解強強
美術中的永恆之美是指那些經過了歲月沉澱歷史檢驗為歷代的人們所肯定所讚美的美術藝術作品所具有的特質和特徵。比如王羲之的《蘭亭序》、顧愷之的《洛神賦圖》、王希孟的《千里江山圖》、古希臘雕塑《斷臂的維納斯》、米開朗基羅雕塑《大衛》、達芬奇油畫《蒙娜麗莎》、拉斐爾油畫《西斯廷聖母》、安格爾油畫《泉》等等等等，都是美術作品中具有永恆之美的範例。
美術作品中所表現出的永恆之美，不只體現在美術作品的表現形式上，也不只體現在藝術家高超精湛的藝術技法和表現手法上，更體現在作品中包含著的或深刻或豐富的人文思想情感和文化的歷史的要素，這種思想情感具有真善美的本質，是人類共通的而且能夠超越時代的為不同國家不同民族不同時代的人們所接受所認可。
比如古希臘時期的雕塑作品《斷臂的維納斯》已經2000多年了，為一代又一代的人們所讚美。人們不認為斷臂的維納斯因為少了胳膊而成為缺憾，仍然認為維納斯是美麗聖潔的女神，是完美女性的化身。這是因為從維納斯身上流露出的是高尚優雅的氣質氣息，這種氣質氣息是一種永恆的美，它足以彌補維納斯斷臂所帶來的缺憾。
再比如王羲之的《蘭亭序》，已經1600年了，為歷代的文人墨客和書法愛好者所推崇，稱之為“天下第一行書”。《蘭亭序》不僅在書法藝術上表現卓越，字字珠璣，而且其思想內容也是豐富的，彰顯出晉代那個時期文人的情懷和情趣。《蘭亭序》成為美術之書法作品永恆之美的典範。
燈影書畫
美術作品中的永恆之美，是作品帶給我們心理的愉悅感，是作品帶給我們內心對美好事物的想往，是作品的形式、內容、色彩、形態所引發的心理趨同、心靈感應和慰藉。古希臘雕塑作品《斷臂維納斯》，經歷了兩千年的歲月沉澱，其勻稱而略顯豐滿的體態，優美而典雅的身姿，仍然被世人看作是美的化身。雖然歲月造成了她手臂的殘缺，但殘缺的手臂絲毫沒有影響我們對美的假想。中國敦煌莫高窟壁畫，描繪的飛天女性形象，形態各異、體態優美、線條流暢，雖歷經千年的風雨侵蝕，仍然煥發著無窮的藝術魅力。
美術作品的永恆之美，是藝術作品的生命，是超乎國界、人種所感知的美好心理感受，是永恆瞬間美的凝固。
海洋的藝術空間
美術包括繪畫、雕塑、工藝美術等。繪畫屬於美術範疇，繪畫的永恆之美是塑造藝術感染力的審美理想。繪畫是視覺空間的造型藝術，具有藝術性審美形象。
一、繪畫藝術中表現女性人體為題材的繪畫作品，具有藝術欣賞性的審美感受。女性人體本身就是美感的藝術象徵，是繪畫藝術的永恆之美，是表達畫家對女性人體一往情深的審美情感。
二、古今中外在繪畫藝術中，畫家大多數都是以女人體作為模特，塑造女性人體美麗動人的藝術形象，表現出女性人體優美形態的審美理想。女性體是藝術家創作繪畫作品中永恆的主題思想，體現畫家喜歡的不可多得的審美需要，它是啟迪人們思想情感審美教育。
三、以女人體為藝術形象可以達到藝術的最高境界，塑造出女性美貌動人的人體藝術審美感，觸及人們視覺讚美的情感，表現出對人體藝術的深情厚誼。人們在欣賞人體藝術中的女性人體之美時，以審美的情感品味出女性美麗動人的藝術形象，所感悟出女性風韻猶存的藝術美感。
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黃智637
美術中的永恆之美應該是在跨越漫長時光的欣賞中所顯示出的巨大生命力。這個生命力的內因是作品的創作者的精神智慧；這個生命力的外因則包括兩個缺一不可的要素：一個是漫漫的歲月，一個是不斷的欣賞。
審美大師朱光潛先生在論到詩歌的生命中曾寫過這樣一段：“一首詩的生命不是作者一個人所能維持住，也要讀者幫忙才行。讀者的想象和情感是生生不息的，一首詩的生命也就是生生不息的”。對詩歌如此，對美術作品我想也是同樣。
