吉他啟蒙
十大音樂類型的介紹
⒈ R＆B(HIP-HOP)
R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般譯作"節奏怨曲"。廣義上， R&B可視為“黑人的流行音樂”，它源於黑人的Blues音樂，是現今西行流行來和搖滾來的基礎，Billboard雜誌曾介定 R&B為所有黑人音樂，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可見 R&B的範圍是多麼的廣泛。近年黑人音樂圈大為盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，並且同時保存著不少 R&B成分。
⒉ RAP
說唱樂的起源可以追溯到黑人音樂根源中吟詠的段落中，到了70年代說唱樂正式確立了自己的風格，其中最主要的功勞要歸根於當時流行的迪斯科舞廳中的DJ們，他們將黑人當時正在風行的FUNK節奏混入流行的迪斯科節奏中，並且在唱片機上反覆重複同一張的唱片的內容，做自己的LOOPS，隨著那些在現在廣為人知和DJ們普遍應用的“打碟”法出現，說唱開始被街頭黑人文化所流傳，並且衍生出相當豐富的分支，諸如西海岸說唱樂(West Coast Rap)、南部說唱樂(Southern Rap)、流行說唱樂(Pop Rap)、老派說唱樂(Old Schold)、中西部說唱樂(Midwest Rap)、拉丁說唱(Latin Rap)、硬核說唱(Hardcore Rap)、黑幫說唱(Gangsta Rap)、外來說唱樂(Foreign Rap)、東海岸說唱樂(East Coast Rap)、過渡說唱樂(Crossover Rap)、喜劇說唱樂(Comedy Rap)、基督教說唱(Christian Rap)、另類說唱樂(Alternative Rap)等等，我們現在所謂的HIP-HOP正是由這些流派綜合了當今流行元素而誕生的新詞彙。儘管早在90年代初期就有人認為這種絮絮叨叨，滿是髒話粗口，叛逆詞語的音樂會很快消失，而事實上，在90年代末，隨著一批新進的說唱樂手和以白人為主的說唱搖滾的風行，曾經被黑人拋棄的音樂又重新回到了流行音樂的前端，至少在新世紀的現在，這個風潮還不會消退
RAP是美國黑人音樂中的重要組成部分，是街頭文化的主要基調，是世界流行音樂中的一塊“黑色巧克力”。本文試圖通過介紹幾支美國當紅RAP歌手/團體，讓歌迷了解這些人的背景資料，找到自己喜歡的RAP明星。 首先，先簡單的介紹一下關於Rap說唱樂的起源和發展過程
⒊ 搖滾樂 (又有點朋克的意思,不過比朋克舒服一點)
甲乙丙丁都有自己的答案，喜歡還是不喜歡？甲乙丙丁是面帶微笑還是滿臉愁容？算了，這裡不討論什麼是搖滾，像一個初次涉獵別樣世界的初哥，看一出叫做《搖滾校園》(School Of Rock)的電影，但我忍不住想這樣問：你的啟蒙是平克·弗羅依德(Pink Floyd)，齊柏林飛船(Led Zeppeln)，吉米·亨德里克斯(Jimi Hendrix)，披頭士(The Beatles)，鮑伯·迪倫(Bob Dylan)，“貓王”艾爾維斯·普萊斯利(Elvis Presley)，邁克爾·傑克遜(Michael Jackson)，麥當娜(Madonna)，是否我們有共通的話題？是否我們還可以組一支搖滾BAND？
