彈琴之前瞭解音樂風格的重要性
我常在教學中發現學生在處理不同時期的鋼琴作品中，不注意或者說不清楚演奏風格就開始彈奏，其實風格是音樂演奏的一個很重要的部分，風格處理的錯誤是大錯誤。
例如不能把巴赫的音樂彈成貝多芬，把肖邦的作品處理成海頓，把巴洛克的復調風格彈成主調音樂，現在很多孩子都是這樣幹得。就等於我想要個北歐風格的房子，結果裝修出來變成美式鄉村或者中式風格。現在你懂差別有多大了吧。
在彈奏一個作品前一定要了解創作這個作品的作曲家的時代背景，創作風格，作品的背景等等，儘可能多的瞭解作品背後的故事對於幫助我們準確的演奏起到至關重要的作用。
下面是幾個重要音樂時期的主要特點：
一、巴洛克時期
巴洛克時期的鋼琴音樂，演奏速度比較適度，對比強烈而略帶誇張，節奏活躍而律動，旋律精緻而富於表現力，跳躍且連綿不斷！巴洛克時期的鋼琴音樂主要以復調音樂為主，即由幾個並行的線條構成，一般不分主次，即使有所突出，也仍然應該保持幾個聲部的獨立進行。復調音樂是多層面、多線條、多重性的複雜思維。演奏巴洛克時期的復調音樂作品應重視每個音的觸鍵，不但每個音符要有良好的音質，而且注意每個線條的歌唱性，同時注意使各個聲部之間組織成良好的聲部關係，在縱、橫兩方面把音樂組織成完美的整體。
由於巴洛克時期古鋼琴力度變化很小，因此，通常靠奏法和裝飾音來豐富作品的表現力。從奏法上看，主要採用斷奏和連奏進行對比。如J.S.巴赫的音樂，誕生於巴洛克文化背景之中，巴赫身處巴洛克後期，他的音樂通過深化復調錶現手段，與中世紀和文藝復興相聯繫；通過深化詠歎調與抒情性，與17世紀的意大利相聯繫；又通過深化裝飾音等，聯繫17世紀的法國。他以極強的能力包容了一切而又改造了一切。
二、古典主義時期
古典主義時期的鋼琴作品在處理時，演奏速度比巴洛克時期有很大提高，基本上速度往兩頭擴張。貝多芬的快板樂章比海頓、莫扎特又快的多，而表現力深刻的慢板樂章往往更慢。古典時期由於“槌子琴”的出現，音量增大了，可以用不同的觸鍵來做漸強、漸弱的變化，因而音樂表現力比巴洛克時期更為豐富了。如果說在海頓、莫扎特時代還比較侷限於發明的“槌子琴”，那麼到了貝多芬時期又有更大的發展，力度幅度明顯增大。古典主義時期主調音樂代替復調音樂，以“旋律與和聲背景”為主體的主調音樂佔據首要地位。由“主一下屬一屬一主”建立起來的功能和聲及其調性關係體系成為音樂結構的骨架。和聲成為非常重要的因素，鋼琴的織體完全變了，有主旋律、有伴奏、而不是像復調音樂時期是幾個旋律並行。
古典主義時期鋼琴的聲音與古鋼琴完全不一樣，莫扎特、海頓的聲音更清晰，他們更強調手指的顆粒性、清晰度和透明度。而貝多芬聲音結實、雄厚，因為他的音樂內容常常是富於戲劇性的，他要求聲音的音量和厚度大大地超過莫扎特和海頓。古典主義時期由於鋼琴的變革，在鋼琴上可以彈出比較好的連奏，特別是貝多芬的某些作品中，強調非常連的聲音，連奏成為重要的、新的因素。
古典主義時期海頓、莫扎特的裝飾音基本繼承了巴赫的傳統，但貝多芬的裝飾音則略為複雜：第一，顫音從原音開始；第二，顫音的數量較自由，不像巴羅克時期那麼嚴謹，而是採用儘可能快的自由節奏顫音，顯示出越來越快的趨勢。
