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影院復工，你的第一張電影票給了誰？
有人把欠星爺的《大話西遊》的電影票給還上了；
有人是《星際穿越》中國內地8億多票房的一份子；
還有人看起了新的國產動畫電影《妙先生》。
而其中有部電影，不去影院看真的就虧了，它就是：
《1917》
想必很多人對這部電影都很熟悉了，作為薩姆·門德斯繼《鍋蓋頭》後執導的又一部戰爭片，它早在2019年聖誕節就已經在北美上映。
從金球獎到好萊塢影評人協會獎、英國電影學院獎，幾乎在各大電影獎項中你都能看到它的身影。
影片剛公映沒多久，就得到第92屆奧斯卡10項提名，最終斬獲最佳視效、最佳攝影、最佳音響效果三項大獎。
《觀察者》稱讚它是：
“自《拯救大兵瑞恩》之後，最好的戰爭片。”
《紐約郵報》也給出了很高的評價：
“現代戰爭片的經典，2019年最好的電影之一。”
它到底有什麼魔力呢？
我們不妨來一窺究竟。
其實，影片的情節並不複雜，從時間上來看，故事發生在1917年4月，也就是第一次世界大戰（1914年-1918年）期間。
要知道，一戰主要分為西線、東線、南線三大戰線，其中以英、法對抗德國的西線戰況最為慘烈。
而影片主要聚焦的也正是英軍與德軍長期僵局後，兩個年輕的英國士兵布雷克和斯科·菲爾德成為信使，奉命去前線傳達阻止進攻興登堡的命令。
兩人一路上穿越槍林彈雨，甚至有人不幸犧牲，最終將信送到，阻止了進攻，拯救了1600名英國士兵。
如果你問它最大的看點是什麼？
也許很多人會大聲地說——一鏡到底！
所謂的一鏡到底，實際上就是“
攝影機不要停”，一次性將全片拍完而沒有剪輯。
因此，要拍攝一鏡到底的影片，對於主創人員是巨大的挑戰，歷史上有名的是希區柯克的《奪魂索》和索科洛夫的《俄羅斯方舟》。
而2013年包攬奧斯卡四項大獎號稱“一鏡到底”的《鳥人》，實際上也經過了剪輯。
對於《1917》來說，儘管全片也並非是真正的一鏡到底，但為了保持這種狀態，主創組可謂是費盡心思，許多網友甚至睜大了眼睛去摳出片中的剪輯點。
為了連戲，影片都選在陰天拍攝，拍到一半太陽出來了？
那就中斷拍攝，等到沒有陽光的時候再拍。
演員爬鐵網、跳水坑、從上到下，一直奔跑怎麼拍？
那攝影師也得化身“跑男”，先被吊起來，之後下了地又帶著器材坐上小車繼續拍。
因此，一鏡到底帶給了我們什麼呢？
是身臨其境的沉浸感。
從主演選擇喬治·麥凱和迪恩-查爾斯·查普曼兩位臉生的“90後”演員開始，影片就想讓最普通的大眾擁有代入感。
我們跟隨著主演的一呼一吸，一舉一動，很多時候就像在玩第一人稱的遊戲。
首先，影片中有很多讓人“疼”的情節。
在菲爾德扒開鐵網，卻被上面的刺狠狠紮了一下，還得用力拔出來，在看電影的我們也彷彿被紮了一下。
然而為了任務卻顧不得自己的傷手，還得在泥水裡爬來爬去，甚至一手撲進了被老鼠撕咬的腐屍中，讓人直擔心他的傷口會不會感染。
其實，在一戰落後的醫療條件下，傷口感染也莫得抗生素，只能截肢。
可以說，在那種狀況下，士兵受傷基本上等於一腳踏進了鬼門關。
而影片並沒有讓菲爾德遭受巨大的創傷，反而是小小的扎傷，卻以小見大帶給觀眾相當直接的受傷感受。
而地下道突如其來的地雷爆炸也讓人揪心，被殘骸掩埋的喬治，坐起來吐了一口沙石，銀幕前的觀眾也像吃了一嘴的灰。