那些不朽的美術作品，無論是達.芬奇的《蒙娜麗莎》，還是斷臂的《米洛斯的維納斯》，還是米開朗基羅的《大衛像》，還是拉斐爾的《西斯廷聖母》，還是安格爾的《春之仙女》，還是文森特.梵.高的《星空夜》......, 當它們被創造它們的大師用精神智慧和高超的技巧賦予了藝術生命之後，它們能成為到今天還閃耀著璀璨的藝術之光的美術作品，靠的正是一代代人對它們的不斷欣賞，這些欣賞不僅可以用以挖掘這些大師創造這些作品時的精神智慧，又可以不斷賦予這些作品以新的意境、新的想象和新的情感。這正像是我們中國那些經久流傳的古詩詞，在每一個時代，又會生出不同的新意。
那些美術大師，推而廣之到那些不朽的藝術大師，他們和普通藝術家的區別就在於，他們不僅僅是在藝術的天地中辛苦耕耘，他們更重要的使命是育種：將一顆有生命力的種子種植在自己的作品之中，並在欣賞的灌溉中不斷成長，開花結果，又結出新的種子，......，而這粒最初的種子當中，就已經具有了永恆之美的藝術基因——創作者的精神智慧！
（2020年2月2日凌晨1：14，於首都國際機場E21候機廳）
德國諾亞
書畫藝術是美術中的一種，就書法而言，有人認為書法藝術是抽象美，有人認為書法藝術是形象美，有人認為書法藝術美既抽象又具體，還有人認為書法藝術美之特徵是表意，總之，各種見解都有相當的影響，那麼，美術中的永恆之美是什麼呢？
美術中的永恆之美
字面理解“永恆”，是永遠恆久不變的意思，那麼“永恆之美”顧名思義是永遠恆久不變的美，具體的說，是適應任何時代審美的一種美，然而，在美術領域中，具有永恆之美的藝術作品，並不是很多，大多數藝術作品只適合所處時代的審美，舉個例子，抽象派畫作，就沒辦法具有“永恆之美”，
唯有傳世之作，才具備“永恆之美”，這話很容易理解，一件藝術作品，被每個時代的藝術家臨摹模仿研習，那就稱得上是“永恆之美”，比如，“書聖”王羲之的書法作品《蘭亭序》，“歐洲文藝復興三傑”達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾的油畫作品，連續好幾個世紀的藝術家都在臨摹描繪研習，當代畫家陳丹青都還在臨摹達芬奇、米開朗基羅的作品……，
那麼，藝術家是怎樣讓自己的藝術作品成為“永恆之美”象徵的呢？這就和藝術家所處時代有關了，
唯有生活在一個極自由、極解放、最富於智慧、最濃於熱情，又最富有藝術精神的時代的藝術家，才能創作出“永恆之美”的藝術作品，除此之外，絕不可能，
當然了，更主要是和藝術家自身因素有關，比如，藝術家的師承、家學、名家影響，以及藝術家的個性、氣質、膽識、藝術素養、審美情趣、立意，以至人品都有關係，值得注意的是，唯有傳統技法之下的傳統作品，才具備“永恆之美”，任何抽象藝術作品，都和“永恆美”無關。 
詩夜城主
美術中的永恆之美，是通過藝術家的創作，把瞬息即失的美永恆地保存在藝術載體之中，進而讓一閃而過的美成為千古不磨的不朽之美。
藝術是創造美的，藝術家的創作是源於生活，高於生活的。因而藝術美比之於生活中的美更集中，更典型，更生動，更高雅。所以藝術美是一個美的寶庫，既豐富多彩，又華貴典雅，是人類所創造的瑰寶。
藝術美讓美的源泉的生活美變成永恆。
比如西方油畫所創作的美人形象，正是把美女的青春之美保存到永恆。
美女的美貌，青春期達到頂峰。這一時期用畫筆畫出，也就是對其青春之美的美化與保存。青春會瞬息即失，而青春之美通過油畫載體保存下來，就讓一時之美保存到永遠。
西方人是非常向往保留青春之美的，特別是美女，對詩人畫家十分崇拜嚮往。目的就是通過文學藝術把自己的青春之美保存在文學藝術作品中。
