在很多90後剛剛出生的時候，時裝和時裝秀如夢如戲，在一個特別瘋狂的年代，戲劇感極強的時裝成為時代最好的註腳。巴黎高級定製的秀場，因為有約翰·加利亞諾（John Galliano）、有讓·保羅·高緹耶（Jean Paul Gaultier），一切都猶如魔幻大戲。不計成本製作出來的華服，將T型臺變成一個具有故事性的舞臺。模特化身演員，講述一個又一個久遠又深刻的故事。這些秀場鼓舞著整個時裝界，無數的人因為這樣的戲劇性愛上時裝，也因為這樣天馬行空的創意而思考時裝。
在秀場的方寸之間，我們跟隨設計師遊歷世界，去了2004年Christian Dior春夏高級定製的埃及，還去了品牌2007春夏高級定製“蝴蝶夫人”的日本。也跟高緹耶一起在1993年的秋冬探討了猶太文化，而2003年秋冬克里斯汀·拉克魯瓦（Christian Lacroix）又帶我們去看了看愛德華時代的混亂。伴隨著時光流轉，戲劇感強的設計漸漸隱退，那些年為我們帶來瘋狂的設計師們也因為各種各樣的原因，遠離了大眾視線。
Louis Vuitton 2020秋冬大秀現場，看臺上有 200 個人物造型，皆由 Stanley Kubrick 的戲服設計師 Milena Canonero 打造。
極簡主義時代的正式到來，讓我們看到時裝最大限度的實用性，拓展了極簡主義生活方式下的視覺美學。我們喜歡那些線條利落的時裝，但隱隱約約、在內心深處依然想念那些瘋狂又熱鬧的強烈衝擊。
2020年秋冬秀場，Gucci探討了“無可重複的儀式”；Louis Vuitton跟戲服設計師米蘭拉·坎農諾（Milena Canonero）合作，用200名唱詩班歌者作為秀場背景。這些戲劇性的元素讓我們感到興奮，是不是預示著我們想念的熱烈又要回來了？你準備好了一起迎接更加瘋狂的戲劇感時裝吧。
無謂潮流，戲劇永存
實用性強或者功能主義至上的時裝，在很長一段時間讓我們看到理性，或者關於理性的重要。生活也隨著這種審美趨勢，而更加趨向理智、節制和有條理。可現實常常不是那麼一成不變的線條，我們在混亂中才能尋找到事物內在的秩序，在一團亂麻中才能找到閃光點。時裝設計可能也是這樣，太過於理性，就缺少了點生命的熱度。
從舞臺藝術中攝取靈感，對於時裝設計師來說並不陌生，在 “More is More”的年代，大家恨不得把這世間的百態搬上T臺。去年12月，Dolce & Gabbana在米蘭著名的斯卡拉大劇院（La Scala），以歌劇和大劇院作為靈感，發佈了一整個系列。而設計師約翰·加利亞諾在學生時代曾在英國國家大劇院打零工，幫演員們換衣服。他說這份工作幫助他構建了對於戲劇、舞臺和戲服的基本認識。於是戲劇性，一直貫穿在他所有的設計中，所以很難說他靈感來源於戲劇，因為他的設計本來就是一齣戲。
詹尼·範思哲（Gianni Versace）曾說過：“對我來說，劇場就是釋放。”而拉克魯瓦則說：“我從來不考慮時尚，我考慮戲劇性，時尚只是一個意外。”
去年12月，Dolce & Gabbana在米蘭著名的斯卡拉大劇院（La Scala）發佈Alta Moda女裝系列。
很多時候，戲服設計師都被認為是一項沒有什麼創意的工作，因為在大多數情況下，他們創作的空間相對較小。一般的戲服都受到時代、地域、文化的限制，只需要在所有限制之下做到適合相應的人物就好。
