——本文选自本人专题邮集《炫色之谜》
"要拜倒在美的面前去研究美！"
——安格尔
安格尔认为美的最高标准就是平静和典雅。
说起安格尔最经典的女性人体作品，人们就会想到他用毕生精力塑造的《泉》，也是他所有作品中最著名的作品，没有之一。
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《泉》的创作历时36年，期间不断的琢磨修改，线条、形体、色调……啊！不厌其烦。在完成这幅作品时，安格尔已经是76岁高龄，也许是青春已逝不在，只有在自己的作品中才能找到安慰吧。
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在这幅经典作品中，没有女性的肉感，虽然优美人体大胆面对你，但你却没有感觉到被挑逗，你看不到那种引起你情欲的冲动，只感到那种静静的美，只能远看不能近观，只有恬静、典雅，如抒情诗一般。
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其实在早于《泉》，安格尔就构思创作，也用了40年完成的《海上出来的维纳斯》，形态与《泉》相似，但《泉》更具青春感和生命力，没有了年轻时的烦躁繁琐，构图更加单纯化了。
对《泉》有位评论家说：这位少女是画家衰老年岁的产儿，她的美姿却超过了所有的姊妹。
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一、学有所成、血气方刚
安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780年8月29日-1867年1月14日），出生于法国蒙托，按中国的说法就是出生在书香门第，其父亲也是一个画师。
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安格尔17岁那年拜大卫门下，专注于复制和临摹的学习。
大卫的巴黎工作室是专为皇室工作的，在卢浮宫内，被认为是在大革命和帝国时期法国引领艺术家潮流的地方。
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因为大卫的工作室长期陈列着《荷加斯兄弟的誓言》而被称为"荷加斯兄弟工作室"。
大卫的画风在后期逐渐走向古风的、程式化的形式语言，在《抢劫萨宾妇女》中得到完美的体现。
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这幅肖像画是一位银行家的妻子，曾经传出创作双方之间有矛盾分歧，大卫到死都没完成，安格尔就为老师完成了这位夫人的作品，不过也都是画一些桌椅板凳的画面，主要部分大卫老师已经大致完成，续画时安格尔找不到夫人只有用一位男青年当模特凑合了。
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这幅作品为安格尔赢得了他梦寐以求的学院奖。
获得奖学金的安格尔到达罗马后，潜心学习意大利文艺复兴时期的艺术，特别崇拜米开朗基罗和拉斐尔的作品，并且大量的临摹留存，为以后的创作打下了基础，安格尔除了微调照搬包括主题都借用到自己以后的作品中了。
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留学即将结束时，安格尔完成了《朱庇特与忒提斯（海神）》。这幅作品几乎照搬荷马伊利亚特的一些章节，描绘了忒提斯向朱庇特祈求宽恕她的儿子阿克琉斯的情形。作业一经问世令所有人叹为观止！
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在学习期间，按规定是要交家庭作业给巴黎美术学院展出和评定，安格尔先后从罗马寄巴黎三幅作品《瓦平松的浴女》《朱庇特与忒提斯（海神）》《俄狄浦斯解开斯芬克斯之谜》，这些作品被人指责不是两腿一长一短就是脖子得了淋巴结之类的，这种在解剖学上的错误而备受责难。
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安格尔承认自己使用线条的形式理想源自于对古典绘画和雕塑复制品的临摹学习。然而有关女性的脖子、男性的腿长短不一的争论不休，安格尔却拒绝对他的形象做解剖学的分析，仍我行我素。他认为只要看上去美就可以，也就是他经常说的：形式美高于一切。
