不带走一片花瓣
这要从文艺复兴之所以发生的环境说起，欧洲经过1千多年的黑暗愚昧的宗教统治，人类文明停滞不前，人们的思想被禁锢，除了信奉上帝，再没有别的精神信仰，黑死病的肆虐使当时的欧洲人口锐减了三分之一，人们终于醒悟过来，原来他们信奉了上千年的上帝并不能把他们从死亡的边缘拯救过来，他们的虔诚除了让教会的权力越来越大更好的奴役他们外没什么好处，这时人们才把目光转向别处，在古希腊，古罗马的艺术里找到真谛，就这样一场轰轰烈烈的打着恢复古希腊，古罗马文明，实际上是解放自己天性的文化运动以罗马为中心开始了，人们要求解放自己的天性，但一千多年来的宗教禁锢一时还清除不了，那时候教会还规定不能画裸体，怎么办呢？当时的画家就只有从神话和宗教中寻找创作灵感，神话和宗教里的神却是可以画成裸体的，这样，文艺复兴时期的画家就来了个“曲线救国” 他们可以把神话里的人画的美轮美奂，不再总是一个面孔，这方面波提切利的维纳斯就是优秀代表，无论是《维纳斯的诞生》还是《春》他的维纳斯都不是正常人的身材比例，他笔下的维纳斯不但比正常人高大，优美，还赋予了她淡淡的人的迷茫。而达芬奇却恰恰相反，他研究人体科学，他的人物讲究黄金比例，科学，严谨，他笔下的人物虽然大都来自神话和宗教，但更近来现实生活中的人。到了中后期，享乐和奢华的风气在那些新兴的资产阶级弥漫，为了满足他们的欣赏需要艺术家们只能把神更加世俗化，象提香，乔尔乔内，他们把维纳斯画成世俗女人的模样，她的周围不再是仙境，而是他们身边的惯常风景，在那时还不宽松的创作环境下，那些文艺复兴时期的艺术大师只能从神话和宗教故事里寻找创作灵感，虽如此也给绘画领域带来一场大大的变革。
子非鱼00111
答｜艾栗斯
复兴时期的画作以神话和宗教为题材并不奇怪，因为当时的欧洲大陆尚未摆脱欧洲宗教的强势控制。但一样的东西可以有不一样的画法，“曲线救国”也可以到达人文的彼岸。
最典型的例子莫过于意大利的美第奇家族。
作为银行业起家的美第奇人，如果按照欧洲教会的定义那就是罪孽深重的“放贷人”，圣经里早有宣判：“放贷者死后将进入地狱的第七层，在那里被油锅炸得喷喷香，生前数钱的双手死后要一直在空气中挥舞一刻不得闲。”
所以花钱赎罪，为死后的世界开路就是必要的了。
一开始，他们老老实实花大笔的钱买“赎罪券”，或者为教会捐赠和建造修道院或是教堂。渐渐的，美第奇家族开始成为建筑、雕刻以及绘画师的大金主，教会的活干完了，就帮美第奇家做点新活吧！
艺术家们有了慷慨的资助者，就可以放开手脚大胆尝试了。于是一座座修道院在佛罗伦萨拔地而起，一幅幅圣经里的故事被描刻成教堂壁顶的绘画。马萨乔发明了透视法；欧洲建筑之巅的花之圣母大教堂都是美第奇支持的结晶。
这个过程中美第奇家族是付钱的甲方，作为资助人当然要求夹带私货，在他们花钱预定的关于宗教主题的创作里，美第奇家族的人有时候也会出镜，但没有被画在令他们恐惧的第七层，而是成为了圣经故事里的“贤者”角色。
另一方面，同样是宗教题材的创作，过去都是恐吓压抑的原罪与赎罪，局限在宗教主题下，以低微、忏悔的姿态人类仰视着高高的神，现在按照资助人的喜好有了意气风发的新画法。
比如说波提切利的《春》，就是一副生机勃勃兴高采烈的繁衍赞颂图，这个画最后挂在了美第奇家族的卧室而非教堂里；米开朗琪罗为美第奇家族创造了不朽的《昼》、《夜》、《晨》、《暮》四座雕像的墓碑，其实是对人，而非神的赞美和讴歌；至于受到美第奇家族赞助的达芬奇、伽里略等对文艺复兴的意义就不用说。
所以人类自我意识觉醒的高歌是从宗教泥潭里唱响的，这是一个逐渐发端与剥离的过程，这个过程中的创作让人类重视其自身力量与伟大，也因此正式奏响文艺复兴的篇章。
亚欧研究寮
