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"這個世界最公平的是太陽，不論緯度高低每個地方一整年中白天與黑暗的時間都各佔一半。我環顧四周，所有人都有陰影可以躲，可是我沒有，我沒有水缸，沒有暗處，只有陽光，二十四小時從不間斷，明亮溫暖，陽光普照。"——《陽光普照》

臺灣影視劇近年發展頗好。神劇《我們與惡的距離》聚焦人性社會和犯罪，拿下9.5分高分。熱播劇《想見你》刷新了偶像劇的上限，將懸疑和愛情融合，好評無數。還有《一把青》、《浴女養成記》等高規格影片，力證了臺灣影視劇已走出灰色低谷期，迎來嶄新的黃金期。

這些離不開臺灣影視人背後的努力。2014年，王小棣、蔡明亮、許傑輝、陳玉勳、瞿友寧等臺灣名導發起了"Q Place"戲劇表演教室，為臺灣的影劇產業培養新血。近年來，他們培養了一大批年輕導演、演員和編劇，為臺灣影視劇帶來了一場溫柔的革命。

今天介紹的這部影片《陽光普照》，也是一部地道的臺灣電影，由導演鍾孟宏創作。作為去年金馬獎大贏家，這部片一連拿下最佳導演、最佳男主角、最佳劇情長片等5個大獎。影片講述了一個家庭因小兒子入獄而分崩離析，承載著全家希望的大兒子又自殺，以及接下來發生的一連串的故事。

今天我會從陽光與陰影這對隱喻的意義、光影鏡頭的調度、配樂與人物性格三個角度，解讀我對本片的一些看法。

1、 本片最大的隱喻：陽光與陰影的一元二面

看電影前我就在想，導演為什麼要起名《陽光普照》。看完後似乎明白了。有陽光的地方，就一定會有穿透陽光所留下的陰影。這二者的二元互立關係，也在某種程度上代表了，陽光就等於陰影。就像道家文化中的陰陽，一元兩面，相剋相生。影片中的人物在陽光與陰影間兜轉，在撕裂般的成長中完成了角色轉換，達成了對彼此、對自己的和解。

1、家人間的愛明明該像太陽，卻倒影在心上徒剩陰影

當面對一部作品時，我們總會絞盡腦汁去思考它的社會意義，試圖找到其中形而上的價值。實際上，藝術吸引人的往往不是這些形而上的價值，而是與我們自身經歷所引起的共鳴。

正如這部電影，我想它最想表達的只是"愛"，是家人間的愛。東亞文化圈，對"家"這個概念是極為尊崇的。日本導演是枝裕和、小津安二郎的多部作品、李安的家庭三部曲，莫不是圍繞"家"展開。（有趣的一點是，本片海報和《如父如子》相似度之高，印證了導演毫不避諱地向是枝裕和致敬）相較於歐美文化崇尚個人主義、人與人之間保持距離，東亞文化下的家庭常會被詬病"沒有人際邊界"。家庭束縛了身處其中的每個人，卻又給予無盡的牽掛，真是古怪又迷人。

電影中有多處導演的小心機能證明。比如少年犯每人推的車上都有一字，忠孝仁義，唯有弟弟阿和是"愛"。再比如臥室門口掛的"Love"廣告牌。這種巧合不得不說是導演故意而為之。

這個家庭成員彼此是有愛的，但就是做不到好好溝通、袒露內心想法，因此愛會被烏雲遮擋徒剩下陰影。母親收留了阿和懷孕的小女友，但她並沒直接問阿和，而是多次試探。"你有沒有瞞著我做什麼壞事？"阿和卻搪塞不說，直到最後在哥哥說漏嘴中爆發。從這個例子能看出，母子之間的溝通方式很成問題，母親選擇試探、希望對方主動溝通，而不是將女生已在家生下孩子這麼重要的事告訴兒子。

2、哥哥阿豪：生活在陽光之下，卻渴求陰影藏身

阿豪的自殺是本片最大的謎團。在我看來，有3個原因使得他走上絕路。

一是對自我的過高要求。從他復讀只因沒有錄取上第一志願醫學院就能看出，阿豪對自我要求很高，內心是個完美主義。正像他說的，他只希望找一片陰影藏身，可發現他的世界只能永遠陽光普照。

二是不懂排解壓力，壓力在心口難開。本片他釋放的唯一求救信號，就是對郭曉貞說的司馬光的故事。故事中砸破缸卻發現自己躲在缸裡的司馬光，其實正是他對自己的隱喻。

三是他可能患有抑鬱症，我也更願意相信這點。

抑鬱症是感覺的喪失，包括愉悅、開心、憤怒等。常人會感受到的愉悅的情感，抑鬱症患者是無法感受到的，不是不願意，是不能夠。他們的生理和大腦出了問題，缺乏多巴胺和腎上腺激素，無法感受到"快樂"、"開心"這種感情。而他在電影中很少露出快樂、憤怒這些電影人物的常有情緒，大多數時候都是面無表情，原因可能源於此。

比如在動物園，當郭曉貞握住他的手，女生緊張卻抿嘴偷笑，而他轉過頭，臉上只有木然，還有一絲疑惑，這絕不是青春期男孩和心儀女孩約會該有的表情。兩人一笑一木，形成了鮮明對比。