同样，安格尔的另一幅作品《罗杰营救安吉莉卡》也因女人脖子问题受到指责。
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这幅作品主题取材于阿尼奥斯多《疯狂的奥兰多》。1820年被路易十八私人收藏，后又一直安置在巴黎卢森堡公国博物馆里，安格尔的作品第一次在法国的博物馆收藏。
在肖像摄影出现之前，肖像画从19世纪中期以来，一直都有很大的市场。从罗马学习回到法国后，安格尔虽然很瞧不起肖像画家，但也不得不以肖像画来谋生。到后来大有名气后，订单络绎不绝，他想成为历史画家心里烦着呢，但他仍精益求精，不厌其烦的从脸手到环境、衣服的褶子和首饰精致描绘。
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安格尔时常通过形象的层层叠加暗示空间关系，所以就有评论说，这种二维视角的作品是受到中国艺术的启发。
就像上面这幅作品，女子与背景基本脱离，形象和风景不是通过透视，而是通过构图组合获得，就像中国六七十年代照相馆人像摄影后面的风景幕布一样。
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安格尔不过问政治，但他的有关拿破仑的肖像画却暴露了他讨好当局的政治意图。其实那时候，拿破仑也试图通过包括视觉艺术在内的政治宣传来支撑他统治的合法性。
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安格尔投其所好，这幅作品在形式上用众神之父的形象来体现法国国王所扮演的角色，政治图像和古典时代艺术庄严的设计相得益彰。
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安格尔《皇座上的拿破仑像》邮票小型张，附图为安格尔的老师大卫作品《 加冕》
受到责难的安格尔两次负气出走意大利，在那里他临摹了大量的拉斐尔和提香的作品。
安格尔对拉斐尔崇拜的一塌糊涂，"它像一个充满着欲望的情人，天生一对美丽的眼睛，以她那迷人的魅力选中了这位地上的神灵——幸福的拉斐尔。"
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安格尔12岁时，当看到老师从佛罗伦萨带来的拉斐尔《椅中圣母》复制品时，心情极为激动，就是这幅画从此决定了安格尔今后的命运。
意大利1983年发行拉斐尔《椅中圣母》邮票极限片
巴布达1969年发行拉斐尔《西斯廷圣母》邮票极限片
安格尔的《路易十三的誓言》几乎模仿拉斐尔的《西斯廷圣母》，只是把天使的位置互换了一下，特别是圣母的形象，像我这样的小白一不留神还以为他们同是拉斐尔的作品呢！
安格尔作品《路易十三的誓言》
（因我的邮集里没有这幅作品邮票，哪位朋友有的话，可以交流。为了说明问题，有违"邮说"了，多多包含）
其实这就是东拼西凑、顺手拿来主义，然而《路易十三的誓言》在巴黎大获成功，甚至得到浪漫派的追随。
随着波旁王朝复辟，安格尔的经济状况和创作环境得到改善，他接受了历史题材《基督给圣彼得天堂钥匙》创作。
尼日尔1967年发行安格尔《基督给圣彼得天堂钥匙》邮票极限片
这是安格尔少数宗教历史画之一。虽然这幅作品没有完成，但是被视为审美趣味恢复的证据，而不单单是天主教复兴的简单记录。
《基督给圣彼得天堂钥匙》和《路易十三的宣言》获得成功，使安格尔一回到巴黎就顺风顺水的展开了自己的艺术事业，给他带来了更多的肖像画和小型历史画的订单，生活的窘境得到很大改善。
二、回到祖国，大展宏图
1825年45岁的安格尔建立了自己的工作室，学着老师大卫的模样，招收学生，在其门下弟子超过150名。
在整个教学过程中，安格尔经常拿出普桑和提香的作品作为案例教学。
安格尔很欣赏普桑一句话，并且也给学生多次提起：普桑曾教导说，如果你想描绘古希腊的题材，画上就不应有时还可能引起我们想到现代事物的东西存在，现在我们也绝不可有其他事物出现在这种精神领域以破坏这一幻想的境界。
普桑这位都没有走出过罗马的画家以他精湛的作品献出了“普桑的风景”。
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布隆迪1967年发行普桑《安菲特里忒的胜利凯旋》邮票极限片
除了非同一般的崇拜拉斐尔之外，安格尔把提香放在与拉斐尔同等位置上看待，他说，他们两人都具有以锐利的目光洞察周围一切事物的天赋，可是前者探索的是实际上存在的美，也就是说是有形的，而后者，探索的是色彩。
