為演奏會曲目作適當的選擇與設計，本身便是一門艱澀的藝術。我們是無法在倉促間，臨時作好任何決定的，因為它必須經過完善的思考。在這門藝術裡，我們可以歸納出幾種類型，每一種類型在組成的本質上，各有其獨自的律法。
獨奏會的類型
“全場獨奏會”（Full Recital）是指一場長時間的個人獨奏。其中包含各種不同作曲家、不同色彩的樂曲，使獨奏者能自然地表現出他最美好、最豐富的音樂內涵，及最佳的演奏和詮釋能力。曲目的安排必須健康地囊括各類聽眾熟悉或是不熟悉的樂曲。至少要彈奏一位現代作曲家的作品，才能使聽眾感覺出這場音樂會的真實性，是在20世紀發生的。
“短時間”的演奏曲目，在組成上與上述的方式不同。演奏家在這類性質的音樂會中，或許只擁有15分鐘的時間去展露他的琴藝，因此他必須懂得選擇樂曲，於10多分鐘內馬上能表現出個人多方面特色。我的選擇方式是：先安排一首明亮的開場曲，而後彈一首慢板音樂（但是不能太過於緩慢而失去了音樂進行的動力），最後以一首華麗光耀，能表現絕佳技巧的樂曲作為結束（也許再準備一首亮眼的“安可”曲以備需要）。選擇曲目時，一定要彈奏完整的樂曲，而不要摘錄某一樂曲的片斷、某一奏鳴曲的一個樂章，或是組曲的一個段落。
還有一類獨奏會是完全以一位作曲家的作品為主，例如全場貝多芬、全場肖邦，或是全場舒曼等。在這類獨奏會里，演奏者好比是一隻優秀的單眼鏡頭，使聽眾能從中看到某位作曲家身上各色變化的景觀。在選曲上，我們可以選擇這位作曲家廣為人知與較不為人知的作品。從中尋找一些能夠特別表現出其獨特個性與細緻內涵的音樂，使這場音樂會像一幅肖像，能完整地描繪出一個人，讓聽眾在短短的幾十分鐘之內，對作曲家有一目瞭然的認識。
曾經有一陣子，音樂家們流行一種新型的曲目安排方式，例如全場由多位作曲家的託卡塔（Toccata）所組成、全場由多位作曲家的練習曲（Etude）所組成，或是全場由多位作曲家的前奏曲（Prelude）所組成。這類曲目帶有“教育”的意義，因為演奏家可以在一場演奏會中，展現各個作曲家針對某一特定形式在寫法上的差異。
像任何流行的事物一般，演奏會里的曲目也是常常隨著時間的更易而不斷地變化著。某些時候，經常流行演奏舒曼的《狂歡節》、李斯特的奏鳴曲或是貝多芬的《熱情》。一個季節過後，這些音樂便會被其他樂曲代替而給冰凍起來，直到下一個流行季節裡不約而同地出現在各演奏會上時，才又復甦。
音樂演奏的發展史
對音樂會發展歷史有興趣的人，可以在大圖書館中找到很多迷人的資枓，像描述巴赫音樂家族在18世紀成功的音樂會記載等。古老的日子裡，音樂會往往是一個小城鎮中很重要的社交活動。人們總是在音樂會結束後便不停地談論著，一直到下一場音樂會的來到。那時的音樂會非常長，可以長達數小時，從夜晚演奏到黎明。曲目則包括各類摘錄自獨奏奏鳴曲、室內樂、交響樂的單一樂章或樂段，著名的聲樂家則唱著歌劇中的詠歎調。有趣的是，一些特技表演者、魔術師和變戲法的人，也經常應邀助興。在一次貝多芬擔任指揮的音樂會上，樂章之間竟然出現一位小提琴家，玩著倒拿提琴演奏音樂的把戲。此外，音樂會里還有一個重要的表演項目，那就是音樂家們在鋼琴上作即興演奏。莫扎特、貝多芬、李斯特在他們還未因作曲成名之前，都是頂尖的即興演奏家。即興演奏的主題通常由聽眾選出，有的是耳熟能詳的歌謠，有的是當時流行的曲調，幾乎任何音樂裡的旋律，都能作即興演奏的主題。這種形態的音樂會，一直到了李斯特和泰伯格這兩位鋼琴大師手中，才慢慢有了改變。
