日本民艺运动开始于上世纪二十年代，开创者柳宗悦是民艺理论家、美学家，他提出的美学理论富有哲理：
“美，必须是生活的产物。”
“一个国家或许可以只推出少数几个非同寻常的人，然后再去夸耀其名声。但是，一个国家的文化程度实际状况如何，则应该根据普通民众的生活进行判断，最显著的反映就在于民众平时使用的器物上。”
“民艺品中含有自然之美，最能反映民众的生存活力，所以工艺品之美属于亲切温润之美。在充满虚伪、流于病态、缺乏情爱的今天，难道不应该感激这些能够抚慰人类心灵的艺术美吗？”
柳宗悦（1889-1961），日本著名民艺理论家、美学家。1936年创办日本民艺馆并任首任馆长，1943年任日本民艺协会首任会长。1957年获日本政府授予的“文化功劳者”荣誉称号。“民艺”一词的创造者，被誉为“民艺之父”。
这三段话，在当时是有明确指向的。
“生活”，是指一方水土养一方人的生活，尤其是普通民众的生活。
为什么这么解释呢？
日本自明治维新开始，在西方文化的冲击下，如何认识传统文化的价值，是经过了相当一段时间混乱的，而民艺运动，正是为传统文化进行价值定位的一个努力。
柳宗悦开创了日本的民艺运动，并组建了“民艺协团”，与众多日本学者和工艺作家，大量搜集造型优美的日用器具，指导民间艺人和匠师恢复传统工艺。
自古以来，日本接受外来文化都是自上而下的过程，于是，要寻找传统文化的价值，最便捷的方法就是走向民众的生活。
柳宗悦是通过日常物品来发现传统审美价值的。他把这类物品限定为实用品和普通品，主要是手工批量制造的、价格便宜的、贴近日常生活的物品。而对这类物品的价值发现，集中于“民众的工艺”，简称“民艺”。
据说，从民众生活用品中发现美，在当时是划时代的想法。但对同样一件物品，因着人们审美价值的不同，感受也不尽相同。
柳宗悦的审美来自禅。
柳宗悦进入日本贵族学习院后，遇到了影响他一生的人，就是当时在该校教英语的老师铃木大拙。之后，他与这位世界的禅者保持了一生的亦师亦友的关系，并且深谙禅道。
左起为铃木大拙、柳宗悦
柳宗悦在1941年《工艺文化》一书的序言中总结道，他所要阐述的真理都可以归结到“无事”二字上，在此之外的任何地方都无法找寻出工艺的美之归宿；在任何时代，对任何民族来说，这都是恒古不变之原理；这虽是禅语，但是也同样适用于阐述美之场合。
铃木大拙《无事》
下这么一个普遍性的结论，是否妥当呢？也许，有值得商榷的地方；但也存在这么一个现象：日本人与禅宗有着一种天然的亲近，尤其是挖掘日常审美的时候。
随南宋禅宗传入日本的茶文化，在日本最初兴起时是书院茶道，其功用主要是鉴赏来自中国的文物，甚至是权贵们通过展示自己拥有的中国文物，来炫耀财富和权力。后来发展出的草庵茶道，是在茶道走向日常生活的过程中出现的，形成了茶禅一味的茶道。
可以说，以禅者的角度发现日常美，在日本有很长的历史，连绵至今。
柳宗悦在《杂器之美》写道：“正是朴实无华的器皿，才蕴藏着令人惊异的美。”
要想使器皿呈现朴实无华，工匠在制作时应该是无欲的，仅仅是为了实用，而不是要成名成家。
一个工匠如果只一味迎合别人，就会事与愿违，也不会成为优秀的工匠。因为，如果工匠的表现欲太强，就会使作品表现出不自然，甚至矫揉造作；而一旦沉浸于磨炼自己，对其他事情视而不见，进入无我的世界，就会创作出“朴实无华”。
从日复一日制作出大量民艺品的工匠身上，柳宗悦感受到了工匠的无欲无求，并且从纯粹的造型中发现了美。
无心于事，无事于心。
无欲无求的心境，会更净化器物之美。
于是，毫无矫饰，成为民艺的起点。
柳宗悦书法《无有好丑》
所以，在柳宗悦眼里，“无”是“好”的，而一旦“有”，就会“丑”。