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巴拉圭发行提香绘画邮票小全张，首日实寄封
原苏联挂号实寄封，贴1982年发行馆藏画提香《达娜厄》邮票，纪念戳为国立埃尔米塔什博物馆225周年
巴拉圭1971年发行提香《达纳厄接受金雨》邮票极限片
三、道不同，针锋相对
安格尔两次负气离开法国，都是因为沙龙展览对他展出的作品招来非议和极其尖锐的批评，所以他认为沙龙是糟糕透顶毫无疑义的事物，是丑化和破坏他所理解的艺术工具，沙龙正在扼杀艺术。
安格尔被称为"古典派画家"，德拉克洛瓦和籍里柯等"浪漫主义者"其实很崇拜安格尔，但他们也看到了自己能够超越他们的崇拜者，可不是吗，最后他们发生了分裂，于是有了"素描画家"和"色彩画家"之间的斗争。
卢旺达1982年发行德拉克罗瓦《自由神领导人民》邮票小型张
德拉克洛瓦在早期是革新派，是有生气的，在艺术表现上有大胆的创造，并有所突破。
由于带着学派之间的成见，安格尔派和德拉克瓦派之间围绕着线条、造型与色彩在绘画中的作用的争论（古典主义强调线条、素描和造型，浪漫主义强调色彩），使他们剑拔弩张，互不相让。
冈比亚发行德拉克洛瓦《希阿岛的屠杀》
安格尔和德拉克洛瓦之间的争论反映了两种不同画派之间的交战。应该说，在思想上安格尔是保守的，在艺术上，他是属于在旧的规范中创新。
安格尔不仅攻击新兴的浪漫主义绘画重色彩、重感情、重个性等形式因素，而且也反对浪漫主义绘画在取材和内容上要求反映和配合当时革命斗争的积极主张。两人在评审委员会上都势不两立，安格尔蔑视德拉克罗瓦只是一个"怪胎推销员"。
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1827年巴黎卢浮宫沙龙上，安格尔的《荷马的礼赞》遭到浪漫派的质疑，被认为冰冷死板，并遭到同时展出的德拉克洛瓦《萨丹纳帕路斯之死》的强烈对抗，在形式上后者的作品以其自由的笔触、强烈而和谐的色彩以及充满激情的戏剧性而著称。
安格尔不关心政治，甚至很厌恶，他说："我不属于这个叛逆者们的时代，也不想属于它。"
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毛里塔尼亚1966年发行籍里柯《梅杜萨之筏》邮票极限片
上面这幅作品表现的是1817年发生的真实事件，法国战舰"梅杜莎号"在非洲海岸附近沉没后，求生的生死场景。
安格尔在参观卢浮宫里的《梅杜萨之伐》，气愤地说，让人把它放在海军部的某个角落里，免得它们败坏观者的趣味，应该让观众习惯接受美的事物，永远不用死刑、火刑一类情节做我们的题材。他认为这些只是解剖学的表演、展示死尸，令人作呕。
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安格尔也鄙视鲁本斯，说他感觉是卖肉的，在鲁本斯的观念里，首先是新鲜的肉，二是全画的布局配置简直就是肉铺。
安格尔告诫他的学生和朋友，在任何场合不要理会鲁本斯，更不去和他谈艺术，因为他和安格尔是两个不同的艺术阵营，不会有好结果！
巴拉圭1977年发行，德国汉莎航空蒙得维的亚首航德国实寄封，贴鲁本斯人体艺术邮票
安格尔很鄙视鲁本斯的色彩观点，认为是反历史的，虽然能娱人耳目，但玩弄的是骗术，认为他们是不良学派——谎言学派的色彩家。
四、倾心塑造 精益求精
安格尔一生以浓厚的兴趣表现女性裸体，其实在上面介绍他的某些宗教故亊和历史画中，女性人体已占了相当的地位。
安格尔喜欢画女人，他像外科医生那样不遗余力地揭示她们最微妙的一些美质；女人身上的轮廓即使是微弱的一点波状曲线他也像一个情人那样一片冰心的去对待。
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"美的形体——就是最率直的圆周式的布局，美的形体——在这里一切都是富有弹性的和饱满的，在这种形体里的细节是不会损害庞杂众多的场面的总体面貌的。"
安格尔说，在造型艺术中描绘人的形象时，娴静是人体的一种主要美，这正像现实生活中的智慧那样，是内心的最高表现。
安格尔对女人充满爱，但这爱是非常严肃的。当他被妙龄美女的妩媚诱惑时，他就感到非常幸福，他作画的技巧也会显得炉火纯青。肌肉、皮肤的转折，酒窝以及肉体的起伏波浪线，他都会尽心而近乎吹毛求疵的描绘。