12歲的天才兒童克拉拉，自從在巴黎聽了兩位大師的音樂會之後，回到德國也開始在音樂會中“背譜”彈奏。但是當時卻有許多人批評她的背譜演奏為“絲毫沒有音樂性可言，只是以特殊、與眾不同的伎倆取勝”（因為背譜演奏在當時並不風行）。
李斯特是一位天生具有表現欲的人，他開創了歷史上第一場“鋼琴獨奏會”，也是第一位以側坐來演奏鋼琴的音樂家（以往鋼琴家皆背對觀眾），如此，觀眾們便能看見他那俊美的臉龐。回顧這些歷史，使我更加堅定一個信念，那就是：唯有通曉過去，才能在現階段裡有適當的作為，並預測出未來音樂的走向，不會為現實中某些評論所影響。正如李斯特所說：“時間”乃是決定一切、最具權威的音樂評論之父。
音樂家應該睜大眼睛，觀察廣闊的世界
不論我們居住在何處，是在一個小村莊還是在大都會，一定會受到當地文化趨勢的影響。對於人性而言，這是很自然的現象。每個人總是視他生長環境的一切為“最佳”：家鄉的報紙報道的都是最可信、最重要的言論，家鄉的交響樂團及指揮是最優秀的音樂家，家鄉的音樂教師是最好的教師——以至於教師們的音樂觀點，主宰了當地人們的音樂思想及言論。但是當我們走出了這個區域，探訪了更大的城市，旅遊至另外一個洲際時，我們的眼睛便開始睜開，發現真實的世界，比原先想象的要大得太多了。
雖然旅遊世界各地，對大部分的人來說，是十分不容易辦到的事，但是我們還是可以藉著其他的方法，打開我們的眼界，和世界文化發展的潮流保持密切的聯繫。方法之一，是訂閱重要音樂大都會里知名的報紙和雜誌；之二，是剪貼所有年輕音樂家的節目表及樂評。通過觀察音樂曲目的編排及大眾的感想和評論，不用多久，你便能歸納出時代的走向。
作為一個音樂家，我們應該培養出研究年輕音樂藝術家的嗜好。由新生一代音樂家的曲目及樂評、他們的潛力和教育背景來預測，誰將會是大放異彩的明日之星。因為經過了文化潮流的印證後，藝術家才可能在歷史上留名。因此，觀察世界輿論和文化成就間微妙關係的過程，其本身便是一件耐人尋味、令人樂此不疲的工作。
精心安排音樂會曲目的重要性
由過去錄製唱片，和兢兢業業的製作人合作的經驗中，我得到很寶貴的一課：不論是唱片的製作還是音樂會的製作，在曲目的安排上，都必須精心設計，不能有絲毫的牽強及馬虎。
25年以來，音樂會曲目的安排，總是習慣性地將樂曲按年代排下來，例如：以斯卡拉蒂、巴赫為始，經古典、浪漫至現代，最後以一首華麗能博得滿堂彩的音樂作為結束。曾經有數以萬計成功的音樂會是以此種方式進行，似乎它已經成為一種成規。但是我卻擔心不創新的結果，可能是在不久的未來，我們將會聽到最後一場鋼琴獨奏會。這個時代，人們已經可以從收音機及唱片中聽到無數美好的音樂。除非某一場獨奏會深具個人魅力，否則便不再有從舒適的家中趕往音樂會場的必要了，因此我堅信，唯有真正吸引人的曲目，通過精心有品位的設計，呈現豐富多變的色彩、內涵和新鮮度，才能將疲累工作後的人們，從家中柔軟的坐椅中吸引進音樂廳。
理想的曲目組成方式
理想的獨奏會，時間通常是70分鐘左右。安排曲目時，不要讓第一首樂曲太長，使習慣晚到的聽眾，不至於有懊惱無法值回票價的感覺。我時常以美好且強有力的作品作為開場曲，讓聽眾產生期待的心情，但是卻避免在此時爆發整個演奏會最強的火花。我們應該一點一點，逐步漸進地將整場音樂會帶入高潮。所以，在決定所有曲目之前，應該先選擇這場音樂會的重心音樂，再圍繞著它來安排其他作品。
