影影圈圈

国画写生和油画写生，即是基础练习，也是素材收集，还是现场创作，画的好都是好作品。

陈会衡山水画家

国画和油画同属于视觉艺术，强调视觉效果，但两者给人的视觉效果都完全不一样，这是因为国画和油画的艺术载体不同，国画注重“写意”，油画注重“写实”，然而在创作的过程中，它们都离不开“写生”，那么国画的“写生”与油画的“写生”有什么不同的意义吗？

国画的“写生”是抽象的、纯粹的；油画的“写生”是具象的、百感交集的，

我们从国画和油画的画作表象来看，就容易理解了，国画中的人物表情形态是几乎模糊不清的，即便是形象逼真的山水、花鸟🐦画，都是给人一种“世外桃源”才有的仙境，很原始的自然景观，现实世界里是无法看到的，国画表达的是对大自然的情怀，

所以国画创作在整个写生的过程中，是让人的身心完全投入到大自然中，寻找对大自然的“感觉”简单的说，大自然才是国画的主体，而个人的情感只是一种陪衬，所以我们在欣赏一件国画作品时，总会感觉自己在身临其境，也就是国画中的“写意”，把画面传递给欣赏者的状态表达出来，

然而，无论哪种流派风格的油画，其实画作的表象都是很清晰具体的，因为油画有很强烈的色彩效果和形象的“空间立体感”，这就是油画的“写实”，它丰富的色彩会传递给人不同的情感或者情绪，可以这样去理解，油画创作整个写生的过程，就是捕捉“色彩”的过程，通过色彩来表达情感情绪，

“色彩”和“感觉”相比较，毫无疑问，“色彩”的概念要比较具体，而“感觉”的概念就比较抽象了；或许有人会说，艺术来源于生活，国画和油画的“写生”都是在体验生活，其实这样的认知就肤浅了，已经把国画和油画的宗旨一概而论了，确切的说，国画的宗旨是在表达“笔墨文化”、大自然的情怀，大自然没有生活可言，只有原本的面貌；油画的宗旨是在表达人们真实的情感、人文精神，这才是要真正体验生活的，

诗夜城主

邓老师说，为什么大家都说黄宾虹厉害，因为黄宾虹画的画师没有删减东西的，他能将画面上所有的物象井井有条的安排在一起，想一家人一样和和美美，这就是黄宾虹厉害的原因。只有到过现场写生，对生活中的东西有了感触之后，才能画出自己的东西，画面才丰富，否则就平淡无味，流于行画。每处的风景都自己独特的地方，虽然技法相同但是手法是不一样的，只有到了现场写生，才知道什么风景有什么样的手法去表现。比方说 ，如果用画桂林山水的手法去画太行山的石头，去皴皴点点，那手法明显就是错误的。

以上，希望对你能有所帮助。最后来一组邓老师写生的图片镇楼。

小莫聊桂林国画

这是一个很好的问题！在回答这两者区别之前，先来强调一下写生的重要性，写生是直接面对对象进行徒手绘的一种绘画方式。写生也是绘画专业人士常态化习作。可以根据作者的喜好或专攻题材类型自由选取对象。写生不仅能提高创作者眼手的配合能力，同时锻炼了创作者的观察、理解能力；使得创作者“理性”与“情感”，“现实”与“理想”得以个性化的“完美”体现。（艺术家一般追求完美）也为日后创作提供手边参考资料。

一：先简明讲讲国画技法理论概述。

“什么是中国画技法”？中国画的技法，实际上可以理解为中国画家运用毛笔的方法，也就是因毛笔而产生的“用笔”、“用墨”的技法，其中墨法中包含了色彩的技法。在中国画的发展过程中，特别是到了元代以后文人画家的介入，中国画的抒情意味越来越浓。中国画的笔墨的含义，已不是简单的技法问题，而是中国画的代名词。在中国画的笔墨观中，渗透了中国画的精神。

总的说来，中国画的技法是由“笔法”/“墨法”2部分组成。

（1）笔法又分为：“点、染、皴、擦、勾”5大要诀。

首先，着重介绍毛笔线条（勾）的运用，在历来传统中有线条是国画中的“骨”，“水墨”和“染彩”是国画中的“肉”之说。好的国画功底———要求良好的书法底子！这就是为什么要讲“书求画意，画求书会“艺术基因”的相互融合。客观地说国画笔法中的 “写” 与 “画” 动作是有微妙区别的。比如；国画中花鸟类的“写兰叶”/“画兰花”的通俗术语（一笔“写”出兰花叶子的神形，一笔“画”出兰花花瓣神形）再比如；画白描写生时，要求勾勒出的线条讲究“抑扬顿挫，轻重缓急”的丰富变化。 具体用笔有；中锋运笔、侧锋运笔、 顺锋运笔、逆锋运笔等。