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这幅《大宫女》在当年展出时就受到学院派的强烈攻击，在展画面前却挤满了人，对这女人是否多了三根脊椎骨争论不休，批评家说"安格尔的审美观点总是这样充满变态"。
其实安格尔还是比较重视人体结构的，但他轻视肌肉的解剖知识，但就是这样的"变态"营造了这优美的背影。
仔细观察这幅作品，令人惊讶的是这位拉斐尔的崇拜者竟然大胆而直接地把拉斐尔《椅中的圣母》请来代替这位大宫女，不是吗？连面孔、头部倾斜，头饰都丝毫不动地借用了圣母形象。安格尔《大宫女》这幅作品可以说是对拉斐尔、提香等人体艺术膜拜的产物。
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《大宫女》的展出，引起了毕加索的注意，并被他多次挪到自己的作品中。下面这幅毕加索版的《大宫女》只是通过对象的线条个形式的组合，呈现出来的是对安格尔版《大宫女》的反叛，表现出线条设计的抽象性风格。
科特迪瓦2012年发行毕加索仿安格尔《大宫女》名画再创作变体画
安格尔最早描绘女裸体是着重于女性背部描绘的。
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1807年他在意大利学习期就画了《半身的浴女》，一年之后他又画了《瓦尔品松的浴女》。严格的说，安格尔的女裸体艺术实际上是从《瓦尔品松的浴女》这幅画开始的。
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安格尔28岁那年，完成了要交给巴黎学院的《瓦平松的浴女》作品，优美的轮廓线勾勒出来的形象看起来温暖而光彩照人，但被指责背部轮廓只是线条的丰富堆叠，背部的轮廓线没有解剖学的处理。
这幅作品成为了安格尔终身追求女性裸体主题的开山之作。他通过这幅作品似乎找到了女性背部视角的理想图式。
多年以后不断重复这一裸体主题，这些女性的裸体形象最终汇集到他的最后一幅杰作《土耳其浴室》里，直至生命终结。
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《土耳其浴室》在画家去世8年后才被公开展览，正是这幅作品引发了法国画家对安格尔的重新评价，也使得他被看作现代先锋艺术家。
欧洲某些研究家解释这种复制的倾向时，认为这是安格尔在创作想象力上的局限性，而安格尔本人却解释为，这是使主题更趋理想、形象更趋完美的一种艺术毅力的反映。
五、素描大师 实至名归
安格尔说："素描者，艺之操也。"这句话不仅作为对学生的训导，也对徐悲鸿有较大影响，从而影响了中国学院的教学体系。
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安格尔素描的神秘美，是把理想与自然的要求结合的最好的一个。他画的精美，而且又快。
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对素描的重视程度，用安格尔的一句话就可以解释了，素描"具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的雏形。" "如果要我在自己门上挂一块匾，我将在上面写上"素描学派"四个字。"
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曾经在担任过小提琴手的安格尔，虽然没有成就他成为帕格尼尼那样的小提琴高手，但他总结出，造型的准确性和音调的准确性同出一辙。
他的作品流露出无比优美的流畅的轮廓线，就像小提琴演奏出的美妙旋律，悠扬、纯净。
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女儿代替我参观安格尔中国北京展览
一直描绘东方题材和形象的安格尔，从没到过东方，而在他离开世界151年后，安格尔的画展踏上了中国的国土。在《安格尔的巨匠之路——来自大师故乡蒙托邦博物馆的收藏》上有许多遗憾，原作较少，毕竟只是安格尔家乡博物馆的馆藏嘛！重量级的都在国家博物馆呢。
北京展览已经结束，要想看这展览的现在可以到天津，那里要展到五月份呢。
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