前蘇聯有個著名青年詩人萊蒙托夫，他夜晚到夜店用餐，遇到了美妙迷人的美女，整個夜店能沸騰起來，美女用尖叫聲喊詩人的名字，表示對詩人的崇拜，以致於引起詩人的注意並用詩歌去詠贊她們，以使她們的名字美貌永存人間，變得不朽。
西方的美女更喜歡油畫家以其美貌作對象，畫出永恆的美，萬古流芳。有的無名美女因畫家，文學家，詩人的作品，而讓其美象洛神，蒙娜麗莎，美惠三女神，八十七神仙一樣變成永恆。
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GoodLuck6868
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美術中的永恆之美，個人拙見，對於繪畫作品中，曠世奇才達芬奇的作品，《蒙娜麗莎》，畫中的蒙娜麗莎，經過達芬奇高超的超薄暈塗法，經過畫家對神態巧妙精湛的捕捉，留下若隱若現，似有似無的微笑，留下永恆的微笑
蒙娜麗莎那神秘的微笑，創作出了理想美，完美化的典型，瞬間即逝的微笑表情，定格成為一種永恆的象徵。
西方美術史上，20世紀的現代雕塑家，亨利摩爾的雕塑作品，呈現了一種永恆的美麗。
亨利摩爾的雕塑語言，古樸，簡潔，寧靜，既代表現代雕塑的造型語言，又不失傳統古希臘雕塑典雅，和諧的美感
亨利摩爾的雕塑，如同西方現代藝術時期的繪畫，突破傳統客觀寫實的再現美，而是採用象徵的現代手法，表現對象內在生命力，結實，沉靜
亨利摩爾，善於在實體中挖出空洞，創造負空間，如同中國畫中虛實相生的意境，反映雕塑家對宇宙自然生命力的永恆的思考，對生命奧秘的探究和思索
亨利摩爾的雕塑，形式語言簡潔，但呈現深沉的內涵，呈現永恆寧靜的宇宙和生命力，他的雕塑，適合放置白雲，草地，遠山，呈現人與自然的氣魄和永恆的生命力。
美術作品中的永恆之美，個人粗淺的理解是，作品中，靜穆，單純，和諧，凝結成的雕塑般莊重的定格永恆的美感
如同米勒畫筆下三個拾麥穗的婦女，雕塑般厚重的形體感，塑造了永恆定格的美感
永恆的美感，是中西方美術史上，經久不衰，千古流傳，跨越千年的經典畫作，經典雕塑作品，留下經久不衰，永不褪色的魅力
如古希臘雕塑，其莊重，崇高哦，聖潔典雅的美感，留下經久不衰永恆的魅力
文藝復興時代的傳統寫實古典油畫，奠定了西方美術史上，所有油畫流派風格的傳統地基，直到當今，文藝復興時期，古典油畫的技法，構圖，色彩，造型都值得我們學習研究，留下永恆的魅力。
回答完畢
我是藝術狂人，從事少兒美術教育，如有美術，美術教育的疑問，歡迎私信
藝術狂人2
威廉·阿道夫·布格羅(William Adolphe Bouguereau)， 1825年出生於法國比斯開灣小城拉羅歇爾。 布格羅的父親是小商人，先做葡萄酒生意，後做橄欖油生意。布格羅對於接手家裡的生意興趣缺缺，他的叔叔同時也是天主教神父的尤金於是開始教導他古典主義和聖經的題材，並且安排布格羅到波爾多的藝術學校半工半讀兩年，學習繪畫。這段期間布格羅還幫果醬罐子公司設計商標來存錢。
不久布格羅的父親終於被說服，讓布格羅在1846年用賣出33幅畫像的900法郎加上親戚的籌款，到巴黎的法朗索瓦·愛德華·皮柯特畫室學習，兩個月後作為100名學生中的第99名進入法國美術學院。除了藝術上的學習外，布格羅同時也學習生物解剖、考古、和歷史服裝等課程。
在皮柯特的教導下，布格羅繼續學習學院派的畫風。當時學院派將歷史和神話題材作為評量藝術的最高標準，擅長這些領域的布格羅在1850年得法國國家藝術獎學金羅馬大獎。獲獎的獎勵之一，便是與其他獲獎者一起前往意大利遊學，並居住在著名的美第奇別墅，布格羅遊歷了意大利的許多城市，模擬古代及文藝復興時期藝術家的作品。
