在這個12月的末尾，如果有觀眾想看一部視效大片，選擇很顯然只有一個：海王。
在《海王》一役後，溫子仁這個名字，估計在全球的電影市場上，將具備神奇魔力。熱愛恐怖片的觀眾，對他的《電鋸驚魂》《招魂》爛熟於心，奉之為經典。而只關心在影院裡獲得觀影快感的觀眾們，估計還能懷念起《速度與激情7》帶來的腎上腺素狂飆的體驗。
但，溫子仁能救DC嗎？在漫威已經將老一代英雄更新換代，即將開啟新時代之時，超級英雄電影這種已經漸漸陷入審美疲勞的大片，真的還能被“神奇”的溫子仁所拯救嗎？
票房和口碑回答了這個問題：可以。
魔幻史詩風的超級英雄
即便超級英雄這一類型已經發展十年有餘，但不難看出，許多人對於超級英雄仍然有著片面化的看法。
超級英雄的人物和故事大多來源於漫畫，這些經典形象在一部分受眾群體心中有著根深蒂固的地位。當超級英雄開始出現在銀幕上時，很多片子都將這一類型類比如傳統好萊塢的鐵血硬漢形象：個人英雄主義為核心，先進的科技、誇張的打鬥，都只是錦上添花的點綴。
超級英雄電影，就是為了讓漫畫重新復活，這也是許多漫畫粉絲對於漫威和DC兩大漫畫巨頭的期待。
固然，十年前，抱著這樣的期待，來製作一部超級英雄電影，或許無可厚非。但在當下，超級英雄影片已經不再侷限於窄小的漫畫受眾群體，而更多的是為大眾服務。在美國本土之外，有更多的觀眾，是需要提前閱讀，才能接受這類型的電影。
粉絲基礎一直是漫威稱雄這一類型的底氣。但對於剛開始打開局面的DC來說，粉絲基礎就是一個不太友好的代名詞。
扎克·施耐德親身驗證：找一個對漫畫了解程度頗深的導演，並不能為票房帶來突破。而接棒的溫子仁從另一個方向驗證：既然是改編電影，考驗的是導演的改編能力，而不是對漫畫的熟識。
溫子仁在之前的採訪中提及，他明白幾十年來，漫畫為電影的改編積累了驚人的原材料。但在他看來，改編的重要性在於選取人們覺得特殊和有趣的材料。當導演在巨大的原料庫裡大海撈針時，敏感地過濾什麼是有用的素材，更為重要。
“《海王》讓我深入瞭解大多數人對海洋的看法。它一方面是驚人的、奇妙的和神奇的，但另一方面，它是可怕和未知的。所以我認為這兩個元素，魔法和奇蹟，在影片裡算是齊頭並進。”
當溫子仁讓超級英雄不再侷限於原來的漫畫故事時，《海王》的世界格局才真正被打開了。由此《海王》中，星球大戰、阿凡達、指環王、侏羅紀公園、異形等多重銀幕經典影響一掠而過。和《頭號玩家》一樣，溫子仁仗著自己對電影文化的瞭解，嫻熟地將動作、冒險、魔幻、史詩克蘇魯一鍋燴，在《海王》中完成了對於多重元素的組合和重建。
“我一定要創造一個龐大的世界。我認為，對於不僅僅是粉絲的電影觀眾來說，真正有趣的是，當他們看到這部電影時，看到的不僅僅是DC世界，而是看到了一個海王的世界：不同的王國，不同的世界，驅動世界的機器，生活在這個世界的生靈。我從來沒有製作過這麼大規模概念設計的電影，它真的很棒。”
溫子仁：搖擺不定DC宇宙的定心丸
如《海王》這樣的大製作商業大片，對溫子仁這個“接棒者”來說，負擔十分沉重。
即便你是資深DC粉絲，也不得不承認，當下這個老牌超級英雄宇宙的局面有點尷尬：DC的電影票房收穫平平無奇，兩大英雄集結的《蝙蝠俠大戰超人：正義黎明》，全球票房8.7億美金；被譽為DC口碑翻身之作的《神奇女俠》，票房8.2億，《自殺小隊》7.4億，《正義聯盟》系列跌得最慘，票房僅有6.1億。
DC宇宙陷入一個怪圈：大場面大製作，試圖超越諾蘭的蝙蝠俠系列，黑暗沉重的超級英雄哲學在票房上毫無起色，影評人也不買賬，而知名度稍微遜色的神奇女俠或是反派聯盟，好則略有起色，差則在電影市場上激不起半點水花。
一個囊括多部影片的超級英雄宇宙，卻沒有主題，這對整個世界框架都是致命的。而在扎克施耐德出局之後，DC宇宙即便在短時間內還沒能找到一個主題，至少也要先尋找到一個能讓其他影片繼續下去的方向。於是，溫子仁閃亮登場。
“我從加入這個項目的第一天就表示，我希望做一部有趣的電影。”