重心音樂必須是任何時代中的傑出作品，如貝多芬、舒曼、莫扎特的奏鳴曲，德彪西的組曲或巴赫的組曲（Partita）等。如果你計劃放兩首很有分量的作品在一場演奏會中，則選擇不同時代、不同結構的作品，切勿同時出現兩首奏鳴曲或兩首組曲。最好是奏鳴曲和組曲，或是配一首變奏曲。當你在挑選其他分量輕的作品時，也可以以這種態度去選擇。譬如你已經有一首非常抒情、曲調很美的音樂，最好不要再緊接著另一首也是旋律優美的曲子。因為這將會混淆聽眾的記憶，使他們弄不清楚誰的旋律是什麼。而節奏相似的樂曲也不要接著彈奏，如兩首圓舞曲，或圓舞曲和馬祖卡舞曲等。相同“類型”的作品要避免安排在一起，除非你是特意點明作曲家的相異之處，例如：選擇一首舒伯特的圓舞曲，再選擇一首肖邦的圓舞曲；彈一首巴赫的前奏曲與賦格，再彈一首肖斯塔科維奇的前奏曲和賦格。有的時候，在同一個調或是關係調上安排兩種味道對比的音樂，也是很吸引人的。例如在同一個調上彈奏一首夜曲，再接著彈奏一首練習曲，就好像把一朵淡藍色的花放在一朵深藍色的花旁邊，它們相互凸顯了對方的色調與明暗度。
在半場結束之前，安排一首較具戲劇性的作品是極佳的設計。因為這類作品容易引發人們緊張及懸疑不安的情緒，而這種情緒能在樂曲結束後十幾分鐘的休息裡得到紓解。經過放鬆之後，你可以選擇一首較長的樂曲，因為聽眾此時已經調整了他們的心情、準備了他們的耳朵，要再度細心地聆聽你的演奏了。
如果你計劃將幾首短小的樂曲放在一起彈奏，則要小心勿將音樂以單調的手法排列，如慢→快→慢→快等。最好能以音樂的色調和氣氛來搭配，儘量將能夠引起不同情緒反應的樂曲放入曲目中，如：悲傷柔軟的樂曲→快速輕巧的音樂→優美旋律同時具戲劇效果的樂曲→華麗似火焰般的作品。某些時候，當你彈完一首衝擊性強的樂曲之後，聽眾在心情上也許需要一些休息，此時可以適度地彈奏緩慢而柔軟的樂曲，這將使這類作品達到最佳的效果。不過在音樂會結束前的第二首音樂的選擇上，則要小心，勿過於“緩慢”，使得整個音樂會的腳步幾乎停頓。我們可以選擇一首快一點的夜曲、慢一點的圓舞曲或較好聽而明亮的作品，讓整個曲目在快要結束時，有一氣呵成的動力。
當你演奏“安可”的時候，必然也得保持原有的水準，不得馬虎。如果能選擇與先前色彩相異的樂曲則更佳。在每場獨奏會“安可”的最後一曲上，不妨把你最喜愛，而他人一聽便知道是“你”的音樂放入其中，使這首樂曲變成你的標誌，就像畫家在畫布的下方簽上自己的名字一般。
不同的聽眾要求相異的演奏曲目
世界各地的聽眾對於演奏會曲目的要求，皆因民族性及國度的不同而有很大的差異。以德國人來說，因其本身承襲了悠久長遠的音樂傳統，所以喜歡分量重、純音樂的曲目。音樂會中，至少要有兩首夠分量及藝術價值極高的音樂作品，才能挑起他們聆聽及思考的興趣。法國及拉丁民族的聽眾，則比較喜歡陶醉於清爽的音樂中。英國、北歐、荷蘭的聽眾不善於迅速地表達他們的感受，但卻是非常敏感聰慧的聽眾；不論是深奧的或是現代的音樂，他們都喜歡，他們要求均衡的曲目。大體上看，歐洲的聽眾是屬於久經世故、極具音樂素養的聽眾。
凡是知名的音樂家在南美洲演出，總會在當地造成很大的騷動。南美洲的聽眾對音樂有著狂熱的愛好，尤其是肖邦的音樂。在巴西和阿根廷，甚至已將肖邦視為國寶級的英雄。由於長期沉浸於唱片中，南美的聽眾對音樂有其正規的認識，對演奏家的評論亦建立於獨立的個人風格上，視音樂家的表達能力為評論的標準。當然，還有一項很重要的因素，那便是視每一位演奏者彈奏肖邦的優劣，來決定他們的喜怒。
職業藝術家們鑑賞年輕音樂家時，除了聆聽他是否具有獨特的創造天賦之外，還要觀察他在每一場演奏曲目上所下的功夫是否細膩盡心。而一位身經百戰、經驗充沛的演奏家，在面臨演出的好幾個星期前必定是絕對地集中精神，付出努力去研究、練習，不敢懈怠。如此，才能完整地呈現他的曲目，保持他歷久不墜的聲譽。由此看來，細心地呵護演奏曲目的形成過程，是每一位音樂家都必須具備的深刻體認。
