左衽中国·教师团队
电脑绘图教师 JIAN SU 作品赏析
“时装画表现的是时尚的生活方式”
JIAN SU
苏 简
左衽中国电脑时装画主讲
左衽中国电脑时装画主讲教师。时装插画师、时装设计师。毕业于北京服装学院，获女装设计方向硕士学位。2006年曾参与北京奥运会开幕式表演服装设计；2007年参与电视剧《郑和下西洋》的服装设计；2007年至2009年，为多家知名企业，如摩托罗拉、中国银行、西门子等，担任发布活动的造型设计；2008年至2010年，任北京灵感驿站设计工作室设计总监；2010年担任电影《战国》 服装及道具设计；现创建有艺界概念工作室，出版有图书《时装设计师工作手册：人体模板与效果图表现》。
Illustration of Fashion Design
电脑时装画代表作品
‘JIAN SU老师电脑绘图作品’
我对于，
时装绘画的理解与感悟。
“时装画表现的是时尚的生活方式”
曾经在一本书上读到过这样一段话：“如果你选择了时装设计这个职业，那你就选择了一种全新的生活方式，一种充满了热情和全身心付出的生活方式。”
对于想要创作出完美作品的设计师而言，你需要与设计同呼吸、共命运。但时装画产生的影响是潜移默化的，它会渗透到你生活的每个角落。当提笔绘画变得如同吃饭喝水一样自然的时候，你就会发现时装画对你的影响没有设计那么激烈，却更加深刻和长远。
时装画是你专业修养的体现。对设计师及职业插画师而言，时装画是你迈进时尚行业的通行证。面对陌生的客户或者合作伙伴，你的作品就是你最好的名片，是能够让你从激烈的行业竞争中脱颖而出的有利武器。
时装画是你审美的体现。你会采用何种笔触，怎样使用线条，偏好哪种色调，对构图有无特殊处理……种种元素在纸面汇集，最终呈现出的画面源自于你在学习、工作和生活中的积累。你的个人喜好、品位与审美，都会在画面中展现出来。
时装画是你创造力的体现。就如同米开朗基罗可以从小脚趾开始进行雕像一样，你是否能接纳更多的新方法？是否能创造性地使用传统画材？是否能突破自己已经掌握的技法和风格？是否能找寻到更别致的呈现形式？不论是作为设计师还是插画师，永不熄灭的创造力是你最宝贵的价值。
时装画是你对自己的定位。你是坚持循序渐进不断精益求精，还是偏好率性而为打破常规，或者是经过长期铺垫后一鸣惊人，在学习时装画和应用时装画的过程中能体现出你的性格和处事方式，想要画好时装画，你首先要了解你自己。
现在，我们强调时装画，因为它不再是时装设计的副产品，不再是一种单纯的技能，而是当代艺术的一种形式，是当下时尚生活方式的聚焦。你的生活方式，能构筑出一个独一无二的你。
Illustration of Fashion Design
电脑时装画代表作品
‘JIAN SU老师电脑绘图作品’
Interview
专访问答
插画师成长的故事……
Q：何时开始绘画创作？记得最初的想法吗？
SJ：我从小开始学画画，在专注于时装画之前我学过国画、水彩、油画等许多画种。对我而言，绘画能够搭建一个只属于我自己的世界。我认为设计是为大众服务的，而绘画是为自己服务的，个人的感受、情怀、思绪、探索，通过画笔在纸面上绽放。展示你的绘画作品就是展示你的内心世界。现在，我在画时装画时也会将其分成两类：为工作或教学所绘制的作品和自我创作的作品。
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电脑时装画代表作品
‘JIAN SU老师电脑绘图作品’
Q：是什么让你开始对时尚插画产生兴趣的？
SJ：时尚插画在刚开始对我来说真的是设计需要，想要高效地传递出设计意图，就必须绘制出准确、清晰的设计稿。但是在长期绘制时装画的过程中，自己以前学习的绘画技法会不知不觉地折射出来，让我深刻地感受到各种艺术形式是具有共通性的，可以相互借鉴，融汇贯通。
技法上可以相互借鉴，比如：国画的水墨技法和水彩的湿画技法可以通用，国画白描对线条的概括与马克笔勾线有异曲同工之处，水彩的“罩色法”也是马克笔的基本着色技法。