《搖滾校園》在並不複雜的情節裡誘發我對於搖滾樂的片斷記憶——早前紅藍兩款的披頭士唱片到底流落到誰的手裡？一期又一期積攢下來的《音像世界》大概已經變成紙漿，寫滿了其它的文字？厚厚的兩本《搖滾樂指南》有多長時間閒置在書架的一角？
但電影其實要告訴你：搖滾樂其實已經好平常，它早就是一個有條有理的產業——有音樂才華的人組成樂隊——豎放的古典吉他橫著擺就成了搖滾的利器，親愛的大提琴瘦身後不就正好是貝司嗎？鋼琴手談鍵盤當然是小菜一碟——活靈活現的喜劇電影從來就是要找到被嘲弄的對象，古典樂只好暫時委屈一下了，反正還有更多的大電影是需要你的。還有從屬樂隊的燈光、造型、服裝……等著大家各盡其責，真正無所事事的幾個還可以成為樂隊的專屬樂迷——那臉上寫滿稚氣的小女孩認真地問：樂迷不就是要跟樂手上床嗎？不不不，不甘心做普通樂迷的可愛女孩，因為能說會道的本事搖身一變成為樂隊的經紀人——電影藉著鬱郁不得志的搖滾樂手杜威，在一所中產階級的小學，將富人的孩子瞬間改裝成“一條龍”運作的搖滾小班。
搖滾樂手杜威匿名為Mr.S，在教書育人的講臺前派發搖滾樂唱片的一幕真讓人神往——看，那張《月之暗面》的唱片多少年後才在打口碟市場見到買下，千萬不要指責他“毀人”的行徑，在並不長的那些日子，他帶去的並不是“要教會你”的莫大使命。隨著這出喜劇流淌的，其實是一種暫時休息、歡度假期的可愛與輕鬆，與挑戰制度無關，與因材施教無關，與理想信仰無關。
Mr.S站在講臺，對著那些可愛的孩子，說：用搖滾來服務社會。於是我們聽到了一首孩子自己創作的搖滾歌曲，在成人世界莫名的痛苦、憂傷與瘋狂的雜音裡慢慢述說一點少年的煩惱心事，那一刻，音樂終究不是以某種特定的形式來表達心情，那就是一首歌！
以輕鬆歡快的電影告訴你搖滾是生活的一部分，亦是區別煞有介事吐血推薦搖滾的另一種方式。方法從來不是惟一的，Rock’n Roll.
⒋ 爵士樂(藍調、靈魂樂)
20世紀的所謂“流行音樂”中影響最大的大概就是爵士樂了。關於它的起源，有種種不同的說法，其中一些說法近乎傳奇。關於它的音樂形態，已經有了不計其數的專門研究。但是，我們仍然很難簡單地答覆一個最基本的問題，“什麼是爵士樂？”曾有人問著名的爵士樂大師路易斯·阿姆斯特朗，“爵士樂究竟是什麼？”，他回答說：“如果用語言來答覆，你就一輩子也明白不了。”
爵士樂發源於美國的新奧爾良，這個城市曾是路易斯安那州的首府，位於密西西比河的入海口，在美國的歷史上起過很重要的作用。路易斯安那州有幾個主要的特點：1，氣候溫暖，盛產甘蔗和棉花；2，原來是法國的殖民地（路易斯安那LOUISIANA的意思就是“路易的地方”，1682年命名這個地方時，法國國王是路易十四），1803年美國政府用1500萬美元從拿破崙手裡買下來，但法語卻沒有隨著政府的改變而消失；3，由於大種植園的需要，這裡是黑奴最集中的地方，至今黑人佔這個州人口的三分之一；4，因為戰略地位十分重要，這裡是兵家必爭之地，法國、西班牙、英國和美國的軍隊都曾在這裡苦苦爭戰，1861年美國南北戰爭期間，這裡也是雙方軍隊激烈交戰的戰場。正是這些特點使它成了爵士樂的搖籃。
在爵士樂的音樂成分中，有源於非洲的黑人音樂的節奏、有被簡化了的教堂音樂的遺響、有從種植園裡傳出來的勞動歌曲、還有從當時的流行歌曲及其演唱風格中演化而來的表演技法。一般將新奧爾良的紅燈區斯托裡維爾（Storyville，直譯為“故事城”）看作現代爵士樂的發源地，這裡有許多黑人樂師，他們都是即興演奏的行家，使用的往往是南北戰爭期間雙方軍隊遺留下來的管樂器。1917年，斯托裡維爾被警察封閉，於是這些黑人樂師紛紛到別的地方謀生，其中最集中、最有名的城市是芝加哥。不數年間，爵士樂就取代了雷格泰姆的地位，成為最熱門的音樂。它原來只是在黑人中流行，此後卻逐漸成為世界上最流行的舞曲，其狂熱程度超過了過去最流行的圓舞曲和波爾卡。爵士樂的風格還走進了交響樂、走進了音樂廳、走進了大學的課堂、成為一門正式課程。