2、 巧用天氣營造氣氛，長短鏡頭調度自如，拍出臺北的生機美

導演鍾孟宏兼任本片攝影，也是金馬獎《大佛普拉斯》的攝影。

1、用長鏡頭營造氣氛，短鏡頭表現人物心理活動

印象最深刻的是阿豪自殺前那3個鏡頭，全程沒有一句臺詞，卻表現了阿豪自殺前的絕望。第一個固定機位，拍他沉默地洗澡、刷牙，用手抹去鏡子上的霧氣。一箇中鏡頭推近到短鏡頭，面部背光看不到表情，給到他穿好衣服、疊好褲子的樣子，看上去似乎一切如常。下一個鏡頭就切換到牆壁上，映出他的身影，越走越遠、越來越小。導演沒有直接拍他怎樣走上天台，怎樣從上面跳下來，而是用影子的變化表示"人物"已離去。

緊接著一個鏡頭，是從樓頂俯拍地下，救護車緩緩移動，像只白色的蟲子。鏡頭緩緩旋轉，有點暈眩。導演彷彿故意讓觀眾置身角色所處境地，感受他站在樓頂下望看到的視角，也更會為這份義無反顧的決絕而震撼。拍圍觀者的鏡頭也很有深意。一個鏡頭掃過，許多個靠在欄杆上圍觀的人，像一群黑衣鬼，沒有五官和表情，沒有姓名和身份，就像魯迅先生筆下冷漠的看客。

2、利用天氣暗示故事走向

導演很善於用天氣營造氣氛、暗示故事走向。在駕校噴糞事件之後，出現了一個十幾秒的鏡頭，寓意深遠。原本在天空的大太陽，漸漸被漂浮的烏雲遮住，一時間天灰地暗、陰冷肅殺。接著，就發生了哥哥跳樓的悲劇。整個家庭從充滿生機地對抗接二連三的困難，就像一夜被抽光了精氣神，父母一夜白頭。

據透露，拍戲時鐘導對天氣要求很嚴苛。哪些場景必須要大晴天，哪些戲必須要陰雨天，因此拍戲時間很緊張。一個典型的例子，是在片頭的雨中砍人戲。這場戲並不是人工雨，而是在臺風天臨時拍攝，因此那場戲來得特別狼狽，也特別真實。

阿和從黑幫手上死裡逃生在高速上狂奔那場戲，

在山頂那場戲，父親有長達8分鐘的獨白，而飾演母親的演員只能利用陽光、風和對手的話，來完成這場沒有臺詞卻內心戲十足的戲。這一幕戲也十分精彩，不愧是影帝影后的水平。

3、 金曲林生祥配樂為電影增色：音樂無言，卻勝萬語

林生祥是我很喜歡的臺灣音樂人。在為《大佛普拉斯》配樂《有無》出圈後，為大眾所知。但其實，他早就多次獲得金曲獎金馬獎。林生祥從畢業後，就致力於復興客家音樂、家鄉美濃的環保和反水庫運動。他總是彈奏著月琴，唱著你也許聽不懂的客家話，但卻可以唱進你的內心，引出你的淡淡鄉愁。

有人評價他："對土地的情感像火焰，對客家音樂的邊緣化趨勢，清醒如冰涼海水。"

林生祥的配樂為本片增色不少，從音樂角度講完了電影沒講完的部分。在本片中，林為主要人物都做了代表性的曲子。

《遠行》是寫給阿豪的。這首歌並不煽情，反而帶著青春的希望。少年充滿激情和鬥志，為了夢想，踏上追夢之路。可電影中的阿豪，卻並沒走出去，而是永遠停留在了最好的年紀。

在本片中，林第一次使用合成器做音樂，自曝花了許多功夫、印象太深刻。但效果還是驚豔。菜頭阿和車上那場戲《你車上有菸灰缸嗎》，音樂一響起，陰冷肅殺的氣氛瞬間點燃了我的雞皮疙瘩。

我最喜歡這首《他坐在哪裡》。作為本片唯一反派"菜頭"的代表曲，這首歌卻出奇得溫和純淨。主調為月琴彈奏，高潮加了合成器增進感情。曲子響起在本片最血腥的場景，有種奇妙的荒誕感。彷彿眼前殘忍的剁手場面，只是一個夢。也彷彿映襯著菜頭內心有塊純淨之處，留給兄弟阿和奶奶，他並非不可救藥，他其實不該去死。

林生祥先生曾說：

"縣道184的曲是我在1998年寫的, 2001年放進菊花夜行軍專輯，沒有想到二十年後換了一個面貌，變成電影配樂，砍人、奔跑的畫面好像也融進這首曲子裡頭，長出另外的生命。"

音樂真是奇妙的東西，能穿越時間，穿透人心。看似無言，卻訴說萬語。

寫在最後：

動畫中，司馬光一半臉暴露在陽光下，一半臉藏在陰影中。電影中，阿豪從陽光下跳到了黑夜裡，阿和從陰影處走入了陽光下。陽光與陰影本就為一體，就看你怎麼去看待。

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