此後，在菲爾德想要拖著受傷的布雷克走，一邊感覺到了菲爾德難以承受的身體的重量，而另一邊是被扎破肚子的布雷克裂開的傷口。
嘶——真疼啊。
尤其是在失血過多的布雷克意識模糊地問菲爾德，兩人的對話非常揪心：
“我要死了嗎？”
“……是。”
聽慣了一直說“不是”“你不會死的”的安慰，片中短短一個“是”，卻讓人覺得如此的殘忍。
其次，影片也還原了塹壕戰的“苦”。
在武器和各種偵查技術還比較落後的一戰時期，對戰的雙方基本上是用人肉戰術去爭搶每分每毫的土地。
在英、德兩方的壕溝之間，便是鐵網密佈、屍橫遍野、堪稱“人間地獄”的無人區。
士兵常年在泥水中浸泡，整週整週地洗不了澡，上廁也所沒紙，與被屍體喂得碩大無比的老鼠日夜相伴。
兩個主角在執行任務中，管他是不是水坑直接去踩，遇到危險更是一屁股就坐到了爛泥坑裡——
在生死之間，還管他什麼髒和乾淨！
尤其是之後逃出德軍魔爪的菲爾德，穿過激流與瀑布，爬過許多漂在水上的浮腫的死屍，回到岸上的菲爾德撲下來邊哭邊喘著粗氣。
噁心、委屈、堅持的複雜情緒交織，處於崩潰邊緣的他讓人心疼。
不管是主角累到在水裡睡著，還是開槍前的深呼吸來鼓起勇氣，影片的創造的代入感非常細膩。
當然，在一片讚譽之外，我們也能看到有一些不同的聲音，對影片的質疑主要集中在以下兩點：
第一，一鏡到底是炫技，劇情單薄經不起推敲。
第二，影片劇情寫實又寫意，風格沒能平衡好。
實話說，在提出這兩點質疑之前，這裡想重點劃出一句話——
《1917》拍的是一戰。
一戰又意味著什麼呢？
意味著非正邪戰爭的一戰，是個徹頭徹尾的悲劇，它的立意與劇情衝突並不好展現。
就拿《拯救大兵瑞恩》《血戰鋼鋸嶺》等頗受大家認可的戰爭片來說吧，它們的故事其實講的都是二戰。
比起有明確的反法西斯立場的對立，以及為了正義犧牲的精神還可以宣揚一波主旋律的二戰，一戰思想層面基本上都脫離不了
反戰。既然說到一戰電影，而這裡繞不開三部電影——
第一部，1930年劉易斯·邁爾斯通執導的《西線無戰事》。
在20世紀30年代的美國，堪稱最血腥電影的《西線無戰事》，對戰場的殘酷性和戰爭對士兵人性的扭曲的揭示是非常深刻的。
一群涉世未深的“娃娃兵”夢想破滅，被戰爭折磨得不成人樣，甚至連死亡對他們來說都是解脫。
主人公爬出戰壕捕捉蝴蝶而被打死的一幕，載入影史。
如果說《西線》是“捉蝴蝶”的鏡頭，那麼在《1917》中主人公在水中撈起一片櫻花，彷彿看到兄弟近在眼前，從而得到了前進的力量，堪稱全片最美鏡頭之一。
也許是《1917》對《西線》的致敬，兩部電影中都出現了“櫻花”。
不過，比起《西線》中士兵借櫻花表達對家鄉故人的懷念，而《1917》不僅代表布雷克的思鄉之情，對於菲爾德來說更多了一份兄弟意志的繼承。
此外，一部是德軍殺了法國兵，而另一部是英軍打了德國兵，兩部電影對戰立場不同，經歷的事件卻高度相似，無疑都在說明一戰的無意義。
第二部，1957年斯坦利·庫布里克執導的《光榮之路》。
作為不到30歲的庫布里克執導的一戰電影，片中將主要矛盾聚焦在了法軍內部。
法軍將領瞎指揮，卻讓3個無辜的小兵背鍋，視人命於草芥，深深地諷刺了一波官僚主義。
而比起《光榮之路》主要聚焦於這一場冤案，《1917》更多的是涉及到了這一點。