有趣是個老套的主題，但對溫子仁來說，恐怖題材也是個老套的主題。而對於DC來說，求新求異已經不是當下最緊要的事，能夠找到一點，打破現在觀眾對於DC影片的成見，才屬第一要務。
所以在成片中，溫子仁把這一點貫徹的十分徹底，一貫被吐槽“太黑看不清”的DC畫面統統不要。在漫畫小圈子裡，那個“只會和魚說話的奇怪男人”也不見了，我們看見的是一個猶如希臘神話波塞冬級別的——神格海王。
這正是溫子仁作為一個續集導演的高明之處：當你接手到一個殘局之時，如何才能把它變成屬於你的作品？
溫子仁對此的回答是：“尊重亞瑟在《正義聯盟》中給觀眾留下印象的部分。”但儘可能挖掘其他的成分。
即便由於敘事需要，溫子仁把大量精力都放在了大場面戰鬥和海底世界的風景上，但海王亞瑟的形象，仍然在《海王》這部影片中獲得了重生。
在溫子仁手裡，海王是能從海中舉起潛艇的超級英雄，此情此景與大超託飛機頗有神似之處；海王是一個號令海底“哥斯拉”，手握三叉戟的戰神式英雄，就連在流行文化中屢遭嘲笑的“只會和魚說話”能力，也在海中鯨魚和鯊魚等巨形生物的襯托之下，變得令人敬畏。
大IP下的導演自我表達
大IP旗下，溫子仁《海王》做出的自我表達不算太多，但也留下了足夠的個人痕跡。
雖然《海王》的劇本多處被詬病，但溫子仁充分展示出了，一個優秀的導演，應該如何用畫面來彌補敘事上的單薄。
節奏把控已經算得上溫子仁的拿手好戲。較之DC以往作品，觀眾對《海王》給出的最好評價是：路人友好，不易睡著。
誰能在溫子仁的片子裡睡著呢？影片雖然還是傳統的三幕式結構，甚至還在開頭展開了一段過去的陳述。然而，妮可·基德曼靠著一場打鬥戲讓所有人都為之一震，小亞瑟的成長戲在鯊魚和金眸的襯托下讓觀眾熱血沸騰，而其後的海底大戰和亞特蘭蒂斯，五光十色的色彩和環繞運動翻轉的鏡頭，偶爾還搭上流行音樂抒個情，足足讓影迷在影院裡激動143分鐘。
溫子仁以往對色彩的使用，大多侷限於題材需求，《海王》顯然是打開了溫子仁的色彩“潘多拉”盒子。不過如果說有什麼是沒有變化的，他對長鏡頭的偏好當屬首位。
溫子仁對長鏡頭的使用，足以讓喜歡他的作者寫一篇小論文。在他的經典之作《招魂》裡，溫子仁用了一個45秒的長鏡頭，就能夠把整個環境和人物交代清楚。
而在《海王》裡，長鏡頭可算基本配置。影片一開場，亞特蘭娜的打鬥戲，就用了360°的鏡頭，一鏡到底，溫子仁在採訪當中開玩笑，為了拍這一個鏡頭，拆除了整個佈景的天花板。在海王對過去的回憶中，也有大量通過CG嫁接的鏡頭。而在和弟弟的打鬥中，旋轉，慢鏡頭，大量運動鏡頭，花式炫技。海底世界的縱深感被極大地擴張，眼花繚亂的刺激感得以呈現。
常規情況下，長鏡頭的鏡頭語言，較短鏡頭而言，更能有效的表現空間的真實感，能夠充分展現特定場景時空中規定情境的氣氛。而這種作用，在華麗的海底戰鬥場上表現無遺。
亞瑟和奧姆這場爭奪海底之王的戰鬥，並非誕生於為人類準備的平面小舞臺，海底章魚擂鼓，場上的海底觀眾歡呼吶喊，讓這場戰鬥介於古羅馬鬥獸場和現代的體育場的狂躁之中。
這場海陸兄弟之間的血統之戰，被印上了復古風格的標籤，在溫子仁手中，靠古老又懷舊的長戟戰鬥模式，打出了上天入地的神格感。
海底的長鏡頭，到了陸地上，則又是另一番用處。在西西里島上，女主角湄拉在房頂上穿梭跳躍，而敵人則在她身後緊追不放。這場追逐戰中，大量的跟拍長鏡頭無縫銜接，多重視角讓人生出互動式遊戲的體驗感。
在複雜的佈景中，演員快速奔跑以突出危險感，後期還要結合綠幕CG來配合，這對導演的場面，鏡頭運作的規劃設計都是一種考驗。而溫子仁，在這部姍姍來遲的DC全面翻身之作中，終於用熟練的技法證明了：超級英雄類型已經窮途末路的評論，不過是毫無想象力創作者的遮羞布。
相信這一類型電影的未來，還十分長遠。
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