而時裝設計師，大概最受不了這樣的限制，他們需要創作出最新最奪眼球的作品。他們需要在潮流之中找到最對味的那個點，他們需要考慮商品和概念的結合。所以，雖然都是跟衣服打交道的工作，兩種工作卻有著截然不同的內在邏輯和工作方法。在現代分工越發細緻的行業裡面，他們謹慎地保持著彼此的界限，幾乎不輕易打破。
可如果這個結界被打破，常常會出現各種意想不到的效果。有時裝設計師參與的戲服設計，是不是能夠更加貼合時代？或者將戲服本身也轉化成為一種表演內容。
戲劇藝術有時候非常迷人，在方寸之間，似乎就能穿越時空，講述完一生的悲歡離合。現代西方舞臺戲劇藝術起源於古希臘，古希臘人在舞臺上演繹神話故事，他們用自己的巧思安排這些故事的框架結構，引人入勝。而歌劇，流淌在幾乎每一個意大利人的血液之中，當女高音的花腔響徹大廳，似乎她內心一生的所有情緒和情感都在這旋律之中了。
在如此迷人的場域結構中，時裝設計師們又有怎樣精巧的表現？從20世紀初到現在，設計師們一直都鍾愛著戲劇，不管潮流如何，似乎都從未離開。
川久保玲
2019年
歌劇：Orlando《奧蘭多》
《奧蘭多》被認為是英國女性主義作家弗吉尼亞·伍爾芙（Virginia Woolf）所有作品中最容易閱讀的，也被認為是所有女孩在成長過程中的固定讀本。作家通過給奧蘭多這位歷史上最為複雜的人物寫“傳記”，來探討傳記寫作的邊界。
演員身著川久保玲設計的戲服亮相。
奧蘭多是英國一位年輕貴族，其生命前三十年為男性，後三十年以後變成了女性。以雙性同體的身份，活了400年。性別，是伍爾芙一生都在探討的主題，《奧蘭多》更是其中佼佼者。在維也納上演的全新《奧蘭多》歌劇，由女性作曲家Olga Neuwirth創作，這也是維也納歌劇院第一次上演女性作曲家的作品。女性主義專場歌劇，戲服設計師也請來了日本設計師川久保玲，她將為傳奇偉大的奧蘭多設計衣服。
歌劇《奧蘭多》劇照
川久保玲，所有時裝愛好者都不陌生的名字，在日本震驚巴黎的1980年代，她是唯一一位女性。也大概只有她，將自己的個性和才華毫無保留地保持到了今天。她的品牌漸漸商業化，可她永遠有一塊高冷的自留地給自己發揮。其實讓川久保齡著迷的可能不是歌劇本身，而是英國作家弗吉尼亞·伍爾芙。
歌劇《奧蘭多》戲服
從2020年Comme des Garçons Homme Plus的春夏系列，到2020年Comme des Garçons女裝春夏系列，再到這次為維也納國家歌劇院的《奧蘭多》設計戲服，弗吉尼亞·伍爾芙的名字都貫徹始終。以至於，她將自己的設計直接搬上戲劇舞臺，成為傳統歌劇的一部分。在維也納古老的歌劇院裡，演員們穿著她設計的解構主義的現代戲服，演一個發生在上個世界20年代的故事。一個關於性別，關於成長和愛情的故事。
歌劇《奧蘭多》戲服
這是時隔多年之後，川久保玲再一次將自己的設計搬上戲劇舞臺，雖然可以看到很多2020年春夏系列的痕跡。可依然不能否認這次合作的意義，
一位東方服裝設計師，一種西方藝術形式。更不要說演繹的是這樣一部作品，對於不管作曲家還是設計師，還是已經百年的弗吉尼亞·伍爾芙來說，這都是一次完美的相遇。更是一場女性主義“戰爭”的勝利，一次精神上的劃時代交流。
歌劇《奧蘭多》劇照
Karl Lagerfeld for Chanel
2018年
芭蕾舞劇：Boléro《波萊羅》
