“要使人觉得一朵花比一百多花更美。”千利休也曾说过：盛开的花不能用作插花。 所以，现今的日本茶道，在茶室的壁龛里，仍然只插一朵花，而且多半是含苞待放的。到了冬季，就要插冬季的花，比如插取名“白玉”或“侘助”的山茶花，就要在许多山茶花的种类中，挑选花小色洁，只有一个蓓蕾的。没有杂色的洁白，是最清高也最富有色彩的。”这是川端康成在演讲中的一段话。
在京都和东京，很多日本的花道流派的掌门人，很多是男性，很多是家族传承，有的已经有几百年的家族历史。完全打破了我们关于日本插花者都是女性的陈腐观念，插花也并不仅仅是休闲活动，很多人拿此当下毕生的事业。
每个人，碰到插花，都能在瞬间开启自己的心灵——这是我们的感悟。日本的插花是丰富的，也是寂寞的，生机的另一面，是面对死亡的静穆仪式，色彩的另一面，是自然的朴素与和谐。现在把最感动的十个瞬间写下来，和大家共享。
川口志甫一一花之人情
她轻轻转动一朵玫瑰，寻找花颜的方向，微微调整叶片的位置，马上抽开手观察，生怕破坏了那一瞬的平衡之美，国人插花如作诗，往往在其中彰显主人情志。
川口志甫说，她插花时不会去想表达什么，仅仅是想把它插得更美。花材七成，手艺三成。你就是再怎么努力加工，也不会超越花材自身的优美个性和自然姿态，所以想通过插花来表现自己，几乎是做不到的。看到美好的花，就要让它更好，而不是通过它来表现自己。说到底，你就是一个幕后人，主角还是花。日本的花道师中，这种态度是普遍的。
笹冈隆甫一一花之理性
大型陶制变形花器后面，笹冈隆甫身着深灰色和服，神态庄重，动作严谨。他是最近出名的京都花道的代言人，经常上电视作花道节目，有些人觉得，他像偶像剧的第二男主角，看起来很有深情的样子。家族传承下来的房子已经有五六百年历史，地板来自幕府某将军府邸。正壁是江户末年狩野派风格的隔扇画，组合起来有奇妙的和谐。花器是祖父藏品，如此大型，是为了搭配大型花枝，他说花材与花器的关系如同人与衣服，相得益彰，不可过大亦不可过小。
就像建筑学上 “少即是多”理论一样，笹冈隆甫主张用最少量的花材，最大限度地表现自然。有着建筑学专业背景的他发现，建筑学的很多理论，与他从小学习的花道法则如出一辙。在插花作品中，长度、位置、空间等无不经过精确的计算，不存在一个不必要的元素。比如对叶片和花枝的处理，有破损、背向或相互交叠的叶片都要去除，作品中往往能做到没有一片多余的叶片，花枝的修剪，是为了突出线条的轮廓，崇尚“减法”之美。
笹冈隆甫说：“日本插花的本质在于变迁，要有等待的耐心，静候一朵花，从含苞待放的花蕾，直至生命尽头的过程。这种创作不是只做一件美丽的作品就结束了，面对着带给我们美好感受的花，要心怀感激，并守护它的生命传承。”
宫本理峰一一花之滋养
已经七十四岁的宫本理峰看上去最多六十岁，问她的真实年龄，倒是也毫不避讳，她说她是知道自己老了，结果就有意识地训练身体，保证自己随时随地从榻榻米上爬起来的时候体态优雅，神采奕奕。
她始终有意识地去训练自己的一切姿态，日久成自然。花与人，原本就是的相互滋养的。宫本理峰小的时候听妈妈讲过这样一个故事，一个青年对一家人充满了仇恨，有一天他愤怒地想去杀了那家人，一进门，看到插着一枝花，恨意顿时消失了，某些时刻，花的力量可以如此强大。她希望通过插花传递这样的信念，让人感受生命的美好与尊贵。
宫本理峰继承母亲的“水墨花”的风格，像画水墨画那样去插花，细腻柔和，典雅精致。她会将一个小巧的模仿补蛇笼的小工具用作花留，插满菜市场里买回来的蕨菜，只是因为觉得好玩；茶具餐具，甚至空的火药桶，只要是能盛水的器物，在她这里都能用来插花。那天她随手拿来一个漆器点心盒，完成了一件姿态优雅的作品。
早上看到自己院子里的茶花开得正好，于是灵感来了，那么就插这朵茶花吧，其他的花材都是围绕它。她说这是“一切始于一朵花”。人就是这样，往往被一个东西打动，然后就会有所感。
宫本理城一一花之敬畏
宫本理城身着纹付羽织袴，即日本男性重大节日第一礼装，就是我们在小津安二郎电影里经常看到的新郎服装，看上去神态俨然，他示范的是古流传统的“生花”。