其实，这种工匠文化并不是柳宗悦最早提出的。在江户时代，就流行诸业如禅的理念。在铃木正三（1579—1655）提倡的职业观里，就有“农禅一如”、“工禅一如”、“商禅一如”。石田梅岩（1685—1744）提出著名的职业观——“石门心学”，其核心思想是“诸业即修业”。
不过，从民艺品中发现并且提倡“禅”，就是无心之美，是开始于柳宗悦。
从柳宗悦的民艺理论构成看，“用之美”，同样也是中国古董收藏的审美；突出素材之自然美，是日本传统；只有无心之美，才是他的思想特色。
不过，柳宗悦领导的民艺运动不单是理论倡导，更要用物品来进行诠释。1936年，他创办日本民艺馆，为首任馆长。他说：“民艺馆的使命在于提示美的标准。”
东京，日本民艺馆
柳宗悦诞辰120周年之际举办的特展
怎么才能看出器物上的“无心之美”和“用之美”呢？
从民艺馆选出六件代表性藏品，我们来看看。
刷毛目茶碗，朝鲜半岛，15世纪后期-16世纪前期
染付秋草文面取壶，金沙里窑，朝鲜半岛，18世纪前期
志野铁绘粟文平钵，日本，16世纪
铁绘苇文壶，日本，17世纪
染付山水文钵，日本，17世纪
染付草文猪口，日本，17世纪
这六件藏品都是出自民窑。外形简单色彩质朴，仿佛这就是我们日常身边之物。如果仔细品味，却发现每一笔草纹、每一处冰裂，淡泊寂寥；一点一线，皆有不同。
尤其这寥寥数笔，却藏着匠人熟练到极致，在一个接一个的批量生产中表现出的自由和忘我，在产品上凝结出的无心之美。
随着时间推移，器皿上呈现的染渍、裂纹以及一些使用过的痕迹，使这些日常之物真正成为艺术品：一件由匠人传递到使用者共同完成的艺术。
并且，这种美一直在岁月中传递与延续。
穿过茶碗，看到了某个晴朗的下午……
在民艺馆里，还有一件作品值得关注，就是木喰和尚雕刻的地藏菩萨像。
地藏菩萨像，日本，木喰明满，木雕，1801年
木喰是江户时代一个名不见经传的和尚，他曾发愿走遍日本的灵山圣地。在途中，他看到佛像信仰非常普遍，但佛像在偏远地区却十分缺少，便立下随处雕刻佛像的志愿。
他对雕刻佛像的木料没有特殊要求，既雕刻大型系列佛像，也随手将一些边角料制作成佛像，而且每完成一尊，他就在佛像背后刻下铭款，记录完成的时间和地名，并送给当地的寺院或者百姓，为他们祈福。他不为取悦任何人而进行雕饰，佛身的台座和衣服的纹路都有钝角的刻痕，每一刀的位置和力度清清楚楚，犹如禅者墨迹的笔触，耐人寻味。
尤其到八十岁后，他的修行觉悟留在每一尊佛上，就是每一尊佛像都有一张纯稚的笑颜。这笑颜曾经慰籍过许多人的心灵。
木喰和尚送给百姓的佛像，不止被供奉着，因为和蔼可亲，有时也被小孩当成玩具玩耍，留在佛像上的划痕，更表现出佛的慈悲。
柳宗悦惊喜于这些佛像上拙朴无心的刻痕，更感动于木喰和尚的菩萨心肠。
这是真善美高度统一的民艺。
时至今日，柳宗悦的民艺思想对许多工艺美术创作者都有着深刻影响。在NHK《美之壶•民艺》里，举出一个漆器工艺家伏见真树的例子。
伏见先生从年轻时就受柳宗悦思想的影响，在三十多年的职业生涯中，总结出的感悟是：只有不断重复，忠于基本，才能呈现出极致的美；简单的、毫不矫揉造作的漆器，正是无心创作的结晶。
伏见真树的漆器作品
其实，柳宗悦民艺思想的影响不止在手工制作，他所建立的美学，无论理论还是用来提示美的民艺品，对日本民用品工业的设计理念同样具有深远意义，其中就包括著名的“无印良品”。甚至可以说，“去矫饰”已然成为日本日用品的一个特点。
柳宗悦美学精神的传承：无印良品
总之，日本民艺运动是在禅的引导下，发现日常用品的美，创作日常用品的美，拓展禅意生活，帮助人们安心地活在当下，面向未来。
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