毫不夸张地说———线条是中国画的艺术生命。勾勒线条分别在“花、鸟、虫、鱼、人物、山水”6大类别对象中具体应用是灵活多变的。大家可以看一看当下著名画家 “范 曾” 的古人物山水画。其勾勒人物和衣着线条非常有底蕴，颇有艺术造诣。

其它“点，擦，皴，染”几项笔法在6大类别中也是灵活多变的，这里就不一一详细介绍了。

（2） 接下来再着重介绍一下中国画“墨法”的使用。国画“墨法”，就是利用水的作用，产生了浓、淡、干、湿、深、浅不同的变化。

中国画与西画相反，主张黑白分明，“以墨为主，以色为辅”，把纯黑的墨色作为统帅画面的骨架和基调，色彩处理要在墨骨的基础上考虑，特别是水墨画的色彩，基本上是在墨的基调上进行，以求得单纯中的变化。即使是重彩画，也是在大块面固有色之间以墨骨的线进行统一协调，以求得变化中的和谐。

因此，中国画的用色受着用墨的制约，用色与用墨是分不开的，关键在于解决好色和墨的关系。

墨法又分为：a 色墨重叠法

b 色墨对比法

c 色墨混合法

a色墨重叠法

在较为完整充实的墨稿基础上，解决画面调子。用透明度强的颜色（如花青、藤黄、赭石、曙红等）在墨稿上罩染，不可能一次完成，要多次层层积染，使画面逐步形成统一调子，或冷或暖，或青或赭。关键的一点是水分要充足，用色和用墨不同，要有滋润感，不可干涂、干擦，把墨的韵味盖掉，要“色不碍墨”。

b色墨对比法

在绘制墨稿时，有意识、有计划地空出一部分（或山或树叶部分），留待用强烈的颜色完成，以使色和墨形成强烈的对比效果。如墨的树干树枝，用石青、石绿、石黄、朱砂等不透明的矿物颜色点染树叶部分；或用墨画山石与重色的树相衬。这样画面上就会色墨互映，相得益彰。

c色墨混合法

此法花鸟画多用，山水画中的没骨法也常使用。如花青或赭石调以少许淡墨画远山或云水，也很别致，色墨混融，合二而一，笔中即有微妙的色墨变化，比单用色显得有分量，比色墨两次罩染显得鲜活生动。在画没骨山水时此法特别显著。但初学者较难掌握，一下笔后不易更改。要“成竹在胸”然后挥毫，一气呵成。

二：接下来简要谈谈自己国画写生（实操经验），写生不同于临摹，创作，面对的是实物，实景。在合适的时间，场地，备好画材器具，同时深思熟虑做到“胸有成竹”，意在笔先。

（1）选择什么类型画法？

小写意/大写意/工笔画/白描/水墨等

（2）如何高水准的布局谋篇（构图）？

常见常用几种构图法则有：

少而精取势法/居中取势法/均衡取势法/疏密取势法/分段取势法/满幅取势法等

（3）如何启墨稿？

选画对象是熟悉的还是不熟悉的？不熟的对象（画工笔，白描）可以使用2B以上铅笔或木炭条轻轻地打个简略“隐线稿”，隐线稿辅助墨稿的正确稳定形。“隐线稿”全部掩盖在墨稿中。画写生是“师法自然”而不囿于自然对象。发现美，塑造美是画家的首要任务。

国画墨稿的不可修改性，最直接地，考核着作者的概括，理解与表现能力，国画写生不应照搬生活中的对象，提炼自然对象，意到笔到概括地画，“稳、准、狠”3字诀。尽量避免“败笔”！

（4）画面水分湿度适当把握很关键，处理不当很难把握理想化的“墨韵”效果

（5）切忌画成“行画”！这里简约地说说“行画”的特征，笔法基本功不够，结构不准，理解不超脱，用纯“素描”方法画国画等原因。

（6）国画“意境”中有2个常用专业术语“精气神”和“布白”。

注意虚实对比…形神兼备，气韵生动。

（7）合理落款，中国画讲究“诗，书，画，印”

完美结合。

三：油画的技法理论简述：

简单来说油画技法理论基础由：造形基础，油画色彩，画法风格3部分构成。

表现形式主要从造型、色彩、笔触、肌理、空间、构图、表达情感方面表达出来。

造型：造型上有的追求夸张。有的追求精细华丽等。

色彩：色彩是油画的灵魂。有的色彩绚烂，有的低沉暗淡，有的明亮快感。均显示出不同的作画风格和个人情感。写生时，我们看到的物体通常是“环境色”。因而对画家肉眼识色，辨色，调色精准是一大考验。所谓“色彩敏感”就是分得清“色相，饱和度，明暗度”。反复比对才能接近“物像”。

