愛情灰常假
我以為，藝術史上所有的藝術作品，是沒有絕對完美的。安格爾作為古典主義繪畫大師，他對女性之美的描繪，確實非常深刻。單從《泉》《土耳其浴室》《大宮女》等看，都是非常經典的。而被人詬病的《大宮女》，雖然感覺腰部的比例不對，但這並不影響這幅畫的藝術審美，反而為這幅作品增添了一絲如絲綢般柔軟光滑的魅力。
雖然評論家德·凱拉特里曾說：“他的這位宮女的背部至少多了三節脊椎骨。”然而安格爾的學生、阿莫里·杜瓦爾回應說：“他可能是對的，可是這又怎麼樣呢？也許正因為這段秀長的腰部才使她如此柔和，能一下子懾服住觀眾。假如她的身體比例絕對地準確，那就很可能不這樣誘人了。”
雖然他的學生的回應帶著狡辯的心理，但也不無道理。但按照人體的黃金比例來說，這幅畫的腰部畫的過長，還是有失美感的。所以安格爾自己也自嘲的說道：“先生們，如果我須熟記解剖學的話，那我就不會成為畫家了。”
其實，這幅畫既然創作出來並存在了，它就是一種合理的存在。合理的存在，便會自不同欣賞者的角度，給予美的解釋。而僅憑一幅畫，也無法看出畫家的總體成就。但對安格爾來說，他能把女性之美，表現的如此和諧，應該是上蒼給予他的天賦，是帶著使命而來的。我一直認為，許多偉大的人物，都是帶著各種使命而來的。因之，在安格爾的其它畫作中，我們可以看出如下特點：
一：畫法工緻、構圖嚴謹，線條幹淨，造型唯美，色彩單純，形象典雅。
二：畫面具有靜穆的偉大，崇高的單純，這是他自己的藝術準則。
三：作品體現了古典主義的美學思想，有著熱情與激情在其中洋溢。雖然畫面看似靜穆、單純，但內裡卻蘊含著畫家生命的躁動，也許是畫家對美色的一種深沉依戀。
四：他的畫追求一種永恆之美，在慾望中尋求著靈魂的棲居及靈魂的昇華。這是他之所以成功的關鍵。
五：他以一位純粹畫家的心態，在紛亂的法國，讓藝術佔據自己的靈魂，心無旁騖作畫的超然姿態，使他的作品，具有一種靜穆感和虔敬感。從而產生了一種類似於宗教儀式的形式美。這
昊愚堂夜畫
繼雅克·路易·大衛之後法國最著名的古典主義畫家要數安格爾了，安格爾(1780—1867)同時也是那個時代法國畫壇盛行的東方題材的追隨者。很多人在看了安格爾的畫，特別是浴女題材的畫，都不由讚歎，太美了。同時在讚歎之餘，又發問實際有那麼美嗎？細細研究後會發現，這種美是拉長變形的美，是一種型不準。
安格爾一生中在裸體素描上下功夫，而且大多采取現場寫生的方法。他說：“標準的美是對美的模特兒不斷觀察的產物”，安格爾還認為，一幅畫的表現力取決於作者豐富的素描知識；撇開絕對的準確性，就不可能有生動的表現。安格爾在裸體女性上所寄予的理想，是“永恆的美”的抽象概念。追求線條、形體、色調相諧和的女性美的表現力，這在他那些描寫土耳其宮女的裸女畫上尤為明顯。
安格爾最為人熟知的作品，還要數他晚年創作的《泉》，這件作品曾被無數的海報、日曆借用。安格爾創作《泉》之時已達76歲高齡，在這幅名作中他將心中長期積聚的抽象出來的古典美與具體的寫實美之間找到了完美的結合。
藝滴設計
詬病安格爾造型不準，
就像嘲諷達芬奇畫得不如相機精準。。。
（一定要對畫家這麼苛刻嗎）
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來，
小玉和大家好好來聊一下安格爾。
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首先，
我們一定要明確安格爾的造型能力，
那就先來直觀感受一下他有哪些繪畫作品吧。
安格爾的A面：造型準確！
安格爾畫中的神話題材——
