WongYatwan
在艺术领域，创新非常可贵。做为一个画家能在方寸之间表达自己所思所忆是一件很酷的事，画家本人在创造中获得精神上的愉悦快乐。
首先要说的是，并不是只有中国画有写意流派，西方的油画也有写意流派，所谓的后印象派就注重写意，梵高的画很多都是如此。我以为中国的写意画产生有三点原因：一、文化原因。中国的宣纸、毛笔更方便打造写意画，中国的文化流派更注重灵性和形象思维，有利于写意画生发进步。另外是中国文人对写意画的巨大推动。中国的画匠绝少有成名的，不管是给宫殿画多少彩绘也只是工匠，哪怕画得无比的准确。往往是那些有文化修养的文人绘画更容易得到流传。
坐照入神
在为澎湃新闻撰写艺术随笔时，我国艺术家夏阳曾对中国画的写实与写意进行过详细分析，其中颇多观点值得我们学习。
“相应于西方写实的是我国的写真，和写实要求物质在空间的实存感不同，写真是要求对事物的多方面认知，此在宋画表现最为精到，还有，它是“写”出来的，虽然极其精工，但非制作。可见中、西表现方式不同，不是进步不进步的问题。”
八大山人 竹石鸳鸯
“写实(仿实)既然是造型艺术的一种风格，它源自希腊，然后罗马、文艺复兴一路下来，它就是西方的一张‘名片’，就是‘洋’相，而我们却把它当作一种‘进步’的事物引进，忘了它是洋，因为所谓求‘进步’压下了中国人原有的审美，原因何在?”
徐渭 蕉石牡丹
我国传统画法有写意、写生、写真、从来没有”写实”，这个名词可能来自日本，近代许多新名词都是这样的。这种画是把实物感画出来，有立体感、质量感、空间感、透视等，就像眼见的，是西方的传统。这种画法的作品在明朝就有天主教传教士带来我国，当时人们很吃惊这种画，好像人可以走进去，但结论是”终不入画品”，不认为它有艺术价值。不过也有受到影响的，如明末的波臣派。可到了二十世纪初，情况不同了，著名的学者都主张学习引进，认为中国传统的艺术有所不如。我国自鸦片战争后，国势日微，学者常抱救国之志，学习西方特长的东西。像从前老国文课本中薛福成的《巴黎观油画记》，形容油画的特色十分动人，必定影响很大。而写实又比写真更真实，可能也联想到”科学”，科学救国嘛，又联系到救国。因此，自写实画法传入后，迅速发展成我国美术教育的基础课程，把它作为一切造型美术的根基，连学中国画也首先要学西洋写实的基本功，这下子影响大了，连民间艺师也受到影响，因为谁不想进步呢!
写实这个词我看有点问题，因为“写”这个字很有意思的，可以说是中国形象表现中很有特色的一个字，甚至是很根本性的表现基础，它是即时的、抒发式完成的，而模仿实体画法这样是搞不成的，它一定要层层积累才行，它是制作式完成的，因此都用有复盖性的颜料，蛋彩和油彩都是。
齐白石 山水四条屏
而中国画中的文人画为了抒发更直接，单是墨色的丰富变化就足够了，所以连色彩都放弃了，跑到民间艺术里去发展。我看写实这个词是前面有写意、写生、写真就顺便来个写实，却没注意到写的意义，我来抄一段说文解字：“小雅：我心写兮。传云：输写其心也。按凡倾吐曰写，故作字作画皆曰写。”
节选自《夏阳：写实乎，仿实乎？把它作为造型美术的根基，对吗？》
民国画事
中国画发展为写意画的主流精神，这是世界绘画史上的伟大创举。
首先，一种文化的特色，必然起源于这个文化的“第一认知”。
“第一认知”说起来要花费不少时间。我就举一个大家都熟悉的，鲁迅关于“杭育杭育”的例子吧。
鲁迅说，最早没有语言，为了抬木头，有人喊“杭育”，于是大家都习惯在抬木头时喊“杭育”，这样，一个“杭育”的语言就传下来了。
绘画不是抬木头，也不是“杭育”。但是，有人画出一个动物，大家觉得好，以后也这样画，那么就会形成一种画法。这个特点与“杭育杭育”这个语言起源的道理，没有什么本质差别。
比如，中国的画里的方形体积，从汉代开始就都是近小远大，我们一直没有去改造这种“反透视”的画法。这就是“第一认知”决定的，因为我们承传了这个绘画范式。
中国画第一认的原始性，还体现在很早就使用毛笔与墨，色彩用矿物质。
在中国画发展的过程中，写实性一直不是很强，但是表现性很强。
这样的“第一认知”特色，决定了中国画的装饰性和主观抒情色彩特别强烈的鲜明传统。
宋代开始，中国画的写意性美学主张占据了主导地位。用纸也大量使用宣纸。
写意画，从此一路高速发展。元代，画家又自觉把书法和绘画结合起来，有力地支持了中国画分科绘画的特色，尤其对绘画的大科山水和花鸟画的支持最为有力。
明代两代，山水画和花鸟画都受到书法入画的影响，发展极为繁荣。写意性和书法抽象性的结合，使得中国画具有世界上最为独特的思想性和象征性的美。
中国画既不是很像绘画对象有不是不像绘画对象。这就与西方绘画破坏了写实性以后，变得非常抽象，乃至于远离了视觉和想象。