笔触：笔触的轻重缓急可以使一幅画表现出不同的感觉，列如梵高的火焰般的笔触，塞尚轻松惬意的笔触，虽临摹同一副画作却表现出完全不同的视觉效果。

肌理：又称作物体质感。肌理能使画面增加厚重感。由于物体的材料不同，表面的组织、排列、构造各不相同，因而产生粗糙感、光滑感、软硬感。肌理是理想的表面特征。人们对肌理的感受一般是以触觉为基础的，但由于人们触觉物体的长期体验，以至不必触摸，便会在视觉上感到质地的不同。我们称它为视觉质感。画面越写实质感越强。

四：油画写生实操经验

1、画素描稿。先勾出一个设想性的草稿，用铅笔在纸上画出大构图和人物大体表情，然后对照模特进行写生。画家在写生时多以感性因素为主，人物的外形和神态尽可能接近对象。

2、在写生过程中充分体味模特内在气质，紧紧地抓住这一开启性灵的契机加以强化。然后，画家根据写生稿进行加工、概括、提炼。

3、同时对局部的内容加以充实，画得更加肯定。

4、素描稿敲定之后，画家以极其严格的方法（方格放大法）将素描稿拷贝到画布上。

起素描稿是一个灵活的造型过程，它允许甚至鼓励不断修改和调整，所有这一切都是为了确定一个明确满意的视觉形象。

在任何油画的起步阶段，都有理由也有必要花费大量时间来起素描稿。起素描稿并不一定上调子，可直接用线在画布上修改、调整，也可以用简单色来确定画面的主体色调与色彩关系。

5、透明覆色。即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色，由于每层的颜色都较稀薄，下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色形成变化微妙的色调。

例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。

直接着色法：

在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色，基本上一次画完，不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。

这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚，色彩饱和度高，笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这种画法。

为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔势的运用即涂法，常用的涂法分为平涂、散涂和厚涂。

平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑造静态的形体。

散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活。

厚涂则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣味，形象也得到强化。

问题有点复杂，呵呵~喜欢的书友请关注给赞。

心悦达达

就两个画的类别的角度讲，二者从观感上来说，似乎是区别很大的。但就从写生上来讲，其实是一样的，造成观感巨大差异性的原因只是因为，文化环境和意识形态的不同。

光从风景写生来说，却也都是同样的方式，同样的观察和描绘。

油画的方式和手法也是很多种的，就古典油画讲，精致和立体，意在尽力表现现实

的前提下，寻求艺术价值和艺术表现力。

国画的也分工笔和写意，而写意画的艺术表现力针对非专业内人士从观感上相对更高。

不过艺术的路走到一定的程度，还是殊途同归的，油画在国内的发展以冷军为首，兴起了写实的风潮，并不是说不好，也不是说没有艺术价值，但看国外的艺术家们，走到最后也都精简艺术语言，返璞归真，寻求抛除冗杂技法的艺术价值体现，获得一种精神上的感受力，在某方面讲，这和国画写意山水有异曲同工之妙。

举简单例子，譬如大卫霍克尼的油画，非专业内人士从观感上，就感觉和儿童画无异，可那种画给人一种感受力，那种感受力是无法在看到画第一时间说出口的，会让人驻足、凝视和思考。

而希施金的油画在非专业人士的的眼中就有一种，色调漂亮，精致，细节丰富的感觉，很具体，可以形容。

并没有说两者孰优孰劣，只是讲艺术价值体现在技法，但并不局限于技法，更多的，在于精神。

附上霍克尼和希施金的画作。

Ang2320

中国画的写生叫做“壮游”是积累了很久的临摹功夫，到大自然去实践的过程！他应用散点透视法乾坤大挪移，在画面中处理的合情合理！总之中国画写生以“得稿”为主，回到画室，一气呵成！

张建文山水画

承载不同，国画是笔墨构图，油画是色彩空间。

纸上精舍

二者没有可比性，油画注重外光，可以写生的很写实属于照像写实主义，也可以很抽像抒发内心的感受，早上，中午，黄昏三个时间画同一个地方画出来的效果是不同的。中国画是平光效果，善于表达画家内心的思想，写实非常难，表达方式以线条为主，色彩为辅，属于随类赋彩。

张灝石

国画是一种水墨画，水彩画，一是用线，白描等二是用点线面，三线上涂彩，一是具象二是意象三是貝象结合，等随意结合，写生更丰富多彩，而不是单打一，黄病洪，是侧重于临摹，年纪大了又写生，说是写生，实是意造，与现实千差万别，晚年目盲，病态下的表现，一些人把他这种，，，，，，当成最高，实是风格独特，梦游症而矣，

一张良方

道理和目的是一样的，在抓取丰富素材的同时，感受大自然的魂魄和意境，这不是只国画的专利，谁说油画不讲意境，世界大画种所讲究的反而更多更高。不过工具不同，手法也有区别，但是，写生就是要取回更多的元素细节，以备创作所用，越丰富越多越好。如果简单地认为国画写生就是几笔线条，那只能是糊弄自己，将会一无所获。

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