在世界各民族神話中，希臘神話是保存得最完整、內容最豐富多彩的。它的根本特點，就是洋溢著濃郁的人情味和人性光輝的美，肯定人的力量，著眼於現實生活。它不似希伯來人的神，表現為抽象的道德概念；也不是像遠古地中海地區其他民族的神，表現為獸形妖靈，是人們頂禮膜拜的偶像。所以，它更像「人話」，它的神與人同形同性，有男有女，充滿人的七情六慾，有著與人共有的弱點。神與凡人的不同，只在於他們更有力量、更智慧，能夠永生。
希臘神話不把來世與現世相對立，不否定和壓抑人的感情欲望。它歌頌人類對光明和幸福的追求，對自然與藝術之美表現，顯示了和諧、優雅、健康的審美趣味和樂觀主義精神，這些都是文藝復興時期繪畫所推崇與贊美的。例如，Sandro Botticelli （波堤切利（1445-1510）的《維納斯與戰神》（作於1483-1486年間，存於倫敦，國家畫廊），畫的左邊維納斯凝神專注戰神，點出了柏拉圖觀-愛戰勝戰爭的想法。維納斯扮演著大自然和人母的角色，畫中的她穿著樸實無華的潔白長袍，長袍鑲金邊，與她濃密的金發相輝映。而戰神則是正懶散地睡覺，莽撞的農牧神，一個玩弄著丟在一邊的甲胄，一個朝著酣睡的戰神耳旁用力吹螺，波堤切利用想像力呈現了歷史最早的女權運動者-維納斯似乎主宰和安撫了戰神，用輕鬆詼諧之筆畫出了所謂的「天神」休憩的又無力的狀態。這是波堤切利最優美的作品之一。作品色澤純潔鮮明，人物形態完美，這幅作品也是唯一沒有為意大利收藏的作品。
填格
题主的问题非常专业，为什么文艺复兴明明以人为思想，而那个时期的画却作总是和神话、宗教有关？这个问题也不难回答，我们回顾一下那个时期的历史发展过程就能明白！
文艺复兴时期画作▼
首先，当时的欧洲情形是怎样的？
在11世纪以后，人们经历了希腊、罗马的文化繁盛时期和后来的“黑暗时期”之后，经济开始复苏，人们的生活越来越好，诞生了一大批新的资产阶级和大批的人才，甚至诞生了大航海时代，随着各种文化的冲突、碰撞，人们对于自由的向往越来越高。随之而产生了新的资本主义文化，其中就包括绘画、文学、音乐、雕塑等等！
文艺复兴时期画作《维纳斯的诞生》▼
其次，为何叫文艺复兴？
数个世纪以来，欧洲一直笼罩在以天主教为主的宗教压迫之下，不论是精神的压迫还是肉体的压迫。然而随着文化的发展，人们对于自由的向往越来越强烈，由此和宗教旧思想产生了激烈的冲突，开始在各种文化上进行创新和解放！所以说，“文艺复兴”更准确的应该叫“文艺解放”，主要是精神、思想的解放！
达·芬奇《最后的晚餐》▼
因为当时人们的信仰主要来自宗教，传统形式不可癫破，以前文艺表现都是以“神”为主，而文艺复兴主要是以“人”为主，最主要的表现就是“神的形象逐渐趋于人性化”，比如说圣母，旧的宗教艺术基本上都是头上带着光圈，神情肃穆，也可以说毫无表情，但是文艺复兴时期的画作中，圣母更像是一个普通女性，没有光圈，表情也开始变得丰富自然！
拉斐尔《西斯廷圣母》▼
但是作为长久以来的传统，新的艺术还是以宗教、神话故事为主要题材，只是新的形式弱化了“神性”提高了“人性”！
万物皆明
首先需要说明的是文艺复兴这个时期是欧洲社会从中世纪向近代社会过渡的一个阶段，而众所周知欧洲中世纪的社会文化多表现为宗教和神话主题，这就不可避免地使文艺复兴创作的作品带上时代的烙印，总体上文艺复兴时期的人文主义者对宗教和神话表现出理性和信仰相交织的矛盾，这一切都与文艺复兴所处的过渡性时代特征密切相关。
我们来了解一下文艺复兴时期的时代背景，当时欧洲新兴的市民阶层为维护发展自己的政治经济利益，在艺术，文学，诗歌，音乐等领域为人的世俗生活创造条件，并以此对抗中世纪的禁欲主义和蒙昧主义，由此在意识形态领域反对封建文化与宗教信仰的垄断，达到摆脱宗教信仰对人的精神的束缚和思想愚弄。因此文艺复兴艺术家们借助古希腊罗马文化艺术（包括宗教神话）对古典文化进行资本主义诠释，形成了核心——人文主义和理性精神。