安格爾是17世紀的一位法國畫家，
17歲的安格爾已經是一個很好的畫家了，
他師從拿破崙的首席畫師大衛先生，
深刻地研究了文藝復興時期意大利古典大師們的作品，
尤其推崇拉斐爾·桑西。
經過意大利古典傳統的教育，
安格爾對古典法則的理解更為深刻，
成為法國新古典主義的旗手。
再來看看安格爾的素描——
安格爾始終以溫克爾曼的"靜穆的偉大，崇高的單純"作為自己的原則，
畫法工緻、重視線條造型、線條幹淨和造型平整，
因而差不多每一幅畫都力求做到構圖嚴謹、色彩單純、形象典雅。
所以，
從整體上來說，
這樣的精準的造型和構圖都被認為是不準確？！！！
那就再來看幾幅安格爾最具代表性的肖像畫和浴女題材——
1856《madame_moitessier_siting》
1845《louise_de_broglie_contesse_d_haussonville》
1858《virgin_of_the_adoption》
1808《the_valpincon_bather》
1856《the_spring》
安格爾的B面：造型“不準確”！
不過，
題主說到的“有人詬病安格爾造型不準”，
也確實事出有因。
那就必須要提到這幅“造型不夠準確”的經典作品，
《大宮女》——
《大宮女》
這張人物畫的造型不準在於她迷人的腰部，
這個腰的問題在於它已經長到失真了——上半身和下半身的腿都一樣長了！
所以評論家德·凱拉特里曾這麼說：“他的這位宮女的背部至少多了三節脊椎骨。”
然而安格爾的學生、阿莫里·杜瓦爾如此反擊：“他（評論家）可能是對的，可是這又怎麼樣呢？也許正因為這段秀長的腰部才使她如此柔和，能一下子懾服住觀眾。假如她的身體比例絕對地準確，那就很可能不這樣誘人了。”
同時安格爾自己也說道：“先生們，如果我須熟記解剖學的話，那我就不會成為畫家了。”
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因此，
這樣的“造型不準”其實是為了更好的追求理想美，
根本不能否定作為古典主義大師安格爾的整體嚴謹性。
art張小玉
後人詬病安格爾造型不準，大多來自於他的一些人物畫，在人物比例上的失真。例如評論家德·凱拉特里曾評價他的《大宮女》：“他的這位宮女的背部至少多了三節脊椎骨。”但是藝術不是一種科學，沒有絕對的嚴謹，藝術的美是不能用科學的眼光來審視的。
安格爾的藝術風格是怎樣的呢？讓小新來告訴你吧。
安格爾是法國新古典主義的旗手，代表著保守的學院派，他特別熱衷於追求原始主義。但他並不生搬硬套，而是把古典美融化到了自然之中，從而得到一種簡練而單純的風格。安格爾在表現女性裸體這件事上充滿了熱情，他的自然道路就是愛神的道路。他對女色的嗜好是深刻而一貫的。當青春美麗妖嬈的女性和安格爾的天才結合在一起時，創造力往往是空前的。肌肉、曲線、酒窩、柔韌的皮膚——一切的一切，我們都可以從他的油畫上看到。
新氧生活
Jean-Auguste-Dominique ingres（讓-奧古斯特-多米尼克·安格爾1780—1867）是雅克-路易.大衛的學生。他是個線描的行家，或者說，他畫的線條都非常精美。而對線條的追求是所有古典派畫家千方百計耍讓畫面上的線條顯得比色彩更重耍。那怎麼會對他有「造形不準」的提法？這顯然是個對人體美學看法的問題。
在討論該答題時，耍清楚，對人體的美的討論離開了時代背景是無意義的。