正如“卷福”飾演的軍官所說的：
“這只是暫時的，等到下週司令部就會發出不同的命令，在黎明時進攻。”
“只有一種方式結束這場戰爭，戰至最後一人。”
從這裡看，《1917》涉及的戰爭議題，實際上是有廣度的。
第三部，2018年彼得·傑克遜執導的《他們已不再變老》。
有什麼比看到真正的戰場更有說服力的呢？
影片根據一戰時珍貴的視頻、圖片素材，使用彩色修復技術，加上後期配音製作而成。
不論是掛在鐵絲網上的屍體，還是爛泥巴塹壕、站著睡覺、散發臭味的死馬，亦或是破壞一切的德軍，我們能在紀錄片中親眼看到。
而《1917》的靈感來源於親身參戰的薩姆·門德斯的爺爺，想必導演也參照了《他們已不再變老》。
可以說，《1917》對許多戰爭場景、細節和士兵的狀態的還原度還是很良心的。
而比起上面提到的三部電影，我們能看到《1917》更像是上面的故事發生之後，經歷了種種的主角菲爾德
有了更多主體性，勳章拿來換酒喝、討厭回家、甚至對布雷克選擇他進行抱怨，對一戰的無意義性早就有了自覺，因而相當“佛系”。即使是在布雷克死後，菲爾德為沒有嚎啕大哭，回到車上上演的也是“人類悲觀並不相通”式的恍如隔世之感。
可以說，整部影片沒有強烈的控訴，情感更加剋制、內斂、細微。
而與“佛系”主角相匹配的，是整部影片的高級“性-冷淡”風。
水上漫天飛舞的櫻花，奔騰火焰中的十字架，森林中士兵們唱思鄉曲，油畫般的法國女人與女嬰，冷色調中簡單的暖色調，把戰爭片推到了新的美學高度。
對於看慣了滿屏血漿、各種爆炸場面的觀眾來說，這種審美反而符合當下流行的“極簡”風。
結合上面提到的三部電影，其實我們能看到《1917》的內在精神一直有延續，而在此基礎上又憑藉“一鏡到底”的手法賦予它以遊戲感和性冷淡風，以呼應當下審美。
因此，從整個一戰系列影片來看，寫實又寫意的《1917》正像是兩個時代過渡間的產物，它對於整個一戰電影的創新是令人矚目的。
正如導演薩姆·門德斯對拍攝電影的緣由的解釋：
“人們無法意識到戰爭有多可怕。”
一鏡到底的《1917》帶給我們的不再是上帝視角、全知視角，不是一堂戰爭課，也不算主旋律，沒有那麼多憤世嫉俗，而讓我們化身為一個個v-logger，看了一場直播，玩過一把遊戲，注重對個人化、原子化的視界和情感的展現。
比起大而化之的為國家而戰，在影片的最後，“被動”執行任務的男主角菲爾德充滿不在乎的“佛系”，變為“主動”繼承兄弟遺志、拼盡全力將命令送到的信使，動機個人又具體。
然而，卷福的反應無疑在說明：
“你阻止了這次，那麼下次呢？”
送了個寂寞，瞬間將菲爾德做的一切努力全都解構，所有的一切不過成為了一場虛無。
最後，坐在樹下看著妻女照片的菲爾德又陷入了一個循環，
彷彿現在除了親情，已經沒有其他的精神嚮導，無疑與後現代的當下不謀而合。
一個時代的戰爭片有一個時代的模樣，走在前面的諾蘭的二戰片《敦刻爾克》是，門德斯的一戰片《1917》也是。
從這個意義上來說，初看讓人驚豔，再刷值得細品的《1917》，即使有瑕疵，但它的開創性還是值得最熱烈的讚美。#影視雜淡#
青石電影編輯部 | 晨晨
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本文是作者作為“頭條理娛君”特約作者而寫，來今日頭條看娛樂，有點有料有深度