文艺复兴时期的画作最具代表性的有三类，从最开始的佛罗伦萨画派作品：乔托的《逃亡埃及》《犹大之吻》，波提切里的《维纳斯的诞生》到达芬奇的《岩间圣母》《最后的晚餐》，拉斐尔的《西斯廷圣母》《雅典学院》，米开朗琪罗的《创世纪》《最后的审判》；中期的威尼斯画派作品：乔尔乔内《沉睡的维纳斯》，提香《酒神与阿里阿德涅》《酒神祭》《哀悼基督》；第三个是尼德兰画派：凡·艾克兄弟的《根特祭坛画》，勃鲁盖尔的《盲人指路》《绞刑架下的舞蹈》等作品。这三类作品中的大多数都是与宗教和神相关联，是借助宗教和神等为人们所熟知的题材宣传人文主义精神。
文艺复兴中的人们认为在艺术作品中“人是不能以裸体出现在画中的，只有神可以”，但是人文主义学者们为了表现以人为中心的人文主义精神，其在创作中就需要突出人体之美，因此古希腊罗马中的各种宗教神话中的神体就充当人体出现在创作品之中，以拉斐尔最擅长的圣母像为例，拉斐尔在表现人体的美感，表现人性的光辉时是借助圣母这一宗教题材将人体皮肤的光泽，色彩衔接以及皮肤的质感体现得淋漓尽致，拉斐尔的《草地上的圣母》以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的"神的世界"。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。此画表现出圣母玛利亚的世俗之爱的精神。笔锋细腻，技巧完美，表现圣母的亲切、和蔼，赤子的纯洁可爱，对于母性的依恋，给人一种感受煦暖阳光普照的亲情，同时也生动传神地传达了作者对生活的渴望。
综上所述，由于文艺复兴时期反对的是传统宗教，人文主义者们蔑视教会,敌视僧侣,抨击教皇,并不意味着他们就此要抛弃上帝,他们反对基督教,只是反对教会的压迫,摆脱教会对他们施行的种种束缚人的自由意志的教义教规,而不是向上帝开火。他们对基督教仍然怀着无比的虔诚,仍然具有着深厚的宗教情结；他们仍然需要上帝,并坚信上帝至上,他们深信,教会可以反对,神职人员可以诅咒,教义教规可以修改,但上帝的尊严是绝对不能冒犯的，并且与此同时他们提出各种主张改进原有的宗教体系，要求建立一种符合自己所需要的以人为中心的理性宗教。而作为文艺复兴中的一个方面——艺术作品，自然也就是借着宗教与神的外衣来宣传人文主义的内核。
（耶路撒不冷）
白痴历史学家
为什么文艺复兴时期的画作总是以神话和宗教为题材？
大家都知道，基督教是一神教，只承认基督耶稣这一个神，认为耶稣永远不会犯错，是永远正确的。可是，正义是需要一个对立面的，也就是“极善”必有“极恶”，万事万物非黑即白，这就是二元论。
而文艺复兴中提出的是一元论思想，这实际上是多神教的回归。
首先要说明的是，什么是一元论？比如电影《雷神》、《诸神之战》等讲的都是多神教的故事，里面的人物可不只是非黑即白。在多神教里面，每个神和人类一样，有“善”的一面，也有“恶”的一面，是一个活生生的神。这就是一元论。
如果，神是一元的，那么，人必然也是一元的。也就是说，人是善和恶的集合体。人类也就不能把所有的“恶”都推给魔鬼，自己也要承担一部分嘛。
那么人们就需要自律，就需要惩恶扬善。
这就是文艺复兴体现在宗教上的复兴。也是为什么文艺复兴时期的画作总是以神话和宗教为题材的原因。
万博汇读书
其实初中历史书上刚好有学习关于文艺复兴时期的内容。文艺复兴是欧洲掀起的一场以人文主义思想作为指导，复兴古希腊、古罗马文化，以反对中世纪宗教侄桔的进步革命运动。由于当时宗教势力还十分强大，教皇掌握着极大的权力，艺术家不得不借助宗教的合法外衣来进行艺术创作，从中表达他们对人生的肯定，对美好生活的追求和对禁欲主义的反抗。文艺复兴巨匠达·芬奇一生创作的油画作品除了《蒙娜·丽莎》等少数几幅肖像画外，几乎都以宗教为题材。他在《岩间圣母》、《哺乳圣母》、《拈花圣母》、《圣母子和圣安娜》等画中创造了一个个富有人情味的女性典型形象，完全区别于中世纪的那种冷冰冰的没有人性的令人生畏的圣像。