安格爾曾說：「美的形體是那麼結實而豐滿的形體，在這些形體中，細節不能損害整體的外貌。」這一論述完全復合十八未至十九世紀初歐洲人對人體的審美觀唸的。甚至可以說，在整個西洋歷史上，人們總期待女性耍身材窈窕、柔軟、肉感，這些才是真正的大地之母，散發出感官的生產力。同時，也揭示了為何我們在觀賞文藝復興時期一直到比加索的裸女形象時，大多都是結實及豐滿的人物造型。
進化論的邏輯帶來了一套結實的對於普遍美麗標準的期望。宛如人們對大自然的標準-對水資源、獵物和庇護所的暗示，那麼人們對於女性美麗的標準也體現出對女性繁殖能力的一些暗示。這些都體現在健康和青春的兩類中：身體外貌特徵-豐滿的身體、明亮的膚色、光滑的皮膚、明亮的眼睛、富有光澤的頭髮和良好的肌肉狀況。這些都是關於繁殖能力的身體信號，構成了男性眼中的女性美的標準。安格爾的女性裸畫充分發揮了這一女性身體的美學觀。例如，1808年作的《瓦平松的浴女》一畫，構圖雖簡潔，但更具力量。左邊厚實的棕綠色幔帳形成垂直的平面，受眾視線自然而然地集中到右邊。坐在白色臥榻上的裸女，身體豐滿而真實，溫潤的身體與暖調的白色臥榻之間，用纏繞在祼女左臂上的衣物作為聯系。畫中的形式、光線與色彩、線條都承襲了意大利文藝復興時期大師們的筆觸，體現了美妙的綜合，讓浴女沉浸在熾熱誘人的氣氛中，引人遐想，尤其是裸女背向受眾，但頭微微旁傾，彷彿知曉背後有人想一窺她的面容，所以不完全轉身，安格爾成功地令人產生性感與猜疑之中。
那麼，是什麼時候改變了對女性身體豐滿美感看法的呢，是工業革命，女人同樣要工作。西蒙娜.波伏瓦有專門的論述。她在她的《第二性》一書中強調「新的」身體美學挑戰了傳統的女性理想-蒼白的、柔弱的、被不實用的服裝包裝起來的豐腴肉體。它旨在發展女性關於力量的普遍感覺「通過她的身體來確認自己、面對世界」：「讓她游泳，攀登山峰，駕駛飛機，同大自然的暴力做鬥爭，這樣，當她面對世界時，她就不會（因為她自己的身體而）感到膽怯」。也就是說，平胸及小臀部的審美風尚-男孩子的外型。這就是二十世紀女權主義宣言～
填格
安格爾是法國新古典主義畫派的最後一位畫裸體的猥瑣畫家。從他的作品得知，安格爾非常痴迷熱情於女性裸體，他對女色的嗜好非常專一。他在追求女色的道路上永遠沒有盡頭，也由此得知，安格爾的智商還停留在動物世界層面。
我們中國自古是文明禮儀之邦，“中國有禮儀之大，故稱夏；有服章之美，謂之華。”，人不同於禽獸，穿著除了遮羞之外，另外就是人的身體健康需要保暖，試想在大冬天的裸奔是藝術還是作死呢？
歐洲哪些蠻子，就知道畫裸體。文明與野蠻，高低立見。不過也沒有什麼奇怪的。如果中世紀不是東學西漸，歐洲也不會有文藝復興，思想啟蒙，以及後來的西方現代文明。
文藝復興嚴重的被誇大和美化了，從整體來看，他們一些小淫蟲比如喬爾喬內，普拉多，波提切利，安格爾等等就知道畫裸體，讓他們畫出《清明上河圖》，預計1萬年也畫不出來。他的主要作品有《土耳其浴女》、《泉》等。
接下來看看我們的：
東晉·顧愷之《洛神賦圖》
北宋·王希孟《千里江山圖》
北宋·張擇端《清明上河圖》
張萱的《虢國夫人遊春圖》
崇儒
要說一個畫家的作品有什麼特點，就得從一個畫家的藝術創作生涯中去理解。
安格爾是十九世紀法國傑出的古典主義畫家。其父親是位雕塑家和室內裝飾畫家。學過西方美術史的人都知道17世紀的西歐，開始流行一種古典主義文學思潮，古典主義藝術就是這個時代的產物。這時候的藝術家無論是在藝術實踐上還是藝術理論上都推崇古希臘、古羅馬的藝術，並以此作為典範和模版。安格爾作為法國古典主義的大師級人物，他同大衛一起將這種藝術思潮推向頂峰。他12歲開始在圖魯茲美術學院學習美術。在圖魯茲美術學院不僅學到了關於美術色教學課程，而且確定了他對安格爾的畢生熱愛，
