一批優秀的演員不一定能拯救一個差勁的導演，但一個頂級的導演往往能讓一批 " 朽木 " 變成 " 黃金 " 。在電影史上這樣的例子有很多，我們會發現有些演員，在不同導演的指導下有著完全不同的發揮。而那些關於導演和演員之間擦出藝術火花的故事，也常常被吃瓜群眾們津津樂道。今天，我們就和大家聊聊六位世界一流的導演是與演員們合作，並令其大放異彩的。
待演員如“牲畜”的希區柯克
讓我們從希區柯克開始說起。這位英國電影大師也是個著名的金句王和段子手，在他的諸多名言中，有這麼一句——
“所有的演員都是牲畜。”
阿爾弗雷德·希區柯克
這句話曾在好萊塢掀起了軒然大波，以至於我們的大師後來不得不出來解釋：
“我沒有說過演員都是牲畜，我說的是，演員需要像牲畜一樣被對待。”
這句話雖然是玩笑，但也從側面反映出希區柯克和演員們相處的方式。事實也是如此，希區柯克對待他手下演員的嚴厲態度臭名遠揚。其實，希區柯克並非一個難以相處的怪物，只是他實在太熱愛電影了，因此難以容忍在電影拍攝過程中一絲一毫的不敬業和不專業。
帶著從默片時代遺留下來的一絲不苟的嚴謹態度，他一直對那些沉迷於聲色犬馬的明星演員們看不過眼。為了讓電影達到他想要的效果，他必須足夠嚴厲，嚴厲到能對演員產生威懾力，從而真正地在片場掌控全局。
希區柯克在演員中的壞名聲和他的直接的導演風格也有關係。他經常用行動去激發演員的真實情感，以匹配電影中人物臨場的反應。
戴安·貝克與希區柯克
和希區柯克在《豔賊》中有過合作的女演員戴安·貝克在一次採訪中提到：“如果希區柯克希望你生氣，就會真的惹怒你。我記得在一個場景裡，我要演的憤怒而激動。然後在那場戲開拍之前，他就站在片場那兒，對我不理不睬，也不看我一眼。後來我才意識到這是他的策略，他在故意惹我生氣。”
不拍四十條不給過的惠勒
希區柯克調教演員的方式可以說相當簡單粗暴，雖然頗有效果，但也給他招來“片場暴君”的罵名。而另一位與他同時代的導演，則以完全不同的方式，指導他的演員們橫掃了四十年代奧斯卡所有的表演類提名——對於一個導演來說，這個成績可能是前無古人後無來者的。
這位導演就是威廉·惠勒，江湖人稱“不拍四十條不讓過的惠勒先生”，而他的秘訣，就是近乎強迫症的完美主義。他是一個具有極強的耐心和恆心的導演，在塑造角色情感深度和複雜度上堅持不懈。
紐約時報對他的評價是“惠勒的導演風格也許不是那麼直白獨特，但只有他這樣的大師才能駕馭那些宏大、複雜又震撼人心的作品。”
片場的威廉·惠勒與奧黛麗·赫本
對於演員來說，能遇到這樣的導演無疑是一種運氣，但能不能消受還得看個人造化。耐心是一方面，體力也很重要，不然拍到第二十條時可能就當場暈倒了。
聊完了好萊塢黃金時代的兩位導演，接下來出場的是能代表亞洲和蘇聯電影成就的兩位大師：黑澤明和塔可夫斯基。
不讓演員去“演”的黑澤明
黑澤明在電影方面的成就和影響力自然不用多說，他在指導演員方面也有自己的一套不二法門。黑澤明電影的一大特點就是流動多變的鏡頭語言，而事實上這對演員的要求是非常高的，他們需要和環境完美的融合。
“對於一個演員來說，最糟糕的事就是表現出他們意識到攝像機的存在了”，黑澤明在他的書裡寫到，“演員經常會因為聽到‘開機’就開始緊張，視線轉移，表現地非常不自然。我總是強調，要教演員不要‘演’。這又不是舞臺，你也不用對著觀眾念臺詞，不需要總是對著攝像機的。但是真正開拍的時候，演員還是會不自覺地偏向於攝影機在地方位。因此我就準備了很多臺攝影機，這樣他們就沒時間搞清楚到底哪臺在拍他們，這個問題也就解決了。”
這也就解釋了在黑澤明指導的眾多電影裡，演員們的狀態要比他們在其他影片中表現地自然得多。斯派克·李在這一點上和黑澤明一脈相承，經常用多個攝影機地把戲提醒演員，“不用找鏡頭了，鏡頭無處不在，鏡頭常駐你心。”
鏡頭後的黑澤明
黑澤明還常常讓他的演員去選擇某個手勢或者表情來體現這個角色的人格特質，然後在整部電影裡使用它們。這也是他執導的電影里人物鮮活的原因：現實生活中誰還沒有點小動作和小癖好呢！
讓演員自由發揮的塔可夫斯基
如果說黑澤明代表著電影裡的“工整”，那麼塔可夫斯基則體現著電影裡“詩意”的那一面。他的電影往往以時間，生命和道德為主題，使用標誌性的長鏡頭給觀眾帶來一種詩性的體驗。