如果你看到他在几十分钟内，如何用五枝山茱萸花枝，插出一棵树从水面生出的样子，大约你也会想做一个安静插花的美男子。他是副家元，在继承家族花道事业的同时，他也和大部分人一样有一份公司的工作。同事们有的知道他的“双重身份”，但是丝毫不觉得好玩，那么，就“敬而远之吧。”传统的古老的事物，和游戏，互联网，宅男文化完全不兼容，在另一个时空静静存在着。
中村草山一一花之物语
面对宝蓝色的玻璃细口瓶，中村草山从一大束淡粉色山茶上剪下一支盛开、一支花苞，又去除了茎上的大部分叶子，仅留围绕花朵的两三片，用清水擦净，长花茎弯曲成弧线，短的则直接放入瓶口，几乎片刻之间完成了作品，没有任何调整修改。
这样的“一轮插”，用少量花材在相对小的花器中插贮，看似简单，却颇见功力。标准的日本美学，古典的清寂。这才是真正的断舍离啊。去草月流教室的时候，看到他们准备了几百枝花材，可是这瓶花，只用了两朵茶花。
“其实这当中体现了时间的流动，比如，即将开放的代表未来的花苞，和已经开放的代表当下的花朵，有’物语’在其中。”
桑原仙溪一一花之天然
三束连翘枝各自矫成弓形，组成一株姿态摇曳的树，与三朵如同根而生的郁金香并立于水盘中。桑原仙溪将新完成的作品置于壁龛，背景是父亲的书法卷轴，李白的《古风·松柏本孤直》，他的橘猫“柠檬师傅”也会静悄悄走过来，蹲在壁龛一米开外的榻榻米上歪着头看上一会儿。
他家的宅子，在京都的闹市区，可是走进去，却是一个百米的长廊，再往里走，是一个二层楼，木构结构，简直像侯孝贤拍摄的聂隐娘的舞台。各种花陈设在屋子里，色彩构成了房间的一个典型特征：如果是绘画颜料放在一起会显得强烈，但花材这样放在一起，有时看上去反而非常和谐，因为植物不仅仅是颜色，还有质感，携带的氛围，唤起人的情感。“学习生花的过程中，和自然产生亲近感，如果不亲自去了解自然个性，就表现不出它原有的美。”
肥原庆甫一一花之力量
一身西装的肥原庆甫，跪在日本最传统的竹三重切花器之前，身畔的一大束樱花枝在他手中一一弯折，变为竹筒中的造型。樱花粉色的颗粒渐渐汇成有序的弧线，像指间流过的时间，空气中仅剩花枝矫形发出的咔咔声，他一言不发，一丝不苟，静谧的力量留驻在完成的作品中，像气韵的凝聚。
这是未生流的“流仪花”，造型非常严谨，过程中肥原庆甫还用绑花枝的绳子辅助量了尺寸。讲求虚实均衡，既要保留花的特征，又要加入想象虚构的元素：“如果完全是自然态的樱花，还不如在外面直接看樱花树好了，但是过于加工、造型做作的花，樱花受伤严重，也不好看，所以说这方面的平衡很关键。”
花朵的分布亦讲平衡：“一般来说’天地人’三枝，最下边是花满开，中间是花苞，最上是半开。”虽然不断地弯折樱花枝条，但是：“樱花生命力特别强，甚至有一种说法，只要连着一层皮，它便不会枯萎，所以看上去好像处理的时候稍显粗暴，但生命力比较脆弱的花材，比如桃花，就不会这样处理。”
芦田一寿一一花之夸张
芦田一寿穿着半身的围裙，在一块长方体垫木上反复锯着直径两厘米粗的花枝，有雕塑般的工程感，又有以植物作画的细腻感。“手术”后的枝条从笔直变为流线型，几乎不着痕迹，还可做到不破坏纤维吸水，花朵仍会开放。市场上买回来的最简单的花枝，变成了类似百年老樱花树的造型，这个手上的功夫，不是盖的。很多插花人会买那种弯曲度很高的枝条，但是用直的枝条做成弯曲的，才更高明。
花道曾是武士阶层的爱好，所以工具、枝干处理方式都很男性化，有炫技的游戏感在其中。至于为什么武士喜欢插花，因为武士离生死太近，更能体会盛衰，与花有精神共鸣。一个多小时，樱花粗壮的直枝在他手中全化为随风荡漾的柔和姿态，完成的作品呈旋转态，让人想到舞动的水袖，粉色的星系，或流动的卍字，特别像舞台上的优雅的舞蹈动作。旁侧平伸的一枝称为“观世枝”，就是模拟水纹形状。表现简素的自然原有之美，即所谓’侘寂’， 但在理解自然地基础上融入设计，即是‘绮丽之寂‘，这个流传了200多年的流派，对日本的美有深刻的理解。
用了一两个小时插花，是为了即将到来的客人，客人看到会说，在哪儿找到这么漂亮的枝条啊，我就会静静地一笑，对他说，对呀，我找到的漂亮吧。流汗两个小时的煞费苦心，没有必要让人知道，只要获得这样的效果就足够了。过程的辛苦是不示人的，只是要让它展现得如同原本的样子。这就是插花的目的。
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