三、浪漫主義時期
浪漫主義時期的鋼琴音樂在形式上無拘無束，自由奔放。擅長抒情和描繪的手法，強調錶現個性和民族性。速度幅度與力度比古典時期又有較大的擴張。例如：莫扎特用p、f、ff出現在（A小調奏鳴曲K.Nr.310）這一作品裡。貝多芬用ppp、ff。李斯特甚至用ffff。浪漫派音樂強調錶現人的感情：熱情、激動、悲傷等，因此力度的起伏很大，音樂的表現力也就更豐富了。浪漫主義時期和聲豐富多彩，通過運用和絃外音，以及遠關係轉調等手法來獲得新鮮的和聲效果。鋼琴織體的寫法也有很大不同。
浪漫主義時期的音樂主要是抒發個人情感，所以旋律很重要，聲音的美非常重要。聲音的多層次是浪漫派音樂的最大特點，旋律本身的歌唱性、旋律與伴奏的層次非常重要。
浪漫主義時期是音樂大師層出不窮的時期，他們使鋼琴的技巧和表現都達到從未有過的高度。浪漫樂派的音樂自由奔放，民族民間因素大大增加,標題性也很強，與大自然密切結合。
有非常富於歌唱性的連奏和非常短促的跳音，踏板的使用更復雜、更精細。肖邦是十九世紀歐洲樂壇上的一顆明星。他那些詩意濃郁、充滿著震憾人心的抒情性和戲劇性力量的不朽作品，代表著“黃金時代”的浪漫主義音樂。同時，他的創作又具有強烈的波蘭民族氣質和情感內容，在歐洲音樂史上佔有十分重要的地位。他一方面以歐洲浪漫主義音樂家的傑出代表著稱，另一方面以歐洲十九世紀民族樂派的奠基人載入史冊。肖邦之所以偉大，也正因為他把浪漫主義的時代風格和愛國主義的精神內容緊密地融合在音樂作品中。
李斯特的鋼琴作品熱情、宏偉而又具有富於詩意的描繪。音樂豐富而獨特的表現手法使鋼琴音樂獲得了管絃樂隊般的效果，大大擴展了鋼琴音樂表現生活的可能，因此他的音樂在鋼琴音樂藝術中享有特殊的地位。
四、印象主義時期
當歷史走進20世紀的前夕，浪漫主義的鋼琴音樂傳統受到了印象主義創作手法的大膽挑戰和革新，印象主義作曲家不在把音樂用來抒發個人的內心情感，而是用來描繪稍縱既逝的印象給人以感官的享受。
法國作曲家德彪西被譽為印象派音樂大師。他的鋼琴作品打破了傳統和聲的束縛，大膽運用了平行八度和四度和聲，採用了古代教會使用的音階，五聲音階和全音階，大量運用了光和影的寫詩手法創造了獨特的、空幻、幽靜、朦朧和飄忽不定的鋼琴音響及豐富多彩的、情趣盎然、神秘莫測的“色彩”性音樂。
他的音樂雖然是標題性的，但它不企圖講述一個故事或某些特定的情感，而是創造一種符合作品的主題或標題的情緒或氣氛。他的音樂達到了近於忘我的境界，開拓了音樂的新天地。
五、中國民族音樂風格
鋼琴傳入我國的時間大約一百年左右。我國的鋼琴作曲家們追求清晰透明的旋律線條和簡潔明瞭的曲式結構的創作特徵。如《夕陽簫鼓》是一首具有鮮明、成熟的中國風格的鋼琴曲，是由一首民族器樂合奏曲改編而來。它的音樂形象能使人聯想到中國畫的那種詩情畫意般的“寫意”手法，真正體現了以簡潔的藝術手法描繪大自然的律動，揭示人類深刻的心靈感受和情趣。形象地描繪了月夜春江的迷人景色，盡情讚頌江南水鄉的風姿異態。全曲就象一幅工筆精細、色彩柔和、清麗淡雅的山水長卷，引人入勝。
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