實際分析演奏會曲目的安排
現在讓我們在曲目的安排上做一些實例的分析：
A 霍洛維茲演奏會曲目
《Eb大調奏鳴曲》 海頓
兩首無言歌 門德爾松
《五月》
《牧羊者的悲嘆》
《展覽會之畫》 穆索爾斯基
休息
《Ab大調即興曲》 肖邦
《F#大調夜曲》
《G小調敘事曲》
《娃娃小夜曲》 德彪西
《四隻手指的練習曲》
《託卡塔，作品11》 普羅科菲耶夫
分析：
這套曲目的重心點是穆索爾斯基的《展覽會之畫》，整場曲目的氣氛，從頭到尾都一直作著變化，完全沒有重複的色彩。
海頓的奏鳴曲是一首古典、淳樸又明朗的開場曲，接下去門德爾松兩首色彩對比的無言歌，則激發了聽眾對浪漫樂派穆索爾斯基組曲的興趣。經過休息後，熟悉的肖邦出現。樂曲分量剛好，沒有在聽眾心中造成負擔。接下去色彩對比的德彪西，似乎與上半場的門德爾松相輝映，而夾雜在柔情的肖邦與鋼鐵般有力的普羅科菲耶夫之間，似乎可以起到綜合氣氛的效果。
可能有的批評：
霍洛維茲彈奏的《展覽會之畫》不是原版作品，而是經過霍氏改編之後的版本。演奏者似乎應該避免採用編寫過的作品。
B 魯賓斯坦演奏會曲目
《夏康舞曲》 巴赫—布索尼改編
《Eb大調奏鳴曲“告別”》（作品81） 貝多芬
《Bb小調間奏曲》（作品117， No.2） 勃拉姆斯
《B小調隨想曲》（作品76， No.2）
《Eb大調狂想曲》（作品119，No.4）
休息
《波卡舞曲“金色年華”》 肖斯塔科維奇
《瞬間幻影》（作品22） 普羅科菲耶夫
《兇惡的模樣》（作品4，No.4-4）
《船歌》（作品60） 肖邦
《G#小調夜曲》（作品27-1）
《Ab大調波蘭舞曲》（作品61）
分析：
如果以色彩、節奏、速度和氣氛來看，無疑，這一套曲目可說是充滿了變化，可以作為典範。魯賓斯坦知道聽眾對於現代音樂作常敏感和警覺，因此他把肖斯塔科維奇與普羅科菲耶夫放在肖邦之前，而以肖邦的音樂為演奏會的高潮（注意：這裡使用肖邦的作品都不是過於陳舊的樂曲）。
可能有的批評：
整個曲目充滿太多聽眾熟悉、喜歡的小曲子。如果以勃拉姆斯整個作品119（共四首曲子）來代替前二首間奏曲和隨想曲，則整個曲目的分量會因此改觀，時間卻不增長；同時有助於平衡上下半場的曲目，因為下半場也是由很多小曲子所組成。
肖斯塔科維奇與普羅科菲耶夫在作品的特質上，有許多相似的地方，如果以巴爾托克、普朗克或巴伯代替肖斯塔科維奇，應該會有更對比的色彩出現。
到目前為止，彈奏改編過的巴赫，依然會受到爭議。許多純音樂的藝術家認為，巴赫有許多偉大的作品可以用於演奏，演奏家不需要彈奏改編自小提琴音樂的作品。
C 赫斯夫人（Dame Myra Hess）演奏會曲目
《D大調回旋曲》（作品485） 莫扎特
《B小調緩板》（作品540）
《G大調小賦格曲》（作品574）
《A大調奏鳴曲》（作品120） 舒伯特
休息
《第一號組曲》（Partita） 巴赫
《C小調奏鳴曲》（作品11l） 貝多芬
分析：
這位藝術家運用了無限豐富的想象力，將古典作品作了極吸引人的安排，曲目充滿著迷人的曲調。莫扎特的緩板和賦格、舒伯特的奏鳴曲作品120，都很少在音樂會中被彈奏，卻在這位鋼琴大師的手中復活，使聽眾再度發現這些優美的音樂。
注意這些優美且均衡的曲目：三首短小明亮的古典小品後面，銜接著舒伯特的浪漫作品。下半場開始，是聽眾熟悉的巴赫組曲，最後以貝多芬戲劇性且華麗的奏鳴曲作為音樂會的高潮而結束。
D 季雪金演奏會曲目
《Bb大調組曲》（Partita） 巴赫
《三首奏鳴曲》 斯卡拉蒂
《C大調幻想曲》（作品17） 舒曼
休息
《船歌》（作品60） 肖邦
