文／愛地人
上週，第二季《明日之子》進入到第二期。有一幕觀眾應該注意到了，在以古風為長的選手李袁傑演唱自己的成名曲《離人愁》時，星推官華晨宇點評到：“作為一個創作者，樂理知識很重要，否則你不知道自己在些什麼，這個很可怕，太浮躁了，然後就會標註自己是原創人，你們會影響到觀眾的。”這段話一出，瞬間引起各處關於“古風”音樂的大討論，“不是和古風沾點邊的都能來碰瓷古風圈”、“赤裸裸的音樂圈鄙視鏈啊”……雖然從節目名字上來講，《明日之子》是一個典型的偶像養成型節目，但從上一季毛不易的上位，一直到這一季已經進入的兩期節目，你卻可以發現《明日之子》這個節目，不僅是原創屬性很強的節目，也是一個音樂屬性很強的節目。
這種音樂屬性，既體現在攜原創作品的獨立音樂人很多，也體現在華晨宇、李宇春等導師在點評上極強的專業性，其實還包括了節目對於多元曲風的包容體量。比如，在《明日之子》這個節目裡，你既可以聽到流行，也可以聽到說唱；既可以聽到搖滾，也可以聽到國風，當然也同樣會有R&B和EDM，基本這個時代、甚至不太屬於這個時代的音樂類型，都可以在《明日之子》的舞臺上聽到。
雖然《明日之子》的節目，在音樂類型上有包容性，但當不同風格的音樂類型，同時出現在一個平面時，也難免有選手與選手之間、選手與導師之間，或自覺或不自覺的流露出一些那……什麼什麼來，也許這就是潛在的音樂鄙視鏈屬性。
那麼音樂鄙視鏈又到底是一個什麼東西呢？
音樂圈鄙視鏈，它真的存在著
音樂圈鄙視鏈這根鏈條，古已有之。當然，它在最近再次被髮酵，還是因為去年年底的《吐槽大會》節目中，網紅音樂人飛飛的重新提起。
在節目中，飛飛也詳細例舉了這條鄙視鏈的上下級關係。“玩古典的瞧不起玩爵士的，玩爵士的瞧不起玩搖滾的，玩搖滾的瞧不起玩流行的，但這幫人，所有的人，都瞧不起玩說唱的”。
這還真不是新鮮的觀點，更不是一個有個性的觀點，而是很早以前就已經出現，並在多種場合不斷重演和應用的一種現象級……現象。
別的不說，就說第二季《明日之子》的第二期，其實就有很多細節，能夠局部體現出這種鄙視鏈的特徵。
比如李袁傑把Rapper說成Popper，或者可以說是一種無知的口誤，但藉著道歉之名，說自己之前對於說唱的理解，就是“只要有節奏感，會說就行了”這一觀點，甚至可以說是很多人對說唱音樂，一種非常具有代表性的誤解。
這或許就是說唱音樂這種風格，為什麼會處於音樂鄙視鏈最下游的原因，看起來這種音樂在很多音樂人眼裡，並不是音樂，而是把它當成了朗誦。這是多麼大的誤會，也是多麼大的誤解啊。
除此之外，臺灣著名音樂人林隆璇之子林亭翰，也在第二期節目中，走上了《明日之子》的賽道。但即使沒有被吳青峰相中，他最後還是心有不甘的說自己在獨秀賽道無法被取代，而不能取代的原因，竟然是因為別的參賽選手，只是一些Rapper，只會彈吉它，而他卻會彈鋼琴。這其實也是流行看不起民謠和說唱，學院看不起非學院音樂人的一條鄙視鏈。
因為在很多音樂人眼裡，鋼琴才是樂器之王，學習鋼琴所需要的和聲等等樂理知識，要遠比吉他和說唱音樂的Beat更有技術含量。這又是對音樂多麼大的誤解啊！
其實在華語樂壇歷史上，這樣的鄙視鏈真的是太多太多了，尤其是在搖滾樂領域。比如早年北京搖滾圈曾經搞過一個90現代音樂會的集體活動，而這也是中國搖滾歷史上第一次拼盤演唱會，但後來成為中國銷量最高搖滾樂隊的“黑豹”樂隊，卻與這次活動擦肩而過，他們被其他樂隊拒絕的理由，恰恰就是因為他們作品太過於流行化。而不久後，“黑豹”樂隊簽約香港Kinn’s廠牌，也就是憑藉流行搖滾的《Don’t Break My Heart》，登上了香港的排行榜，併成為了中國搖滾樂歷史永恆的經典。
黑豹樂隊
被中國搖滾樂迷津津樂道的94紅磡搖滾樂勢力演唱會，在舉行之前的發佈會，也因為何勇的一句“四大天王是小丑，只有張學友還像個唱歌的”，引起了香港音樂圈的軒然大波。而從何勇的抨擊裡，其實蘊含的意思，就是對香港流行音樂徹底的鄙視。因為在那一代搖滾工作者眼裡，搖滾樂才是有社會責任感，有人文意義的好音樂。
至於爵士樂，國內在爵士樂工作者，倒是很少對流行樂說過什麼狠話，那也是因為大部分爵士樂手，根本就不屑於和你們玩，！
音樂人鄙視音樂人的時候，他們鄙視的是什麼？
其實從音樂圈典型鄙視鏈的上下游關係，我們可以基本判斷出這種鄙視鏈的特點，而這個特點最核心的一個元素，就是音樂技術。