而人物画相对落后一些。但是，从中国画的创造性来看，中国画家一直没有把绘画对象作为唯一的参照“标准”，这是中国画与西方绘画，总是以绘画对象为唯一参照“标准”最大的技术不同。
中国画家的这些创造，是中国哲学精神诗歌精神的反映。因此，中国画的象征性和寓意性也是非常突出的。
比如，中国画家的梅兰竹菊，已经不是花卉的梅兰竹菊，而是高洁的人格品德的追求。
所以，中国画家画一个东西，总是能够画出不一样的“一样”，而西方的传统绘画，只能画出都是一样的一样。
千千千里马
其实，在元朝之前，中国画是非常重视写实的，特别是宋画，非常崇尚实写，宋人自己说：“观画之术，唯逼真而已。得真之全者，绝也；得多者上也；非真即下。”几乎所有的宋代大画家都是写实的高手，以绘画逼真著称。美术史学者郎绍君先生曾给予宋画的写实精神极高评价：“宋代美术在写实技巧上已臻中国古典写实主义的顶峰。……就同时代东西方各国古典写实主义艺术的水平与成就言，它毫无疑义是第一流的，称它占据同时代人类绘画艺术的最高位置，也并不过分。”
那么中国画是从什么时候开始注重写意不讲求写实的呢？从文人画兴起之后。宋代已有文人画，但不是主流，而且宋朝文人画还是很讲究绘画基本技法的。但元明以降，文人画泛滥，而且不再注意技法，率性而为。这可能跟元明时期的文人不再关心外部世界，转而关注自己的内心、小情绪有关。一幅好的文人画固然气韵流动，但文人画的泛滥也带来了很坏的影响：绘画技法一落千丈，一个未受到任何绘画训练的人，也可以信手涂鸦几笔，宣称是文人画。
吴钩的钩沉
1.这和中国古人的思想观念有关。中国古代的主体思想是儒释道三位一体的，做事时都是讲求儒家的，积极进取，主要会反映在政治构建、社会治理、家庭管理以及人际关系等方面。而生活时又多讲求道家、禅佛的，追求天人合一的自然、无为即有为的辩证、心纳万物的禅悟，把“看山是山、看水是水到看山不是山、看水不是水再到看山还山、看水还水”作为思想境界层次来追求，这深刻地影响到中国古人的审美意识、审美情趣和审美走向。所以，中国画的主体多为山水风景、花鸟鱼虫等，而且把超越实际外在形体来体现创作主观感受作为审美终极目标。这一点，其实在诗词文赋等其他艺术形式上也有体现。
2.这和中国古代的社会分工有关。中国古代，文人社会地位很高，而工匠社会地位很低，因此形而上的文人画备受推崇，形而下的从事绘画的工匠们（甚至宫庭画家）也寂寂无名。和西方相比，中国古代从来没有产生独立的画家行业。近代著名国画大师溥儒说：与其称我是画家，不如称我是书法家，与其称我是书法家，不如称我是诗人，与其称我是诗人，不如称我是学者。他的这番话典型反映了中国古代社会的价值观。
3.这和中国古人的创作工具有关。中国古人发明的毛笔、墨和宣纸，几乎是写意文人画的绝配。
4.当然，中国古代也有写实水平较高的工笔画，但是，其领域没有充分体现在人物画方面。同时，写实手段主要靠线条，透视、人体解剖、光线运用等技法没有发明运用，从技术的角度限制了中国古代写实画作的水平。
5.总之，中国国画是中国古人思想观念在艺术领域的延伸，是中国原创文化的重要组成部分，而且独成体系。它既有自身独特的魅力和优势，也有天然的局限性。所以，现代绘画应该是中西审美思想的融合贯通、技法的取长补短。
儒客非儒客一家之言，望批评指正！
儒客非儒客
第一，传统的文化思想传承教育理论，如各种思想教育书籍，都讲究一种中庸悟道，内敛谦虚，不直白的思想！第二，本身国画的材质工具，国画主要以墨表现艺术效果，本身不具备写实的条件！
画家孟玉峰
不断的继承和开拓，促进中国画不断的发展和繁荣。问答篇幅所限，就说到这里，欢迎关注我，到我的“国画聊吧”，一起聊聊交流中国画。
于秋水工作室
其实这样理解是不全面的，中国画分为写意画和工笔画。就是写意画画也有大写意和小写意的区别。真正画的好的画家，不管是大小写意画都是很形似对象的，注重绘画的精神性，国画讲究一个意境，其实意境的东西我个人认为完全高于其他的绘画形式。工笔画就更加不要说了。
唐武油画工作室
本人不是美术专业人员，所以只能以自己的理解简单说一下。一是中国画的工具，毛笔和宣纸，都比较适合写意中国画的创作，二是中国人的思维尤其是文人中禅的精神对写意中国画有很大影响，再加上中国文人本身含蓄内敛的性情，这几个方面相契合，正好能表达出写意中国画对意境的追求，极简单，却又包容一切，乍看虚空，却又回味无穷。
墅顶美居
中国人受儒道思想影响深远，而儒家主要在思想内容方面，道家、禅宗则在审美方面影响深远。所谓的空灵、无为、何者为大，何者为小、大音稀声等，莫不如此。从而形成中国人的天人合一的思想和审美情趣。中国绘画的写意特征由此而来。
具体手法来说，中国绘画主要线条为主，注重黑白两色，留白、墨染、寄情山水花鸟，反而对人、对现实本身的关注不那么直接了。从物质上说，中国是竹子的故乡，是纸、宣纸的发明国，这也是中国画追求水墨效果、追求表意的物质因素。