在他的眼裡，演員不只是演員：“我認為演員的主要任務是，引導我們更加貼近生命本身。也就是說，更坦率，更真誠，更自然。恰到好處，僅此而已。”塔可夫斯基是這麼操作的，他通常不會告訴自己的演員劇本的結尾是什麼，讓他們毫無準備的自由表演，這樣更能體現出生命的不確定性。
拍攝中的塔可夫斯基
塔可夫斯基認為專業的演員應該對導演（指他自己）的視覺表現足夠信任，不要去幹涉或者自己強行去“演”出一個終幕。不過，在塔神面前，也沒幾個演員敢自作聰明吧。
幫演員一起探索角色的昆汀
說到與演員的合作，有幾位現在仍然活躍在影壇的導演也有自己獨特的心得和體會。其中不得不提的就是鬼才昆汀·塔倫蒂諾。一般來說，一名導演想要把自己的名字變成某種風格的代名詞，可能要經過兢兢業業的五十年耕耘，而昆汀只用了三十年的時間。
從1992年的《落水狗》到2015年的《八惡人》，昆汀的每部電影都有極高的辨識度：因為大段看似廢話的有趣臺詞，因為獨特的暴力美學場面，以及不能不提的，演員們令人印象深刻的表演。昆汀對演員以及表演有著與眾不同的理解。
首先是選角，雖然我們總能在昆汀的電影裡看到那幾個熟面孔，比如“motherf**ker”專業戶塞繆爾·傑克遜，比如臉上掛著痞氣的蒂姆·羅斯，比如昆汀自己的女神烏瑪·瑟曼等等，但他挑選演員的眼光是絕對開放的，他自己的選角列表要比選角公司給他提供的長得多得多。
而且最重要的是，他對於角色的理解可能到了毒辣的地步。誰能想到請一個過時又過氣的青春舞蹈片男一號來演一個整天都不怎麼清醒的黑道小混混呢？昆汀想到了，而且帶給了屈伏塔演藝事業的第二春。
你也可以說是昆汀和《低俗小說》成就了屈伏塔
他自己創作角色，也幫演員做了大量的工作。他會給自己的人物寫詳細的報告以及背景故事。演員只需要理解並且沉浸到角色裡去就夠了。
而當演員對這個角色有任何疑問，例如無法理解人物的恐懼和動機，或者搞不清楚這個角色最喜歡的麥片品牌，只要問昆汀，他總能給出答案。即使他不能，他也會想清楚，然後告訴你。
查寧·塔圖姆就有過這樣的體驗。 在拍攝《八惡人》時，他問昆汀，“我這個角色如果有轉世的話，那轉世的他臨死前應該穿什麼衣服呢？”，昆汀表示這個問題他需要思考一下，於是過了會兒拿了一張五頁紙的報告回來了。“給，這是答案。”
這可能就是天才電影創作者的工作方式吧。
對待演員“細節控”的安德森
韋斯·安德森電影的個人風格之強烈可能和昆汀難分伯仲：天馬行空的想象力，明麗鮮豔的色彩，怪異誇張的風格（以及令人歎為觀止的強迫症細節）都已經成為了他獨特的標籤。
作為一個追求完美細節的人，安德森和他的前輩惠勒一樣，堅持著不拍到自己滿意堅決不過的原則。然而，他的演員們卻少有怨言，因為安德森會讓這個過程變得沒那麼折磨。
對細節追求極致完美的 韋斯·安德森
威廉·達福是安德森的老搭檔了，在一次採訪中，他坦言：“韋斯人很好，但也很固執。在某種程度上來說，一個導演就像是個將軍。他毫無疑問是個好將軍。他的手下們，也就是我們這些人，都很敬愛他，而且他很清楚自己要做什麼。”威廉·達福採訪裡的最後一句話很關鍵，安德森非常清楚自己想要的，這是他成功的關鍵。
然而，他的天才卻更多的建立在拍電影時的靈活性上。他作品裡那些最好的鏡頭往往來自於一些愉快的意外，一些突發事件給他的電影帶來了更多有趣的東西。
對細節嚴謹的追求，對創意大度的容忍，讓演員們願意和韋斯·安德森一起合作。他們知道安德森能整出好東西來，多拍幾條又如何呢？
拍攝《布達佩斯大飯店》中的韋斯安德森（右）與拉爾夫·費因斯（左）
對於一部電影來說，演員是銀幕上的主角，而導演則是幕後的主要創作者，他們之間完美的配合則是一部優秀作品的保證。每位導演的風格不同，每個演員的脾性也不同，他們之間自然也有著不同的溝通交流方式。
但不管是“暴君”也好，“佛系”也罷，每個導演都要學會以自己的方式與演員溝通，讓演員的表演和電影的主題最完美契合。找到屬於自己和演員的“合作之道”，是一名導演修行之路上不可忽視的重要一課。
設計：溫馥昭
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