關於“爵士”（jazz）這個詞的起源有多種說法，比較可信的一種說法是源於法語詞彙jaser。前面提到過，美國南方的這幾個州的居民當時是說法語的，jaser的原意是七嘴八舌地閒聊、貧嘴；音樂是黑人奴隸的主要娛樂方式，他們湊在一起，用土造的樂器隨意彈奏，唱著雜七雜八的歌曲，用手邊的隨便什麼東西敲打著節奏，既沒有大家都要遵循的記譜或是和聲，也沒有任何技術方面的限制，就像一群人聚在一起聊天一樣，這正是jaser這個詞的意思。其他的說法還有很多，比如，有人說是出自一個鼓手的名字，由於他能用激動人心的鼓點將音樂推向高潮，所以每逢觀眾想要更刺激的效果時便大聲呼喊他的名字，久而久之，就成了這種音樂的名稱；還有人認為，根據爵士樂在當時表演的場所（*院）和參與者（黑人奴隸）的文化背景分析，這個詞是源自當地黑人土話中與性行為有關的詞彙。這個字已知的第一次正式出現是在1914年，芝加哥的一個樂隊起名為“老迪克西蘭爵士樂隊”，1917年勝利公司為該樂隊錄製的唱片即使用了“爵士樂”這個名稱。
早期的爵士樂隊的樂器有班卓琴、鋼琴、小提琴、薩克斯管、簡陋的銅管樂器和打擊樂器。樂手們根本不用樂譜，全憑自己的記憶和想象來演奏。常見的情形是，先由鋼琴彈出一段大家都知道的歌曲，其他的樂器則一個接一個地表演，歌曲的輪廓雖然沒有改變，但是經過這樣的即興演奏之後，它已經被“爵士化”，變成了誰也沒有聽過的另一個東西。
也就是說，爵士樂最初並沒有什麼旋律特點，只是以沒有樂譜的即興演奏為主要特徵；但是隨著它日漸普及，樂師們發展出了更為新穎的旋律，這些旋律最早的來源主要是黑人田間歌曲、布魯斯、靈歌、白人流行歌曲和民謠；而在節奏方面對爵士樂影響最大的因素，除了非洲、南美洲的一些舞曲之外，是“雷格泰姆”音樂。這些因素的具體特點，我們將在下面介紹。
剛才談到，爵士樂的一大特點是即興性，但是，同其他任何一種音樂形式一樣，在獲得了長期發展之後若是沒有一種記錄方法幾乎是不可思議的。後來的爵士樂隊是利用樂譜的，不過對樂譜的依賴程度不同，由此而形成“直爵士”（照譜演奏）和“甜爵士”（即興演奏）的區別。不過要注意，這種名稱十分混亂，經常只是流行於某一個時期的習慣說法而已。另外，即使是照著樂譜演奏，也有大量的即興成分，比如說這樣的記譜：
樂手們可能會奏成：
而這樣的“常規”記譜：
演奏出來的效果會類似於：
一般地說，爵士樂都是二拍子的，每小節兩拍或四拍。這種二拍子的節奏背景在低音部始終存在，使得爵士樂有一個穩定的、規律的節奏基礎。在節奏性低音的上方，則是重音位置不規則的旋律、和聲和對位聲部，它們慣常使用的切分音效果與規律的低音聲部之間形成了強烈的對比。
在爵士樂的曲調中，除了從歐洲傳統音樂、白人的民謠和通俗歌曲中吸取的成分之外，最有個性的是“布魯斯音階”（關於這種音階的結構，我們將在有關布魯斯的部分專門介紹），而爵士樂的和聲可以說是完全建立在傳統和聲的基礎之上，只是更加自由地使用各種變化和絃，其中主要的與眾不同之處，也是由布魯斯和絃帶來的。
