望在有本事的手藝人手裡，電視劇也好，網劇也罷，超級網劇也算上，都應該恢復其應有的樣子。
僅此而已。
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