《波萊羅》（Boléro）是法國作曲家莫里斯·拉威爾最後的一部舞曲作品，創作於1928年。這部作品是拉威爾受舞蹈家伊達·魯賓斯坦委託而作。民間舞蹈風格的旋律是這部作品的基礎。《波萊羅》原為西班牙舞曲名，但拉威爾所作的這部舞曲，只是借用了《波萊羅》的標題，實際上是一首自由的舞曲。故事很簡單，講述在一個西班牙小酒館裡，一位翩翩起舞的少女吸引了大家的注意，她用自己歡樂奔放的舞蹈，感染了在場的所有人。大家情不自禁跟著少女一起舞蹈，最後在一片歡樂之中故事結束了。
已故時裝大師Karl Lagerfeld與身著他所設計的戲服的芭蕾舞演員們。
這大概是卡爾·拉格斐（Karl Lagerfeld）最後一次跨界戲劇舞臺，在他漫長的職業生涯中，作為工作狂曾多次跟劇場和劇團合作。誰都沒有想到，為這個輕快動人的少女設計芭蕾舞戲服，卻成為卡爾·拉格斐的舞臺絕唱。他說，拉威爾創作的《波萊羅》一直都是他最喜歡的古典樂之一。16歲的卡爾·拉格斐第一次買古典音樂唱片，就是拉威爾的《波萊羅》。在這次的戲服設計中，能夠感受到Chanel冷靜又熱情的一面，穿在巴黎歌劇院芭蕾舞團女演員身上，再合適不過。
Christian Lacroix
2017年
芭蕾舞劇：A Midsummer Night's Dream《仲夏夜之夢》
門德爾松作曲的《仲夏夜之夢》芭蕾舞劇，故事劇本根據莎士比亞的喜劇《仲夏夜之夢》改編，被譽為新古典主義芭蕾舞劇的開山鼻祖。不管是作為戲劇的《仲夏夜之門》還是芭蕾舞劇的，任何一種藝術形式，在世界範圍內都非常受歡迎。有趣的是，這部莎士比亞創作於16世紀的戲劇作品，在主題的探討上甚至涉及女性主義的話題。其中伊麗莎白對於父權的挑戰，成為後世津津樂道的情節之一。
芭蕾舞劇《仲夏夜之夢》劇照
拉克魯瓦在沒有以時裝設計師身份工作的這幾年，投身到了舞臺藝術當中，如他自己所期望的一樣。他非常鍾愛德國哲學家尼采的一句話，大概的意思是，一個人應該擁有對於自己的混亂，用以獻給會跳舞的星星。這大概是拉克魯瓦喜歡舞臺、喜歡戲劇最根本的原因。
工作中的拉克魯瓦
《仲夏夜之夢》是他較為近期的作品，由巴黎歌劇院芭蕾舞團在巴黎的巴士底歌劇院上演。戲服的設計保持了Christian Lacroix一向的風格，華麗唯美，真的像是一場仲夏夜的美夢。
芭蕾舞劇《仲夏夜之夢》服裝細節
Valentino Garavani
2016年
歌劇：La traviata《迷途歸人》
瓦倫蒂諾·加拉瓦尼（Valentino Garavani）已經在2008年退休，不再做Valentino的創意總監。但在2016年，他為了這部《迷途歸人》重出江湖。小仲馬的著名小說《茶花女》在1853年被改編成歌劇，《迷途歸人》。《茶花女》，在眾多大部頭的世界名著中，是最為悽美動人的存在。
所有人看這部作品，都會惋惜女主角的美人遲暮，也感嘆她一生求而不得的無奈。也罵男主角渣男，不懂得女人捧上的一顆真心。那是時代的悲劇，是一個再也無法複製的故事。這部歌劇在2016年由《迷失東京》的女導演索菲亞·科波拉（Sofia Coppola）製作，在羅馬歌劇院上演。
Valentino Garavani先生和時任Valentino創意總監之一的Maria Grazia在對一件戲服進行修改。