爵士樂在使用的樂器和演奏方法上極有特色，完全不同於傳統樂隊。自“爵士樂時代”以來，薩克斯管成為銷售量最大的樂器之一；長號能夠奏出其他銅管樂器做不到的、滑稽的或是怪誕的滑音，因而在爵士樂隊中大出風頭；小號也是爵士樂手偏愛的樂器，這種樂器加上不同的弱音器所產生的新奇的音色以及最高音區的幾個音幾乎成了爵士樂獨有的音色特徵；鋼琴、班卓琴、吉他以及後來出現的電吉他則以其打擊式的有力音響和演奏和絃的能力而佔據重要地位。相反，在傳統樂隊中最重要的絃樂器（小提琴、中提琴、大提琴）的地位相對次要一些；圓號的濃郁音色在管絃樂隊中是很迷人的，但是對於爵士樂隊來說，它的氣質太溫順了，幾乎無人使用。在管絃樂隊中，每件樂器在音色和音量的控制上都儘量溶入整體的音響之中，在爵士樂隊中卻恰恰相反，樂手們竭力使每一件樂器都“站起來”。
樂隊的編制很靈活，最基本的是兩個部分——節奏組與旋律組。在早期的爵士樂隊中，節奏組由低音號、班卓琴和鼓組成，後來，低音號和班卓琴逐漸被低音提琴（倍司）和吉他所取代，鋼琴也加入進來。在30年代，興起一種舞曲樂隊，當時稱為“大樂隊”，它有三部分組成：節奏組、銅管組和木管組。節奏組使用的樂器仍然是低音提琴、吉他、鋼琴和鼓；銅管組常見的編制是三支小號和兩支長號，但這個數目並不固定；木管組通常由四五支薩克斯管組成，每個人都兼吹單簧管或是別的木管樂器，如果編制是五支薩克斯管，一般是兩支中音、兩支次中音、一支上低音。還有一種商業性的（有時也稱為“甜美型”、“旅館型”等等）的樂隊，編制與“大樂隊”差不多，但薩克斯管往往全部用次中音的，木管組會較多地使用其它的樂器（如長笛、雙簧管），有時還加上三四個小提琴，在商品錄音帶中經常可以聽到這類樂隊的音響。
與傳統音樂比較而言，爵士樂的另一大特徵是它的發音方法和音色，無論是樂器還是人聲，這些特徵都足以使人們絕不會將它們與任何傳統音樂的音色混淆。這些特殊之處大多來源於用樂器或人聲對美洲黑人民歌的模仿。如果我們有機會聽到真正的黑人田間歌曲和靈歌，就會發現那些由粗嘎到圓滑、由窒悶到響亮、由刺耳到柔美、由野蠻到抒情的大幅度的變化是多麼地富有特色、動人心魄。而在爵士樂中，更加入了非歌唱的吼聲、高叫和呻吟，突出了這種感覺。除此以外，特殊的演奏和演唱技巧也是造成特異效果的重要手段，在這些技巧中最常用的是不同於傳統觀念的顫音。我們知道，所謂顫音是音高（有時也可能是力度）的有規律的變化造成的；比如小提琴上的揉弦，就是利用這種變化而產生富有生命力的音響效果。爵士樂中的顫音是有變化的，變化的方向一般是幅度由窄到寬，速度由慢到快，而且常常在一個音臨近結束時增加抖動的幅度和速度，更加強了這種技巧的表現力。同時，在一個音開始時，爵士樂手們會從下向上滑到預定的音高，在結束時，又從原來的音高滑下來。所有這些變化都是無法用樂譜來詳細記錄的，有經驗的爵士樂手都熟練地掌握了這一類的方法、尤其是這種觀念，他們可以根據不同的旋律或伴奏音型將這些效果“製造”出來。因此可以這樣說：由於即興的傳統和技巧的個人發揮，爵士樂是由作曲家和樂手共同創造的。受過傳統教育的音樂家之所以很難表演爵士樂，就是因為他們沒有培養出這樣的特殊的音樂觀念。如果我們細心地比較一下真正的民間歌手和受過正規訓練的歌手演唱同一首民歌的差別，對此中的含義就會有一個更直觀的概念。