從技術上來講，古典音樂當然是最難的，這毫無爭議。比如在這個時代，一個音樂人你要白手起家、自學成材，繞過所有的音樂學院、科班訓練，單靠自己琢磨就能寫出奏鳴曲、協奏曲，甚至交響樂，那……簡直就比不可能還不可能。
爵士樂也好不到哪裡去？雖然歷史上的爵士大家，以古典音樂的標準來講，也是標準的樂盲，好多樂手也不識譜，也沒經過系統的訓練。但不能忽略的是爵士歷史上的許多大師，尤其是黑人音樂大師，他們往往有著先天對節奏的敏感，而爵士的和聲與律動體系，與他們身處的環境常常息息相關，即使不刻意學習，也已經成為一種基因埋在了血液裡。
美國黑人JAZZ歌王Nat King Cole
再往下走，搖滾樂需要至少三大件：吉它、貝司和鼓，除此之外一支樂隊還可以有鍵盤，還可以有管樂等等。一支搖滾樂隊，其實就是一個現代音樂的和聲體系，雖然玩搖滾可以半路出家，但出家之後也就同步學習了樂理，而這，也是有技術含量的。
到了民謠，因為很多民謠歌手只靠一把吉它創作，而且由於吉它的相對易學性，入門門檻也較低，在只掌握了幾個和絃的基礎上，就能寫出無數首的作品，所以也成了很多非學院化音樂愛好者，首選的創作工具。
民謠歌手馬頔
也正是因為入門門檻低，造就了現在很多民謠音樂人，在僅僅只掌握幾個和絃的同時，就開始大量“創作”所謂的自己的作品，之前民謠最火的時代，不斷被人吐槽民謠音樂靠幾個和絃、幾組詞彙闖天下，就是因為從業者水準的低下，連累了民謠這個詞。
其實像第二季《明日之子》第二期節目中，華晨宇對於李袁傑的懷疑，也算是一個學院化音樂人對這種一知半解型所謂創作者的鄙視。當然，這一點上華晨宇的質疑是有道理的，也就像李宇春附和所說的，這麼簡單的和絃都不會按，我很難理解他的歌是怎麼寫出來的？
至於說唱，不得不說，這是一個和流行、搖滾、民謠、古典都完全不同的音樂體系。說唱與電子音樂，其實是打破了以往音樂的和聲體系，不管音樂創作，還是節奏律動都和傳統流行音樂有了很大的不同。但也正是因為這種不同，讓傳統音樂人對這種類型的音樂，因為不懂而真的不懂，所以就處於鄙視鏈最下游了。
你可以鄙視音樂，但不能用鄙視鏈去鄙視
可以為鄙視鏈這種現象定個性，你可以鄙視，但不能用鄙視鏈去鄙視。
很簡單，如果你用鄙視鏈去鄙視，那就是典型的教條主義。打個簡單的比方，如果真像鄙視鏈鄙視的那樣，所有搖滾都高於流行，那麼是不是隻要你自認為是搖滾歌手，你隨便寫出一首搖滾歌曲，併為它貼上標籤，你就可以宣佈超越張學友，並把這個消息告訴李宗盛了？
在這一點上，可以站隊第二季《明日之子》的星推官吳青峰。在選手徐夢圓登上舞臺表演時，因為使用了控制檯，並且用絢麗的音色，交織出一種很帥、很酷的音樂，相比之前的李袁傑，確實會給人耳目一新的感覺。
但吳青峰卻還是給這個表演潑了一點冷水，因為他就覺得這個表演是靠編曲撐出來的，而他希望這個作品本身的旋律可以更強，有更強的舞臺侵略性。
吳青峰評價徐夢圓
看看，這就是有格局的專業音樂人的視角。
其實這幾年的音樂圈鄙視鏈，不僅在歌迷中存在，在音樂媒體、甚至音樂人中間，也同樣存在。其中在音樂人圈中，有一個最大的鄙視圈，就是音樂行業圈內人，一直鄙視網絡歌曲作者。也正是在這條鄙視鏈之下，龐龍、刀郎、鳳凰傳奇，還有那首熟得不能再熟的《小蘋果》，都頻繁中刀、補刀、再中刀。
但實際上在很多人鄙視所謂下游的同時，卻忽略了一個重要的東西。即音樂作為一種傳播型藝術，它真正的支點是什麼？
你問我什麼，我的答案就是旋律。
旋律才是流行音樂的王道，所有把歌寫得很難聽，卻找出技術、人文等千般理由，說自己作品層次高的，其實都是耍流氓。
其實可以看看這幾年國際流行音樂的發展，《江南Style》，《Call Me Maybe》，還有火得不得了的Ed Sheeran、Taylor Swift和“火星哥”等等，他們被傳唱的歌曲，按我們的標準，就是和《小蘋果》類似的神曲。
“神曲”創作者們
對於旋律的重視，尤其是擅長中毒性旋律和洗腦旋律的創作，並在這個基礎上加入人文的內涵。尤其是像這幾年EDM的發展那樣，逐步融合更多新鮮的元素，這才是流行音樂本質、內容和技術同步的發展之道。
而一旦達到這個共同的認知，所有音樂人都團結在以旋律為基本的中心上時，流行音樂的鄙視鏈也才會消失。
對於樂迷來講，這一期《明日之子》裡李宇春說的一句話相當重要，“懂得欣賞音樂也是一件很重要的事情”。然後看看你是不是在此前對鄙視鏈深信不疑，甚至當成了金科玉律。
共勉之吧。
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