风格上会相互影响：以我自己为例，我在高中和本科时期疯狂地追日漫，当时的时装画就具有很明显的日漫风格；研究生期间兴趣转向了欧美影视，所以人物的造型更倾向于欧美风格；我自己一直喜欢荷兰小画派和拉斐尔前派，所以会比较注重画面的素描关系和对细节的刻画。
时尚插画在艺术表现上带来的乐趣和探索性并不比纯绘画少，再加上“时尚”这个永不过时的主题，使其具有独特的吸引力。
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电脑时装画代表作品
‘JIAN SU老师电脑绘图作品’
Illustration of Fashion Design
手绘时装画代表作品
‘JIAN SU老师手绘作品’
Q：有没有对你影响至深的大师或者身边的朋友？
SJ：对我产生影响的人特别多，比较重要的是两个人。
一位是文艺复兴时期的大师拉斐尔。面对达芬奇和米开朗基罗这两位超级天才，最初名不见经传的拉斐尔默默地汲取前辈们的经验并将其升华，他将达芬奇对人物表情的精准把握、米开朗基罗的动态张力以及自己刻画细节和平衡画面的能力完美融汇，同时还将达芬奇最为擅长的“晕涂法”发扬光大，使自己的画面达到了极致的协调与典雅，最终能与其他两人比肩。
“对比拉斐尔的早期作品和晚期作品，
能够看到绘画技法的显著进步。”
另一位是时装画大师René Gruau，从18岁踏入这个行业到95岁辞世他一直都以极大的热情投入工作。从他的大量作品中，我们可以看见他在不同时期风格的变化，不论是写实的高贵典雅的人物造型，还是受到波普艺术影响的平面装饰风格，或是抽象带有符合化的风格，我们可以看见这位大师不断地突破自我，在艺术道路上的汲汲追求。
“René Gruau在40年代与Dior合作所绘制的时装画，反映出当时典型的淑女形象；在60年代的作品，明显受到波普艺术影响，表现出平面招贴风格；而在90年代的作品，已经极度简洁精炼。”
具有惊世之才的人是极少数的，我认为在学习绘画的过程中，对普通人而言有两点非常重要：一是学习的方法，你可以博采众长，可以苦心钻研，可以不断试验，但是要找到适合自己的方法，多画多练是一方面，不断的思考总结也是非常重要的；二是不忘初心，在学习或者工作的过程中总有各种困难和不如意，但是只要能够持之以恒并不断进步，终会有所成就。这是我从两位大师身上得到的感悟。
Q：谈谈自己坚持的艺术的态度？
SJ：在我看来绘画需要心、眼、手、脑四者合一。
“心”是指保持稳定的心境，心无杂念，不要急于求成，不要过于功利。绘画创作需要你高度集中精神，如果在绘画时有太多杂念，你很难保证画面的纯粹性。
“眼”是指学会观察。尤其在初学阶段，不要盲目地去画，而是要观察、分析你要表现的对象。写生永远是绘画学习最有效的方法之一。
“手”是指“手感”，既大量的技法练习。这是绘画的实践阶段，理论了解得再完善，观察得再仔细，如果没有大量的练习都只是空谈。通过数量的积累，量变到质变，你会发现画笔逐渐变得听话，你脑海中想象的画面能够越来越准确地在纸张上呈现。
“脑”包含了绘画前的构思、绘制中的思考以及完成后的归纳总结。绘画不是技法的堆砌，在我看来好的画面应该具有“故事性”，仿佛能够和观者沟通交流，这样的作品才具有艺术感染力，才能够打动人心。
在绘画中，这四点缺一不可。
Illustration of Fashion Design
电脑时装画代表作品
Q：你对刚刚进入插画领域的新人有什么要说的吗？
SJ：如果想要成为设计师，那么基础很重要，非常重要！人体结构、服装结构、人体与服装的关系、面料质感的表现、光影关系的表现、细节刻画的能力等，所有这些你都要扎实地掌握。作为设计师你可能会面对不同类型的工作，面对各式各样的客户，你可能需要绘制多种类型的画稿，只有扎实的基础才能帮助你应对复杂多变的局面。
