关于成长类型的电影，国内拍的话大部分是以解决一些成长烦恼为主，还有一些烂俗的青春校园电影以爱情为主要描述对象，最近今年一些影片将成长的关注点对焦在校园暴力上，可是关于孩子的成长，真的是非黑即白的吗？
日本电影中关于成长的电影大部分会涉及到有关人性的思考，很多时候他们将电影作为一种极致的宣泄产品，暴力血腥的镜头配合孩子天真无邪的笑容，造成这种反差的视觉冲击，似乎是一种对于紧张情绪的发泄。
这似乎与日本的文化有关，在中国五千年的的岁月长河里，人们简化了很多古时候的礼节，如跪拜礼、位置的讲究等，而日本快速发展的背景下，他们的传统礼节似乎不少反增。在日常生活中大大小小数不清的礼节中，他们平常喝水走路都要遵循等级，以至于所谓的自然表露受到压抑，情绪在压力的作用下逐渐转变为扭曲的力量。
电影成为了他们的一种发泄途径，这也就成为构成日本电影的独特模式的一种方式——日本式极致的反差。
《告白》便是这样一部反差类型的电影，透过里面不同人物的告白，尤其是对于小孩那种反差式的残忍，相信你会对青少年成长和人性都有些不一样的体验。
记得《后会无期》里江浩曾说过的一句话："就算是恶人，也会在适合的情境中呈现出善意。"去判断一个人为恶人，是这个世界上唯一的恶意。可导演中岛哲也反其道而行，将恶渗透到极致，一个小孩子能怎样，导演就通过电影，让你看看它究竟能怎样。
提起中岛哲也，大家脑海里想到的，一定是那部经典的《被嫌弃的松子的一生》。这个导演善用镜头语言，这可能与他广告出身有关，他的电影可以将一个极端压抑的故事小清新的表达出来，将暴力美学发挥到极致。
说起来，中岛哲算是当代日本最好的视觉系导演，细数他的作品无不体现出他高超的画面表达能力，在这部电影里导演关于谋杀、欺凌、成长的取材，一定会让你从极致的反差中感受到最真实的人性。
影片中课间嬉笑打闹的同学们，那些自由美好的镜头在同学们的身上来回切换，让人沉醉在孩子们的天真中，可一瓶牛奶的打翻，似乎昭示着反差的到来。这时你会发现影片的影调是冷色调，导演将这个简单的课间渲染成了恐怖片开头的既视感，这种极强烈的反差对比，从第一幕便开始了。
接着是老师的出场，孩子们依旧嬉笑打闹，根本没有将老师放在眼里，这种情景带有某种讽刺意味，随着老师的告白，讲述自己女儿的死亡，教室开始鸦雀无声，然后是所谓的复仇——将HIV感染者的血液混入凶手的牛奶中，微笑的面容说着恐怖的话，随着同学们的一声尖叫，打破一切平静。
在原著小说中作者也是使用了第一人称进行讲述，且叙述紧凑，用这种第一视角真实的力量吸引读者读下去。电影中导演也借鉴了原著的结构，从不同视角下手，深刻为我们剖析了整个黑暗故事，且剧情完整不拖沓，让观众们看得过瘾。
此外片中的反差还体现在大量慢镜头的使用，带着抒情意味的慢镜头来描述死亡，如松隆子的女儿被少年抛进池塘，女二号被打死时死不瞑目的镜头，下村直树的妈妈被直树挥刀砍死的镜头甚至堪称美丽，慢镜头特写将鲜血的轨迹都描绘了出来，以及本片末尾让人震撼的假爆炸。这种以温柔抒情的方式勾勒令人毛骨悚然的片段，对"恶"不加掩饰的渲染，甚至夸张，使我们体会到发自灵魂深处的颤抖。这种反差，不知道多少人能抗住。
此外电影的配乐是不得不说的一大反差点，开头那段略显轻快的《Milk》就是之后情绪反差的铺垫。当听到AKB的《River》时，镜头不时晃过女孩们们身姿，这种混沌又充满吸引力的表现方式。不仅将不协调感发挥到极致，还并没有让观众产生出戏的感觉，这应该算导演把控电影视听语言上的魅力之处吧。
影片中最让人称赞的一个反差片段，应该是本片的片尾。导演使用逆行闹钟来制造场景，那段爆炸逐秒倒退的镜头与修哉脸部特写进行了交替剪辑。后面，闹钟突然正行，慢镜头消失，瞬间的动态使得惨叫都在火焰中戛然而止。而再在这之前，松隆子冷酷地一句"我听见重要的东西消失的声音——停顿，"不是'啪叽！'，而是'轰隆！'"
直到最后，老师屈膝在修哉面前，表情是狰狞与内忍交杂，对他说"从今天开始是你重生的第一步"之后留下了足够长的黑屏，只听见她的声音带着嘲笑——"开玩笑的。这种剧情的大起大落，看过之后真的是让人难以忘怀。
中岛哲也这部作品中这种极致的反差感让人心凉飕飕的，不过电影里出现的很多关于孩子们的告白，似乎更加能引起人们的思考，他们的长辈们要么缺席，要么无法给予足够的爱，而这些年轻人，她们只能用奇装异服或者犯罪的方式来吸引他人关注。
而这些原因大部分也是当今青少年犯罪的原因—自身家庭的不幸导致对于社会的一种攻击。所以导演应该也是想通过这种夸张的表现手法，来提醒家长们，多陪伴一下自己的孩子。
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