從爵士樂誕生之初，它就吸引了眾多的轉業作曲家。1920年，美國指揮家保羅·懷特曼組織了一支著名的樂隊，將改編的爵士樂作品帶進了音樂廳。這種新潮流引起了許多“嚴肅”的爵士樂愛好者的激烈反對，然而，正是從這以後，爵士樂在美國和歐洲家喻戶曉，受到廣泛的歡迎。格什溫的《藍色狂想曲》在這時誕生，為這部作品配器的人就是懷特曼樂隊的作曲家格羅菲。按照手稿上的記錄，寫這部作品只用了三個星期，演出後幾乎是立即引起轟動。歐洲作曲家也有許多以爵士樂為基礎或是受爵士樂影響的作品，例如：德彪西的鋼琴曲《醜黑怪步態舞》（1908）、《遊吟詩人》（1910）、《怪人拉維納將軍》（1910）；拉威爾的小提琴奏鳴曲中的慢樂章（布魯斯）；斯特拉文斯基的《11件獨奏樂器的雷格泰姆》（1919）、《士兵的故事》（1918）、《黑木協奏曲》；欣德米特的《室內樂第一號》（作品24，無調性）和鋼琴組曲（1922）。
⒌ 鄉村音樂(藍草音樂、搖擺樂不是搖滾)
一、鄉村音樂的誕生
鄉村音樂（Country Music）出現於20世紀20年代，它來源於美國南方農業地區的民間音樂，最早受到英國傳統民謠的影響而發展起來。最早的鄉村音樂是傳統的山區音樂（Hillbilly Music），它的曲調簡單、節奏平穩，帶有敘述性，與城市裡的傷感流行歌曲不同的是，它帶有較濃的鄉土氣息。山區音樂的歌詞主要以家鄉、失戀、流浪、宗教信仰為題材，演唱通常以獨唱為主，有時也加入伴唱，伴奏樂器以提琴、班卓琴、吉他等（50年代中期以前，傳統的鄉村音樂樂隊裡沒有鼓）為代表。演出場所主要在家裡、教堂和鄉村集市，有時也參加地區性巡迴演出。它與大城市的文化生活相隔離，一直處於自我封閉狀態。
20世紀20年代，有些電臺為了迎合農村聽眾的口味，開始播放山區音樂，如芝加哥的"民族穀倉舞"（National Barn Dance）節目（1924），納什維爾的"老式大劇院"（Grand old Opry）節目（1925）等，很受歡迎。這種做法鼓勵了山區音樂的樂師去電臺錄音，也激發了唱片公司去各地發現人才、錄製唱片。從此，山區音樂開始匯入美國流行音樂的主流，並湧現出最早的一批鄉村歌手，如吉米·羅傑斯和"卡特家族"演唱組。
吉米·羅傑斯（Jimmie Rodgers，1897～1933）融合了布魯斯、白人山區歌謠（Yodels）以及民謠（Folk）等多種音樂風格，被認為是鄉村音樂的開創者，並冠以"鄉村音樂之王"的稱號。他的歌唱從容、悠然，並且發展了一種獨特的、真假聲來回轉換的山區民間唱法："藍色的約得爾唱法"（blue yodel）。雖然他一生飽受肺病的折磨，但是始終沒有放棄過對鄉村音樂的執著。從1929年，到1933年羅傑斯共錄製了一百一十首歌曲，1933年5月26 日，在剛錄完音的兩天後正值盛年的吉米·羅傑斯因病情惡化而去世。
"卡特家族"（The Carter family，由Alvin Carter，1891～1960，和他的妻子、弟媳婦三人組成）以一種安逸、諧和的曲風和著眼於家園、上帝和信仰等題材而贏得了聽眾的喜愛。對於像"卡特家族"這樣的藝人，演唱只是一種業餘的謀生方式。但是在鄉村音樂的初始階段，他們的確為鄉村音樂的發展做出了巨大的貢獻，同時也為早期鄉村音樂留下了寶貴的錄音資料。
二、西部搖擺
20世紀30年代，由於美國東南部經濟的不景氣，使得唱片銷量急劇下降，鄉村音樂只能通過大量的廣播節目而維持它的聽眾。此時出現了一種現象，原來的演唱組逐漸被個人演唱所替代。如羅伊·阿卡夫（Roy Acuff）、簡尼·奧崔（Gene Autry）等人成了這時的焦點人物。在這種背景下，來自德克薩斯的鮑勃·韋爾斯（Bob Wills）在鄉村音樂中融入了大量的西部牛仔歌曲（一種來自鄉間的浪漫情歌）和搖擺樂的成分，創造了一種類似"大樂隊"陣容的西部搖擺（Westen Swing）風格。1933年，鮑勃·韋爾斯將這種集合了舞蹈節奏、提琴音色、大樂隊陣容、爵士唱法和架子鼓、失真吉它的新型風格成功地推向了市場，從而使其獲得了"西部搖擺之王"的稱號。