在安格爾一生藝術創作生涯中，其追尋的是一種古典主義的美美學思想，我們可以看到在他的作品中經常運用古典美的法則，從而達到“古典美”與“自然美”。統一協調。他的作品以傳統法則為起點，重點是在對線的輪廓表現方力面有了很大的突破，改變了以往藝術家對線的認識，使線條涵蓋了更多來自情感方面的因素。同時他還主張畫家應重視自身藝術修養，這也是畫家進行創作的基礎。他認為藝術家在進行藝術創作時應該保持自己獨特的觀點，而不是被前人所限制。
安格爾的藝術作品最大的一個特點就是注重線條的運用，在他的作品中，素描作品簡潔明瞭，用很少的線條去表達作品的內涵。而對於色彩（油畫），他認為色彩只是用來裝飾繪畫的，但他同時又認為畫家應該運用與素描相互吻合的色彩，這是安格爾對待色彩的認識，其最終所要表達的目的就是突出的線條的重要性。
其實安格爾的繪畫風格很強烈：那就是線條很工整，輪廓準確，色彩單純而豐富，構圖嚴謹而和諧。他的畫使得已經失去活潑的古典主義，有了新的生命力和溫暖的表現，使古典主義有了復甦，有了發展。其代表之作《泉》，作品中把古典美和女性人體的美巧妙地結合在一起。出色地表現了少女的天真的青春活力。《泉》也是西歐美術史上描寫女性人體的優秀作品之一。因而安格爾的造型力純粹是對現實的一種感性的佔有。我們不能以簡單的形體準確不準確去判斷其藝術或者藝術創造力。
山人說藝
讓·奧古斯特·多米尼克·安格爾（Jean Auguste Dominique Ingres，1780年8月29日-1867年1月14日），出生於法國蒙託（Montauban），畫家。他從小父親就有意培養他對藝術的興趣，17歲就是一個畫家，成名後被譽為新古典主義的旗手。
從美術史的角度講，安格爾表現最為出色的是肖像畫和人體畫，二者相比較，藝術成就最高的該是人體畫了。他是拜倒在女人面前創造的真正藝術品，他的自然道路就是愛神道路，對女色的嗜好是深刻的，當他的天才藝術與青春美麗的相結合的時候，創造力是空前的。
安格爾追求的是一種永恆的、純粹的美。他認為最美的線條是曲線，最美的形體是帶圓弧形的形體。因為柔和的圓弧線在人的心理視覺上不受任何阻力，故能引起舒適的快感。安格爾在女性人體上找到了這種理想的典型，所以大量描繪圓潤飽滿富有曲線美的女體。 不清楚他到底有多少這種作品，從他的作品看出他確實找到了他想要的那種最美的線條，曲線、圓弧，有點唐朝女人的那個味道。
吳一道
如果說安格爾的繪畫有什麼特點，一句話可以代表：學院派的文藝青年。
一、文青的創新
作為新古典主義繪畫的佼佼者，他的外在是較為保守的學院派，內在卻是一個尋求創新的文藝青年。由於那個時期剛剛發展起來浪漫主義繪畫，如果繼續保持傳統的繪畫風格是很容易落後的，於是骨子裡那個文青琢磨出一種既不得罪學院派又能創新的方法——小幅度改變人物的比例（他提倡繪畫需要研究人體比例但不可因為人體解剖學知識而阻礙了藝術創作）。
圖為文青本人自畫像
二、強化IP
安格爾這樣做雖然有一定的風險，但恰恰是這種顯而易見的“錯誤”引起了更多人的注意，如果在他無法改變古典主義繪畫風格時（古典強調結構、浪漫強調色彩），他的這一舉動無形間強化了他的個人IP，在人氣上佔據優勢。
三、理性與感性
古典主義表達理性，浪漫主義抒發感性，但人類對於“美”的認知是偏感性的，安格爾的繪畫屬於以理性的思維表達感性的美麗，其代表作《泉》就是這種風格混合的完美展現（下圖是局部）。
配圖來自網絡，一個畫畫的非專業的專業HR聊的不只是藝術。
艾米Whisky
實際上每個大師作品不是件件都是精品，這些很正常。