如果想要成为专业插画师，那就需要不断地开拓视野，不断地积累经验和汲取新的养分，并形成具有个人标志性的、可辨识的风格，这是个长期而艰巨的过程。
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人体动态与表现
Q:您觉得人体这个媒介在插画中意味着什么？
人体是时装画的基石。如果是应用类的效果图或设计稿，那服装必然要附着在人体上；如果是时尚插画，那人物造型也是时尚方式呈现的焦点。
当然，不同的设计师或者插画师，对人体有不同的表现方式，或写实、或变形、或夸张、或省略。我想说的是，时装画中的人体，应该是一种理想化的人体，应该呈现出一定的美感。在初学者的画面中，我经常看到很多人无节制地拉长腿部，这并不是“变形”而是“畸形”！即使是变形的人体，也应该结构准确并遵循一定的比例关系。还有诸如肢体扭曲超出了人体运动可以达到的极限、动态不稳违背了万有引力规律、关节肌肉错位等，这些问题不能用“变形”或者“风格化”来遮掩粉饰，错误就是错误。
只有对人体有充分、准确的认识，你才能进行风格化处理，并在变形或提炼后保持相应的美感。
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人体的变形与夸张处理
Q：您有推荐给新手入门的插画大师吗？可否推荐几位这样的插画师，并稍作评价？
SJ：我建议大家从写实风格的作品入手，先奠定好基础，再进行变形或夸张的练习，然后是极度的精炼，最后是形成个人风格，归纳起来就是“写实”—“变形”—“精炼”—“自我”。这四个阶段，每个阶段都有很多代表性的大师可供借鉴学习，我在此推荐向大家推荐我最喜欢的几位插画师。
首先是澳大利亚插画师Kelly smith，写实派的代表。她主要以铅笔和水彩作画，人物造型准确、唯美，细节精致。铅笔的细腻和水彩的淋漓尽致在画面上既形成对比，又保持着奇异的和谐感。虽然采用的是写实的人体比例，但是从姣好的面容、修长的四肢以及流畅的身体曲线，我们可以看出作者进行的主观处理。
澳大利亚插画师
Kelly smith作品赏析
然后是西班牙插画师Arturo Elena，作为全球最顶尖的时尚插画师之一，Arturo Elena的作品具有鲜明的个人风格。他笔下的人物比例夸张，被表现得极度消瘦，仿佛只有骨架一般，而与之相对的是服装面料和细节上的极度逼真。人物动态、构图、光影关系、时尚单品的搭配，随便哪个部分拎出来都值得我们去学习研究。在他的画面上混合着现实和虚幻，是对时尚流行最为深刻的诠释。
西班牙插画师
Arturo Elena作品赏析
接下来是英国插画师David Downton，这位大师可以说是耳熟能详，无数人受到他的影响迈进了时尚插画行业的大门。David Downton的作品有一种东方式的意蕴，因为他在作品中大量使用水墨和留白，与国画写意有异曲同工之妙。他只用寥寥几笔，就能使一个个生动的形象跃然纸上，看似随性的几笔却将想要表现的对象描绘得栩栩如生。散溢的水墨、飘逸的枯笔、灵动的线条，画面上没有任何多余的笔触，让人叹服。
英国时装插画师
David Downton作品赏析
不论借鉴了多少大师的作品，最难的是自我风格的形成，有时候这是长期积累水到渠成的事情，有时候需要经历长期的迷茫和痛苦的瓶颈期才能“开悟”。不论以何种形式，你能依靠的只能是你自己。
Q：接下来有什么特别的绘画计划？
SJ：想要在时装画中增添一些“镜头语言”。我一直认为打动人心的画面能够呈现出“故事性”，除了画面人物的神韵、动态和画面构图以外，我还想寻求更多方式让自己的作品更具感染力。在接下来的创作中，我会借鉴一些平面设计和电影艺术的手法，比如分割、配色、场景、符号化等，给画面注入一些新鲜感。
Illustration of Fashion Design
时装画代表作品
—— THE END ——
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