三、 藍草音樂
20世紀40年代，在肯塔基州的山區還出現了鄉村音樂的另一個分支，叫藍草音樂（Bluegrass Music）。它在鄉村音樂的基礎上，吸收了當地古老的玉米脫粒晚會上的班卓音樂和提琴音樂，以及南部山區的敘事歌曲等因素髮展而成。
藍草音樂的演唱一般都是多聲部的，除主旋律聲部外，往往還在上方用假聲疊置一個和聲聲部，有時還在主旋律下方加上一兩個低音聲部。它的伴奏樂器以班卓琴和提琴而獨具特色，有時還採用曼陀林、低音提琴等民間樂器，傳統鄉村音樂沒有架子鼓的特點也在藍草音樂中得到了保留。藍草音樂的速度一般都比較快，每分鐘160-330拍左右。
藍草音樂在發展過程中受到爵士樂的影響，常在器樂段落中出現比較華麗的即興獨奏。70年代，當其他鄉村音樂普遍採用電聲樂器時，他們仍採用傳統樂器演奏。著名的藍草音樂家和樂隊有：比爾·蒙魯（Bill Monroe，1911～ ）領導的"藍草男孩"（Bluegrass Boys）樂隊、奧斯本兄弟（Osborne Brothers）、"約翰遜山脈男孩"（The Johnson Mountain Boys）、"納什維爾藍草樂隊"（The Nashville Bluegrass Band）等。
四 、納什維爾之聲
20世紀50年代，納什維爾成了鄉村音樂的集中營，著名的鄉村音樂家大部分都來自這裡。因此，"納什維爾之聲"（Nashville Sound）也成了鄉村音樂的代名詞。
第二次世界大戰以前，鄉村音樂雖然已經得到了廣泛的傳播，但總的來說，它仍是一個地區性的樂種。由於戰爭的緣故加速了人口移動，使不同文化背景的人們有了更多的接觸，特別是很多南方農村青年，移居到北部和東西部城市。於是，鄉村音樂的影響進一步擴大，成為有全國影響的流行音樂形式，並被正式稱為鄉村音樂（在此之前鄉村音樂一直沒有具體的命名），有時也叫做鄉村和西部音樂（Country and western music）。
很多鄉村音樂家對於把鄉村音樂帶出南部或中西部都作出了貢獻，其中貢獻最大的是漢克·威廉姆斯。
漢克·威廉姆斯（Hank williams，1923～1953），1923年出生於亞拉巴馬州。在風格上，他既不像東南部的和聲風格，也不接近西部流行的西部搖擺風格，他創造了一種抑鬱的但卻堅定的唱法。漢克·威廉姆斯40年代在鄉村音樂界的地位，就如同20年代的吉米·羅傑斯，甚至還要高。
威廉姆斯1946年開始出唱片，他推出了一系列衝擊流行音樂市場的歌曲，如《相思布魯斯》（Lovesick Blues）、《今晚不要流淚》（There will be no teardrops tonight）、《你的欺騙之心》（Your cheatin' heart）以及《你又贏了》（You win again）等，其中最有名的代表作品《什錦菜》（Jambalaya，例12）成了世界上家喻戶曉的經典歌曲。威廉姆斯還在他的音樂中保留了一定的舊式宗教成分，製作了一些有力的傳統福音歌曲。
1953年元旦，威廉姆斯由於吸毒過量死在他汽車的後座上。與他同時代的鄉村歌手們幾乎都受到了他的影響，他在鄉村歌集中的作品也許比任何人都要多。