他在圣马利亚修道院里画的大幅壁画《最后的晚餐》，突破了前人叙述化地描绘《圣经》中这一事件的做法，而是通过对耶稣和12门徒深入细致地刻画以及戏剧性的安排，暗喻了当时意大利社会的光明与黑暗的斗争。与达·芬奇齐名的拉斐尔只活了37岁，他在短暂的一生中画了近300幅画。其中大部分是圣母像。他本着自己的审美理想描绘了圣母的年轻、秀美和母性的慈爱。他说:“我为了创造一个完美的女子形象，不得不观察许多美丽的妇女，然后选出那最美的一个作为我的模特儿。”他在那幅著名的《西斯廷圣母》中，还毫不客气地画出了教皇西斯图老奸巨猾的虚伪面目。在文艺复兴三杰中，米开朗基罗是最富有革新精神的，虽然他也不能摆脱教皇的支配，但是他常常利用宗教艺术品来反对教皇。在罗马西斯廷教堂里，他用4年多时间画了一幅近800 平方米的弯顶画《创世纪》，用健美的裸体人物来描述《圣经》中关于上帝造人的传说。后来，又用了整整5年时间画了一幅167平方米的祭坛壁画(最后的审判)。画中有400多个各种姿势的裸体人物，以表示他反对教会的禁欲主义。教皇看了不甚满意，对他说:“这画倒是适合放在旅馆里，不适合放在教堂里。”要求米开朗基罗给裸体人物穿上衣服。但是米开朗基罗拒绝修改，他回答教皇说:“请陛下去照料人的灵魂，让我来照料人的肉体吧!”为这事情。祭坛画封闭了2年未能开放。后来教皇命人找来一位末流画家，给这幅画中的裸体人物身上添画布条，修改成现在所见到的这个样子。米开朗基罗还在这幅画中把教皇和为教皇效忠的官员们作为恶人而画入地狱，以致克雷门八世要把这幅壁画全部毁掉，只是由于美术学院画家们的极力谏阻，才把壁画保留了下来。正因为文艺复兴时期的艺术家们在创作时，把宗教内容仅仅是作为表达自己思想的一个媒介体而不是目的，突破了宗教艺术说教的模式，他们着眼于现实生活，歌颂世俗的人生和人的自然美，所以作品常常显得生动感人，名作不断涌现。这就是文艺复兴时期许多美术名作多以宗教为题材的真正原因。这有几个不同的因素导致的
第一 ，文艺复兴的本质以及特点。
文艺复兴也就是当时的艺术家古典的复兴运动当中艺术家不仅仅对于古典完全的复制，他们更励志于寻求生命与生活的意义。在15世纪，对于物体的透视画法以及真正的油画刚刚被发明发现使用，且当时生物学的发展，天文学的新发现，各方面都体现出了一个文艺复兴时期的宗旨【对于真实的追求】。所以在当时艺术家不仅仅只是为了宗教因素而去作宗教绘画，而是想方设法使其对于现世有所益处。可以这么说。
第二，历史因素。
15世纪之前，欧洲经历了黑死病，经历了十字军东征以及各种各样的灾难，而且到了中世纪中后期天主教会其内部腐化非常之严重，在这样的情况下，民众对于天主教还是那么虔诚，还是那么单纯地敬仰吗？想必不会的。所以在之后文艺复兴当中，虽然许多艺术家还是天主教徒，但是他们不再使用以前单纯赞颂的方式来作宗教画，而是有所隐喻发人深省的方式，而将现实与宗教故事结合是个相当有效率的方式。分享几张文艺复兴时期比较有名的作品。
其实这些在历史书上都有回答的 大家回去翻翻吧。
樊夏88318862
文艺复兴是欧洲历史上极为重要的一次思想文化运动，可以说没有文艺复兴，欧洲文明也不会是现在这个样子。文艺复兴最早起源于14世纪的意大利的佛罗伦萨，而后蔓延到西方其他国家。
其核心观点是以人为本，人性得到解放，近代精神至此开始觉醒和发展。
那么问题来了，
以人为本为核心的文艺复兴，为什么总是以神话和宗教为绘画题材呢？
这主要与西方文明的文化传承有关:
任何文明的产生与发展，都离不开当时具体的社会环境。经过中世纪近千年的统治，到文艺复兴时期，人们对神的崇拜从来没有停止过，宗教的力量依然根深蒂固。
不能公然反对，那可以选择走迂回路线。于是文艺复兴时期的艺术家们，便借着神话宗教题材，以画神的名义来画人，借以表达自己的想法和理念
最明显的例子，如文艺复兴三杰等画家