瓦倫蒂諾本人負責整部劇的戲服設計，當然包括女主角Violetta，一位生活在紙醉金迷裡的名媛交際花。按照角色本來的生活方式，她的衣服就應該華麗至極。瓦倫蒂諾擅長華麗的時裝，擅長這樣的戲劇性，其中也有一條品牌鍾愛的的紅色長裙。
有時候設計師跟角色之間，冥冥之中似乎就有一種聯繫，讓他們在不同的時空相遇，然後成就彼此。
瓦倫蒂諾設計手稿
Jean Paul Gaultier
2014年
現代芭蕾舞劇：Snow White《白雪公主》
世界上大概沒有小女孩沒有聽過《白雪公主》的故事，一個皮膚像雪一樣白淨的公主，因為繼母的嫉妒心，而吃下毒蘋果，只能等待王子來吻醒自己。這個故事放在當下的時代語境中，已經非常過時。
現代芭蕾舞劇《白雪公主》劇照
現在的女孩，早已不會軟弱到只能躺下等王子來救自己。我們對於這樣一個經典的故事，開始有了更多新的解讀。比如我們好奇作為繼母的心情，她為什麼會嫉妒成狂，她到底經歷過什麼。
現代芭蕾舞劇《白雪公主》劇照
高緹耶作為上個世界末最瘋狂的設計師之一，其一路以來叛逆壞小子的形象跟《白雪公主》這麼瑪麗蘇的故事，似乎極其不搭調。但高緹耶在採訪中表示，這次由紐約現代舞編舞家安傑林·普雷祖卡新編的《白雪公主》，在最初聯繫他的時候，他就已經有了畫面感。他也說，跟設計自己的系列不一樣，在創作新一季時裝的時候，設計師自己一個人既是編曲也是導演還是劇本。但在設計戲服的時候，就要遵循一個團隊的概念。
現代芭蕾舞劇《白雪公主》劇照
Prada
2010年
歌劇：Attila《阿提拉》
《阿提拉》是意大利著名作曲家威爾第的歌劇作品。歷史上阿提拉是一位匈人帝國的領袖和皇帝，他在公元425年率兵入侵意大利。而整部歌劇的故事並不是關於阿提拉多麼驍勇善戰，而是關於意大利公主歐達貝拉，如何在成為阿提拉俘虜之後，依然不卑不亢，為夫報仇的故事。
歌劇《阿提拉》劇照
這次由紐約歌劇院上演的《阿提拉》，更加深刻地討論了這部歌劇裡探討的問題：種族和信仰、政治和個人、自由和民主。這大概也是吸引繆西婭·普拉達（Miuccia Prada）的原因，這畢竟是設計師第一次跟舞臺戲劇的親密接觸。
歌劇《阿提拉》劇照
繆西婭設計的戲服讓這部古老的歌劇變得更加有活力，並與我們所處的時代更加緊密相連。她的設計包括一件阿提拉所穿著的仿舊皮革長外套，上面塗著生鏽的棕色和黑色調，讓人想起品牌2009年秋冬系列。部落羽毛單車頭盔以及落滿塵土的麻袋狀面料的戲服，讓人不僅聯想到角色周圍的廢墟的顏色，也看到了一點Miu Miu在2009年春夏的設計。作為意大利人的繆西婭，對於這個故事的感情和理解，應該要比別人更加深刻。
歌劇《阿提拉》劇照
Viktor & Rolf
2009年
歌劇：Der Freischütz《自由射手》
《自由射手》是德國作曲家韋伯的代表作，全劇共三幕，於1821年6月21日在柏林皇家歌劇院作首演。在德國民間傳說裡面，“Der Freischütz”指的是百發百中的射手，因為他擁有神奇的魔彈。這是一個關於正義的故事，射手馬克為了讓自己在比賽當中獲勝，就跟魔鬼做了交易，以此滿足自己的虛榮心。最後在莊園主的逼問之下，主角才承認了這一事實。但大家最後都覺得要給馬克一個改過自新的機會，而馬克也發誓再也不會背棄正義。
歌劇《自由射手》劇照
