64歲的攝影師李屏賓有「光影詩人」的美譽，顧名思義，他擅長捕捉光線，以鏡頭凝結當下的氛圍，作品包括侯孝賢執導的《戀戀風塵》、《千禧曼波》、《刺客聶隱娘》，王家衛《花樣年華》，其他合作對象如：張艾嘉、姜文、許鞍華等人，曾多次獲得金馬獎肯定。
日前他於2018金馬電影大師課分享他多年的從業心得：
其實數字年代剛開始時我也很緊張，因為我是以底片起家的攝影師，如何面對數字機器，對我也是一種挑戰。
當時我去器材公司找最先進的攝影機，結果那臺機器一直被我用到今天！我認為要了解攝影機的表現需要時間，後來我告訴自己：我是拍電影的，不管是數字還是膠片都不重要，最重要的是光。光好，任何攝影器材都能表現出質感，光不好，再好的器材也無法表現影像魅力。
有時候最簡單的光是最美的，也是最真實、有說服力的！
在當年，我們這些當攝影師的，要學著掌握各式各樣的燈，因為一進攝影棚就是上百萬瓦的燈，而且也不會有任何前輩給你答案，但後來我發現，其實這些東西沒有特定的規則，因為關於光的感受是很個人的。
其實拍《後來的我們》時，幾乎沒用什麼專業的燈光，像是有一場戲，很多人住在公寓小格房，那一個場景裡頭就全都是道具燈。
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有時候最簡單的光是最美的，也是最真實、有說服力又便宜快速！簡單是一個方式，但是遵循簡單的方式之前，要先健全自己對光的知識，從一些基礎來學習如何使用光，之後才能打破。
要培養自己多看、多觀察。有時在現場，拍攝前看景跟拍攝當下的情況差異很大，比方期待陽光，結果當天下雨，所以也要訓練自己在任何情況，都能掌握各種光的使用。不管是雕塑、繪畫都跟光有關，先把對光的認識訓練好，然後才能找到最喜歡的角度和光色。
攝影師要具備多方面的能力 而非只認識一種拍攝方式
一個攝影師要有多方面的培養，我也不是光拍文藝類型，以前也拍動作片，動作片更加困難，要快速進入動作速度、演員節奏、打鬥方向。動作片產生張力的鏡頭都很危險，攝影師要在危險位置才能捕捉好的鏡頭，像我以前不會拍動作片，後來去香港就邊工作邊學習。
以前沒有動畫幫忙，刀劍飛舞的情況下，我的手常被動作打到；當時我以手持攝影機拍攝，在拍攝之前，要記住每個鏡頭下演員的動作，就像跟演員一起跳舞，而且還要比演員快，動作片其實拍攝難度非常高，危險度也高。
另外，攝影師要具備多方面的能力，而非只認識一種拍攝方式，像是一開始我跟侯孝賢導演的合作，他的畫面都是不動的，後來他才慢慢接受不同的東西。我也會和新導演合作，很多新導演不專業、天馬行空，但我不會說NO，都有嘗試的空間。
拍攝《挪威的森林》時有個120米的軌道工程很大，也有想過用斯坦尼康，但軌道更合適，每次拍攝有困難，攝影師都要想辦法克服，最後這部片拍完後，大家每次見面都聊到這個鏡頭。
每場戲都有一個戲劇焦點 掌握焦點就成功了
要學習如何用鏡頭展現情懷，包括氣氛、顏色等。比方說用軌道，軌道移動的畫面，有點像是在閱讀文字、敘述一件事，畫面或許從小至大，從一個特寫到一層層的人，軌道移動可能看到另一個正面，這可能特寫就出來了，所以有時不要被場面、環境欺騙，每場戲都有一個戲劇焦點，掌握焦點就成功了！
例如《海上花》梁朝偉生氣離開，焦點是梁朝偉在飯局不高興了，那如何把這群人無聊的說話，做成有趣的想象，必須讓觀眾參與想象，這也是鏡頭留白的重要性，《海上花》時反其道而行，誰說話我就移開，其他人表情更有趣，畫外音有時候更有想象。
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移動是一種情緒、暗示，也是一種氣氛，在這7、8分鐘一個鏡頭，掌握到梁朝偉的情緒並離開就成功了！
劇本要有畫面感 攝影要有文字的魅力
蘇軾曾說過「詩中有畫、畫中有詩」來稱讚王維，其實這也是電影的概念，劇本要有畫面感，攝影要有文字的魅力，不同人看有不同想法，讓觀看者有情緒、參與影像，有自己的情懷，這也是我追求如何影像文字化，讓影像如讀書一樣。
講色彩，很多是現場做好的，不是事後花大錢調光，像《千禧曼波》到《紅氣球之旅》幾乎不用燈了，很多500、1000瓦的燈，放在現場都做工作燈。打燈跟每場戲一樣要有焦點，光不能破壞情緒跟真實度，簡單的方式也可以找到美感。
有時候光很好，就要當機立斷來拍戲，要養成快速看見合適的光影就拍攝的習慣。比方拍《戀戀風塵》最後一鏡，當時颱風天，其實應該要撤退了，但我們在山頭看到光影，決定立馬架機器拍攝，結果這時拍的素材讓我們很驚喜，也讓我們少拍了很多空鏡，當攝影對劇本夠了解時，任何時候都能拍攝對電影有用的鏡頭。
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