由於第二次世界大戰結束以後，美國社會的繁榮使得鄉村音樂得到了飛速發展。如：此時的"老式大劇院"廣播節目擁有了一千萬聽眾，"民族穀倉舞"節目也越來越受到人們的喜愛。"納什維爾之聲"也隨即開始遍佈全國。
⒍ 新世紀音樂(NEW AGE)
New Age Music----新世紀音樂，也有譯作新紀元音樂的。關於她的起源眾說紛紜，不過
有一點是肯定的，這種音樂形式的出現不會早於70年代。那時候出版的牛津音樂詞典也沒有
New Age這個條目。60年代末期，德國一些音樂家將電子合成器音響的概念融入原音演奏或
即興表演方式，啟迪了許多新進音樂家運用更多元的手法開拓新的領域。該時期的音樂己具
備了New Age的發展雛形。到了1973年，在舊金山一群素昧平生的音樂家在某個音樂節上相
會，這些人忽然發現雖然他們以前沒交流過，可是互相之間的音樂卻有很多共通之處。他們
的音樂都是從冥思和心靈作為出發點而創作的，這種類型不同於以前的任何一種音樂，他們
把這種非流行、非古典、具實驗性質的樂風取名為New Age，它指的是一種“劃時代、新世
紀的音樂”。90年代的今天，New Age音樂呈現出了更多樣化的風貌。樂界已形成一股百家爭
鳴、各擁其妙的新勢力。正因如此，New Age不只是一個單純界定樂風區別的名詞，而是象
徵著時代的演進、形而上精神內涵改良的世紀新風貌。
在這裡還有個小典故，New Age 又指The Aquarian Age （寶瓶座時代），西方神秘學家
認為人類正進入寶瓶座時代，象徵了人類將從物質的追求過渡到自己內心的探索，雖然在物
質方面人類有人種、膚色、語言、宗教信仰等等的不同，但人類的心靈深處都有一個共通點。
正因為這一點，所有人都是同宗同源的，平等的。正如Secret Garden的主創羅夫蘭（Loveland）
所說：每個人的心中都有一座神秘園。你可以在這裡尋求慰籍。當你一個人靜下心來聆聽《Song
From A Secret Garden》，就會知道此言不虛了。
New Age 音樂時常在我們的周圍響起，現在越來越多的廣告開始用New Age 作為背景
音樂；很多電視片也傾向於用新世紀作為自己的結尾曲；各大商場也發現，用新世紀代替原
先的流行音效果更好。如果再仔細尋找的話，就會發現原來這種音樂一直伴隨著我們的成長，
小時候喜歡看趙忠祥解說的《動物世界》，而對這片子的開始曲總是念念不忘，直到長大了才
發現原來這就是正宗的新世紀，曲子名叫《Westay》，可以在《The Future Sound Of World》
這張專輯中找到。
粗聽上去，新世紀音樂介於古典樂和輕音樂之間，但新世紀更富於變幻，因為她並不是
單指一個類別而是指一個範疇，她包括了幾乎所有不同以往，象徵著時代更替，詮釋精神內
涵之改良的音樂。因此，你會發現能被稱為新世紀的音樂是如此豐富，一切自然界的聲音都
可能出現在音樂中，所有種類的樂器在此一視同仁，其中的人聲更是豐富，從歌唱家到土著
樂手，一切都是那麼自然。就一般而言，新世紀還是有其特點的：
其一，新世紀音樂很少有強烈的節奏（但ENIGMA的音樂卻有很明顯的節奏），這點同饒
舌和搖滾形成了鮮明的對比，後兩者幾乎通篇就是各種打擊樂，除了節奏還是節奏。對於新
世紀而言，有了節奏就可能受限制。
其二，新世紀的旋律感常常很少。這點不同於流行樂，流行樂需要優美易記的旋律，以
便於讓每個人都能唱。有時候聽了好幾遍某首新世紀樂曲，還是記不住她的旋律，這便是新
世紀賦予大家極大想像空間的原因了。