來自荷蘭的設計師組合Viktor & Rolf，在年輕一輩的設計師中，戲劇張力十足。品牌2013年開始在巴黎發佈高級定製系列，曾經在2014年春夏系列中，全場都讓荷蘭國家芭蕾舞團的芭蕾舞演員作為模特出場。為《自由射手》設計戲服，也是他們第二次走進劇場。這次的設計貫穿了設計師的風格，龐大的花朵一味圍繞著演員。試穿時候，歌劇演員都忍不住抱怨，穿這個上臺演出非常具有挑戰性。
歌劇《自由射手》劇照
Yves Saint Laurent
1965年
芭蕾舞劇：Notre-Dame de Paris《巴黎聖母院》
《巴黎聖母院》感動了幾代人，大家為這個鐘樓怪人惋惜，為他哭泣，為他所遭遇的一切鳴不平。雨果的這部作品，為這座本來就屬世界文明的聖母院，平添了一份溫柔的嘆息。法國著名編導羅蘭·珀蒂（Roland Petit）將這部動人的小說搬上巴黎歌劇院的舞臺，一演就是五十多年。
芭蕾舞劇《巴黎聖母院》劇照
連伊夫·聖羅蘭（Yves Saint Laurent）自己都說，從來沒想過自己的設計會在歌劇院舞臺上停留這麼長的時間。這可能也是時裝設計師跟戲服設計師之間的區別，時裝早晚都會過時，過時之後的經典設計，常常只能在戒備森嚴的博物館裡看見。可如果是戲服，一部戲可能將世世代代地演下去，同時這些戲服也將被傳承。五十年前的設計，在21世紀依然活躍於舞臺之上，直到2014年這部舞劇才正式封箱。在時間的長河中，也算告慰了這位偉大設計師的在天之靈。
被演員們簇擁的Yves Saint Laurent
如今聖羅蘭設計的《巴黎聖母院》戲服已經成為經典，但在當時，是非常創新和現代的，每一個細節都充滿了想象力。在採訪中，聖羅蘭說，他希望這些衣服的顏色，都能像聖母院牆上的花玻璃一樣。他希望反映編導“永遠年輕”的、時間停滯的概念，他從很多中世紀的人物中獲取靈感，來為這部當時看來並不傳統的芭蕾舞劇設計衣服。
Yves Saint Laurent的設計手稿
Coco Chanel
1924年
芭蕾舞劇：Le Train Bleu《藍色列車》
早在1924年，年輕的可可·香奈爾（Coco Chanel）就為巴黎的俄羅斯芭蕾舞團設計過戲服，該舞劇即《藍色列車》。在那個年代，巴黎先鋒的文藝圈子，似乎大家都有來往。俄羅斯芭蕾舞團，本來就是一個現象級的存在。他們跟俄羅斯並沒有任何關係，只是覺得這個名字充滿了異域風情，所以叫俄羅斯芭蕾舞團。他們在巴黎演出一些顛覆性的作品，這在當時非常先鋒前衛。而《藍色列車》正是俄羅斯芭蕾舞團的代表作，這部芭蕾舞劇幾乎匯聚了當時最先鋒的藝術家們：佈景來自畢加索，服裝來自香奈爾。
芭蕾舞劇《藍色列車》劇照
這部舞劇瀰漫著上個世界20年代法國享樂主義的生活氣息，香奈爾在當時也深諳這種生活方式，針織面料的衣服不僅僅讓芭蕾舞演員方便活動，更是體現了當時法國自由主義的精神。無論男女，自由地在海岸旁邊嬉戲，為“咆哮的二十年代”添磚加瓦。
Gabrielle Chanel女士所繪的設計手稿
在畢加索繪製的巨幅幕布前，演員們穿著藍白條紋的優雅的香奈爾時裝翩翩起舞，散發著關於未來的神秘氣息。可惜《藍色列車》這部芭蕾舞劇，已經迷失在時光之中，而我們只能憑藉自己的想象力，來回味那樣一個瘋狂的年代。
演員們穿著優雅的香奈爾時裝翩翩起舞。
撰文／盧笛 編輯／葉超 William Yeh
設計／Lushengyu 新媒體設計/Coka
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