达芬奇的《最后的晚餐》，虽然画的是宗教故事，但画里面的耶稣及十二门徒，完全脱离了以往宗教化的人物限制，画中各个人物内心的剧烈活动、每个人各自的性情，都被刻画的极为具体生动，这是之前所未达到过的。
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- 再如米开朗基罗的《创世纪》，在画这幅画时，米开朗基罗改变原来故事剧情，把上帝一口气吹向亚当赋予亚当智慧的情节，变成了上帝把手伸向亚当，米开朗基罗精巧的构思，尤其是画面中、两只手的黄金比例分割点，格外引观者注目。
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- 再比如波提切利的《春》，这副描绘希腊神话的故事情节，画中神话人物除了中世纪的神秘色彩之外，还有一种现实人间的生活气息，有着浓浓的人文主义倾向，波提切利把两种截然不同的因素独特结合在一起，形成极为特殊的魅力。
综合看来，虽然神话和宗教题材是文艺复兴时期画家们的主菜，但艺术家们却有着自己更为深入之探索，对人自身的思考，和对外部世界的发现。
他们借着画神的名义画人，把神逐渐从神坛拉下，接到人间，神不再是高高在上，而是有了普通人的情感。
文艺复兴时期画家们的这一创举，可以说是史无前例的，更对后世的艺术发展影响至深。
以上是默默浅见，意在抛砖引玉。
对于文艺复兴，朋友们又有什么不一样的见解呢？
（默默：以不一样的新鲜角度、持续分享各类艺术作品，欢迎朋友的关注和点赞！）
默默轻娱乐
神话探讨的是人与自然的关系，以隐晦的寓言的方式留存了上古先民的智慧和历史。
这个心理需求贯穿了整个人类的历史，并不仅仅在文艺复兴时代。
文艺复兴是欧洲掀起的一场以人文主义思想为指导，复兴古希腊、古罗马文化，以反对中世纪宗教的侄桔进步革命运动。由于宗教势力非常强大，教皇掌握着极大地权利，艺术家不得不以宗教的合法外衣进行艺术创作。在画中我们可以看到他们对于人生的美好生活的追求，反抗禁欲。
在（最后的晚餐中），突破前人叙述的圣经中，通过对耶稣和12门徒细致地刻画以及戏剧性的安排，隐喻了当时意大利社会的光明和黑暗的斗争。
文艺复兴巨匠达芬奇除了（蒙娜丽莎）等少几份肖像画之外，几乎都以宗教为题材，从他的画中我们看到了众多人情味的女性形象，区别于中世纪的冷冰冰的没有人性的圣象
这位巨匠，一生中只活了37岁，短暂的一生中花了将近300副画作，大部分是圣母像。画作中描绘的圣母充满着母性的光辉。
在（西斯廷圣母）中，毫不客气的描绘了教皇老奸巨猾的虚伪面目。
文艺复兴三杰中，米开朗基罗是最富有革新精神，同样的，也是利用宗教艺术品来反对教皇。
众所周知的，在罗马西斯廷教堂里，用四年多时间画了800平方米的弯顶画（创世纪），画中的400多个各种姿势的裸体人物，表示他反对教会的禁欲主义。
教皇看了不爽，就叫人来修改，给每一个裸体人都穿上了衣服。就成了我们现在看到的这样。
正因为文艺复兴时期的艺术家们在创作时，把宗教内容仅仅是作为表达自己思想的媒介而不是目的，突破了宗教艺术的传统模式，他们着眼于现实，歌颂了人生和人的自然美，作品也显得生动感人，造就了这么多名作的诞生。
HAVE A GOOD DAY -MUSSY
Mussy时尚传媒
为什么文艺复兴时期的画作总是以神话和宗教为题材？很简单的理解，因为艺术创作贯用“比拟”的手法，所谓的“借物喻人”起到衬托的作用效果，在一件画作上几乎不可能存在过多的文字（甚至不会有文字）来说明这幅画所表达的主题思想，通俗的说，就是用画说明主题思想，艺术总是充满神秘之美，所以要表达人的思想及内心世界的情感，反而不会直接以“人”为题材，
举例说明；比如要在画中表达一个人非常轻松愉快的心情，可以画上，一片蓝天，绿茵，清清的溪水，溪水上有座弯弯的小桥等等，当然了画中可以不出现一个人，这是艺术的意境之美，