《塔》 德彪西
《水之倒影》
《第九號狂想曲》 李斯特
分析：
這些不尋常的曲目被安排得非常均衡。演奏家聰明地將曲目朝一個焦點——舒曼的幻想曲——建立起來，使音樂在上半場結束時達到高潮。經過休息，氣氛因肖邦《船歌》的出現，漸漸地沉寂下來。在德彪西《水之倒影》時，呈現最安靜的情景。其後，李斯特的狂想曲，像一片喧譁的潮水，瘋狂地淹沒了所有的聽眾。
季雪金在上半場安排了音色有別於巴赫的斯卡拉蒂，在下半場運用了輕靈的德彪西，此二者在上下半場中遙遙相對，造成了音色上的對稱，使曲目相互平衡。
E 列文涅（Josef Lhévinne）全場舒曼的演奏曲目
《交響練習曲》（作品13） 舒曼
《託卡塔》（作品7）
《四首樂曲》，選自《幻想曲》（作品12）
休息
《狂歡節》（作品9）
分析：
這真是一場令人歎為觀止的演奏。演奏家一口氣彈奏了兩首舒曼最有名的鉅著——《交響練習曲》及《狂歡節》（只有吹毛求疵的評論者，才會堅持以聽眾較不熟悉的奏鳴曲來替換其中一首作品）。
藝術家在《交響練習曲》上神奇的演奏技巧及獨特的詮釋，給他帶來了極大的讚譽。而四首從《幻想曲》抽出來的樂曲，內省安靜的色彩，則使得整個音樂會在描繪舒曼的調色盤上，趨向完整。
注意：把兩首分量長又重的曲目放在上下半場的開始，不僅促成曲目安排上完美的平衡，同時也收到聽眾最專心聆聽的效果。
F 塞爾金演奏會曲目
《告別親愛兄弟的隨想曲》 巴赫
《降B大調奏鳴曲：“漢麥克拉維”》（作品106） 貝多芬
休息
《十二首練習曲》（作品25） 肖邦
分析：
這是一套非常優秀的曲目，塞爾金以奏鳴曲中的巨神《漢麥克拉維》為中心。這首艱深的奏鳴曲在每一代鋼琴家中，只有少數人能完美地演奏出來。巴赫的《告別親愛兄弟的隨想曲》是一首輕快迷人的引介。在中間休息過後，塞爾金給他的樂迷們帶來一個很大的驚奇——彈奏肖邦第二套鋼琴練習曲（因為他一直是以彈奏德奧音樂著名的音樂家）。
可能的批評：
也許再放一首抒情而短小的現代作品，如普羅科菲耶夫、巴爾托克或希納斯泰拉等人的作品，於下半場一開始，可以為整個音樂會增加一些額外的顏色。
G 史蘭倩絲卡演奏會曲目
《D大調奏鳴曲》（作品10-3） 貝多芬
《遊離》（Excursions） 巴伯
《第二號敘事曲，F大調》 肖邦
《練習曲》（作品10-1）
休息
《狂歡節》 舒曼
《意大利波卡舞曲》 拉赫瑪尼諾夫
《第十五號匈牙利狂想曲》 李斯特
分析：
這場音樂會里，古典的貝多芬《D大調奏鳴曲》和浪漫的舒曼《狂歡節》，是整場曲目的重心，這兩首音樂自成一種對比的色彩。
將貝多芬的奏鳴曲和帶有爵士色彩的現代組曲放在一起，為接下去演奏的肖邦音樂，襯托出一幅有趣的背景。
休息前，放置一首狂風般的練習曲，能將聽眾的情緒帶到高點，而在下半場來臨時能專心聆聽舒曼的作品。
較不為人知的《意大利波卡舞曲》是一首明亮又優美的短曲，位於長又豐富的《狂歡節》和華麗強烈的李斯特《匈牙利狂想曲》之間，具有調和的作用。
可能有的批評：
四個樂章的奏鳴曲對開場曲而言，有些冗長，如果能選一首稍短的奏鳴曲較佳，不僅節省時間，同時可以另外再加一首柔軟抒情的小品於《狂歡節》的前後，使整場曲目的色彩更完整。
現代演奏家應勇於接納未來的音樂作品
20世紀的音樂作品，在目前演奏會中已經逐漸受到重視。巴爾托克、巴伯、普羅科菲耶夫、肖斯塔科維奇等作曲家的作品，已不再造成太大的好奇與側目。它們開始慢慢地取代了李斯特、門德爾松、格里格、聖-桑在音樂會中的地位。作為一位現代的演奏家，應該勇於接納更多未來的作品，而非永遠生活於過往的日子裡。
分享到:
