一、梵高的畫動輒幾千萬美刀，有的甚至上億。普通大眾想去看，還要跑到世界各地的美術館、博物館，或者私人收藏者家裡。要是在網上和書本上看他的畫，總歸是小小一塊，帶來的感受有限。現在花幾十塊錢的電影票，就能去電影院裡看大銀幕上的梵高畫作，還是動起來的、有故事的。你會發現郵遞員、加歇醫生、彈鋼琴的女孩這些梵高筆下的人物活了，你會發現了倒影在羅納河裡的星星閃爍起來了，你會發現梵高筆下的田野一派生機：火車飛馳而過、農民辛勞耕種、烏鴉群起驚飛……
這一切都要感謝《至愛梵高》的兩位主創和他們招募的畫師們。電影在這裡作為藝術媒介，達到了傳遞美、感染大眾的作用，不得不說《至愛梵高》用油畫原畫裡的場景做電影的概念，本身就是成功的，完成得也很好。
電影裡，羅納河以背景的方式出現
二、65000幀油畫，製作成將近95分鐘的動畫片。George算了一下，正好是每秒12幀。怪不得觀片的時候有種頓挫感。這種頓挫感在模擬手持鏡頭的時候絕佳。記得《至愛梵高》裡至少有三處模擬手持鏡頭，都是回憶，第一段是唐吉老爹在酒吧裡第一次見到梵高的時候，那時候梵高剛剛來到巴黎，在酒吧裡隨手畫畫，被人嘲笑羞辱，手持的不穩定感恰好符合了梵高當時的境遇。第二段手持是奧維爾的旅館女招待艾德林的回憶，梵高自殺之後被抬回小旅店，這樣的鏡頭用手持當然是絕佳。
頓挫感除了和黑白色的回憶搭配，和明麗的現在時配合地也很有感覺，讓人覺得畫面彷彿介於油畫和電影之間，既不是靜止的，也不像電影那麼連貫，這種兩不靠的感覺，很奇妙。
烏鴉
三、拋去油畫電影的屬性，《至愛梵高》使用的依然是司空見慣的電影語言：正反打、特寫、全景等等。有幾處光線的製作很細膩，一處是盧蘭剛到旅館，和艾德林在酒店門口聊梵高，外面由雨轉晴，兩個人臉上的光線也由暗變亮，照應著兩人初次見面的熱絡；另一處是盧蘭從教堂回到旅館，艾德林沖盧蘭發火，下午的天光漸漸變暗，兩人臉上的光線也由亮變暗，照應著兩人關係將崩。回憶的黑白、現在的彩色都是慣用手法，其他也真沒什麼好說的。
郵差
四、George在瞭解了“梵高宇宙”這個說法之後，明白《至愛梵高》對真實歷史的還原度很高，沒有戲說、科幻，竊以為只有這種誠肯的態度才配用梵高的原畫，加一星。但也不是沒有遺憾。梵高有癲癇病和其他精神障礙，經常產生幻聽和幻覺，按說電影在這方面可做的文章太多，然而電影沒有，也就導致《至愛梵高》對梵高的內心世界表現欠缺。舉兩個不成熟的小栗子，《王牌特工2》里科林.費斯的記憶被喚醒的時候，導演製造了滿銀幕的蝴蝶來模擬他的主觀世界；《大護法》裡，大護法受傷後做夢，絢爛的夢境也很出彩。梵高的畫那麼有張力，找一兩幅來表現一下他的幻覺不是挺好麼，然而，木有。倒是有幾個盧蘭的夢境，模擬了梵高的主觀，可惜不過癮。
加歇醫生
五、《至愛梵高》前面有點《公民凱恩》，後面有點《羅生門》，甭管啥套路只要用得好就行。但對於梵高本人，可挖掘的東西應該很多。比如作為一個生前沒有賣出一幅畫的畫家，究竟對自己有沒有懷疑？又如作為一個前期啃老、後期啃弟的破敗畫家，對家庭有木有愧疚？前一個問題走向了理想與現實的對立，後一個問題走向了家庭倫理。可是電影似乎對這兩個問題都是點到即止，只在最後藉由加歇醫生之口說出提奧梅毒三期的事實，給梵高的震動不小，沒有繼續挖掘，又回到了梵高對藝術的熱愛上來了。給人感覺劇情上的張力不夠。
再舉個不成熟的小栗子，前不久的《暴雪將至》，段奕宏為了理想各種玩命，10年後在禮堂裡，老大爺跟他說：保衛科的人沒得過勞模。有了前面的玩命，這裡的“沒得過勞模”才震撼。可是《至愛梵高》並沒有在這方面下功夫，沒有給觀眾一個如此有戲劇張力的情節。
最後，片中人物都是照著真人畫的，仔細看，能找到你熟悉的面孔。
梵高一生極其悲劇、極其潦倒，他想要做神職人員，可惜不喜歡數學，耿直又熱情的他被神拋棄；他的幾段感情都無善終；他節衣縮食，餵飽了畫布，掏空了自己；他無人理解，即使是同行如高更，也對他極盡嘲笑；他周圍的人，無不是懷著這樣那樣的目的，郵遞員當模特也是為了收費，高更和其他人陪他玩，也是為了提奧的錢；客死他鄉……按說這樣一個人的人生，不應該是灰暗的嗎？但《至愛梵高》裡的每一幀絢麗多彩的畫面，都來自這個被灰暗人生拋棄的人，彩色，還是灰暗，真的值得人思考。
電影裡，遠處的火車開動起來
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