1856年，布格羅與瑪麗-奈莉·瑪爵伯恩結婚，兩人後來生下五名小孩。到了1850年代末，布格羅已經與當時的藝術界買賣商有密切的關係，尤其是畫商保羅·丟朗-呂厄（Paul Durand-Ruel，後來成了印象派的重要支持者之一），丟朗-呂厄幫他在沙龍上賣出了大量的繪畫。
巴黎沙龍每年都會吸引超過30萬人參觀，對於當時畫家的知名度宣傳是極為重要的場合。布格羅的名聲在1860年開始傳到英國，同時他利用增加的收入在巴黎的蒙帕納斯買下了一間房子和畫室。
1877年，布格羅的妻子因難產而死，1896年與一名他教導出的女畫家伊麗莎白·珍·加德納結婚。由於他的第二個夫人也是他的學生，所以當時受夫人的影響，極力幫助女性畫家舉辦畫展。儘管在畫風上布格羅是標準的傳統主義者，然而他在世時卻利用他的影響力使許多法國的藝術機構開始開放給女性學生就讀，包括了法蘭西學術院在內。
布格羅曾在巴黎國家高等美術學院及朱利安美術學院任教, 學生眾多。他經常告訴他的學生們，人們必須尋求美和真，必須使作品達到極致。只存在一種畫，就是能把毫無瑕疵的美和完善呈現到人們眼前的畫，如同委羅內塞和提香的作品一樣。
布格羅是19世紀末著名的法國學院派畫家，他的繪畫常用神話作為靈感，以19世紀的現實主義繪畫技巧來詮釋古典主義的題材，並且經常以女性的軀體作為描繪對象。他一生堅持唯美主義的學院派風格，他的作品很受當時人的欣賞，現代對他的作品也大有人讚美。
布格羅在美術界雖然是逆歷史潮流的人物，但他的作品確實給人一種美的享受，有時為了追求完美，他也不惜篡改現實。所以他的作品經常取材於古代的神話，以超出現實的美展現出來。
在布格羅的畫作裡，女性的形象非常恬美，有婦女，仙女和農村姑娘等人物。其環境多為鄉間叢林，寧逸靜瑟。
布格羅在世時於法國和美國都享有高度的名聲，並且在一生中獲得眾多的榮譽，同時他的作品在當時也都以超高價賣出。
作為那個時代沙龍畫家中的佼佼者，布格羅成為後來崛起的印象派等前衛藝術的首要攻擊對象，並且在20世紀由於現代主義的崛起而被遺忘。
到了1980年代，對於人物畫和19世紀畫風的興趣重新崛起，布格羅的繪畫才又開始被重視，並且被認為是學院派藝術最重要的畫家之一。在他一生中，布格羅總共畫了822幅當下已知的畫，除此之外還有其他許多作品的下落不明。
皓月紫光
天壽先生言:“藝術乃精神食糧。
實際上，藝術中的美術不僅僅從精神上滿足人類精神需要，也從物質上保障人類生活生產需要。
自人類社會產生以來，美術便與之相伴。原始彩陶、巖畫，(貝殼打孔串成的)項練、帛畫、紙質畫、壁畫、(人物，山水，花鳥)，外來的水彩、水粉、油畫，圖案、工業設計、建築設計、室內設計、服裝設計、環境設計、陶瓷設計、園林設計，塑雕等等美術門類，一直陪伴我們。
它們在變化著，從單一到複雜，由粗糙到精緻，適應著人類需要。
美的變化讓美術精緻細膩，適應著多元的人類活動。
人們也通過聯想，主動參與美術創作。美的聯想讓人們參與美術創作，以便充分運用美術作品。
由於美術在，讓我們的生活，五彩繽紛，豐富多彩。不同的年代，不同的地域，不同的人群對美術的要求不一，因而美的樣式，內容呈現出多樣性。
永恆的因素只有兩項:美的變化和美的聯想——它們是永遠不變的。
塗之人995
氣韻生動，形象鮮明，具有作者紮實的藝術功底和堅實的文化素養。
這樣的作品，飽含了畫家深刻的個性特點和豐富的人文氣質。當然，這是從理論上而言，一件成功的作品，就應該具備這些基本的要素。
但是，也有的美術作品，其所謂的永恆之美，卻不可排除利益的驅使，道德的低劣，也被捧抬為優秀之作：但凡這樣的作品，免不了剽竊、臨摹他人的構圖，或是本身就極其粗俗，入不了法眼，卻也納入到"永恆之美"的範疇一一這樣的優秀，無疑是一種無情的自我嘲諷，應該予以堅決的反對。
